Рабочая программа по МХК 9 класс

Учебное пособие по МХК

9 класс

Эпоха просвещения. 18 век

Бондаренко А.Б.

ст. Тацинская

2009 год

1. Введение

Мировая художественная культура в 9 классе понятие о культуре эпохи Просвещения 18 века. Прежде, чем перейти к изучению данной темы, вспомним, о чем мы узнали в 8 классе. Помните, мы начали с танцев вокруг тотема, потом приняли участие в строительстве пирамид и храма в Луксоре, а с его лотосовидных колонн направили свой взор в сторону Древней Греции. Там, на фоне дорических ордеров, украшающих Парфенон, прекрасный Аполлон направляет нас к великим римским императорам, скульптурные портреты которых реалистически переданы римскими мастерами. Мы прогуливались по улицам Древнего Рима, стояли около Пантеона и Колизея, проходили с победоносной римской армией через Триумфальную арку, терпели поражение от варваров и ушли в Византийский Константинополь. Были под куполом св. Софии, любовались на мозаику первых христиан, впитывали дух второй римской империи, которая, умирая от засилия мусульман, передала Москве атрибуты имперской власти и Русь стала третьим Римом. По всей Европе еще долго будут междоусобные войны и их церкви будут похожи на крепости, а когда христианство научит народы терпимости и примирению, возвысятся храмы и соборы к небу, воспевая хвалу Богу. Окрепнут страны, заживут по-новому, осознают свое национальное достоинство, разбогатеют и пожелают жить в роскоши. Роскошь станет атрибутом королевской власти, силы и мощи государства и чем ярче будет светить позолота в королевских дворцах, тем темнее будет в лачугах бедняков. Закончился век 17, встречаем век 18 - последний переход от феодализма к капитализму. Вдруг, ни с того ни с сего, 18 век назвали веком Просвещения.

Что такое Просвещение?

До 18 века главной культурологической ценностью была религия. Даже эпоха Возрождения (по-французски Ренессанс) основывала свои идеи гуманизма, опираясь на религию. Церковь играла большую роль в государственной власти, но стоило в 18 веке во главе государства установить абсолютную монархию, не подчиняющуюся церкви, как на первый план выступили идеи просвещения, а церковь подверглась критике.

Вспоминая комедию Мольера «Тартюф», вы возразите:

- Вот пример абсолютной монархии, но какое же здесь просвещение? Ну, разоблачил король мошенника-святошу, ну разобрался в семейной ситуации дворянина. А ума-то ни у кого не прибавилось!

Король в 17 веке еще воспринимался как наместник Бога на земле. И только когда он поставил церковь позади своей власти, появилась возможность развивать науки, пропагандировать просветительские идеи. Впрочем, и «Тартюф» воспитывает. Вспомните, не зря он показал святошу с дурной стороны и потом, горький опыт доверять святошам, наверное, чему-то научил доверчивого дворянина.

Ученые, философы почувствовали свободу и независимость от церкви и ударились в другую крайность - в материалистическую философию. Конечно, религия еще оказывала влияние на людей, все посещали храмы и соборы, короли еще прислушивались к голосу отцов церкви, но за свободомыслие на костер уже никто никого не отправлял. Каждый уважающий себя аристократ чаще брал в руки не Библию, а «Энциклопедию», которая была создана на идеях просвещения, на убеждениях в силе человеческого разума. Основоположником знаменитой книги был французский философ Дени Дидро.

Мыслители 18 века первыми обратили внимание на безграмотность и невежество на крайнюю нищету низших классов и роскошь богачей, на зависть одних и презрение других. Так вот мыслители наивно полагали, что воспитанием и просвещением можно исправить это далеко не идеальное общество. По этому поводу бытует такая формулировка: просвещение - это стремление мыслителей к морально-этическому исправлению человека. Человек, как уникальное творение природы, должен быть свободен от религиозных догм. Он - часть природы, а природа - Бог. Боги должны жить в раю, т.е. в идеальном государстве. Следовательно, люди должны быть воспитаны и образованы.

Просветители-писатели, философы, ученые стремились устранить недостатки существующего общества, изменить его нравы, политику путем распространения идей добра, справедливости, научных открытий.

Они-то и подорвали церковную идеологию, подготовили народ к буржуазной революции. Вообще-то они этого не хотели, они мечтали об идеальном обществе в идеальном государстве, создавая свой утопический социализм.

Они утверждали: «Чтобы быть достойным лучшей жизни на земле, надо владеть своей волей, совершенствовать свой ум, уйти от религиозных предрассудков» (Жан Жак Руссо).

Спиноза ему вторил: «Главным становится воспитание человека. Будет человек грамотным, разумным, воспитанным - таким будет и общество».

В творчестве поэтов и художников появляются мотивы воспитывающего характера. Театр становится ареной для воспитания добра и наказания зла. Они верили, что через искусство можно воспитать человечество.

Вопросы:

1.О чем вы еще можете вспомнить, путешествуя по изученным темам 8 класса?

2.Фраза из текста: «Впрочем, и «Тартюф» воспитывает». Расскажите, как.

3.Что такое просвещение? Почему в 18 веке возможны стали просветительные идеи?

4.Если до 18 века народ воспитывался на религиозной основе, то какие формы воспитания предлагают мыслители эпохи Просвещения?

2. Философская прелюдия к эпохе Просвещения

Прежде, чем понять философию Просвещения, нам необходимо совершить экскурс в далекое прошлое и обратить внимание на права человека.

В первобытном обществе права были неограниченны, их никто не контролировал. Позже, вы помните, были запреты, так называемые табу. Вскоре появился единый Бог, который, якобы, сотворил человека по своему образу и подобию, более того, он заключил с человеком договор: ты следуешь моим 10 заповедям на этом свете в обмен на Рай на том свете. Человек выполнял заповеди исправно: молился, возводил Богу храмы и соборы. Надо признать, что это была хорошая идея: человек стал нравственно чище, у него проявилась совесть, добродетель, он становился Человеком.

Параллельно с духовным развитием человека развивалось и общество, которое диктовало свои права и обязанности, все четче прорисовывалось черта, отделяющая богатых от бедных. А божий закон чтут все. И, где-то в Средневековье, при Фоме Аквинском вспоминают, что человек создан по образу и подобию божьему, только один ходит в шелках, а другой в рогоже. А где справедливость и равенство перед Богом? Так появилась философия естественного права человека. Философы этого направления утверждали, что человек не животное, а наделен душой и богоподобен, а потому всем своим естеством, по божьему закону достоин хорошей жизни. Поговорили, поохали, успокоились.

В эпоху Возрождения, в период активизации капиталистических отношений, гуманисты вспомнили о естественном праве человека и на этой основе разработали свою утопическую философию.

Утопия, или место, которого нет

Итальянский философ Томмазо Кампанелла теоретически вырабатывает государственное устройство, подобное царствию божьему на земле и призывает в соответствии с христианской совестью ликвидировать частную собственность. Если с помощью совести это не получится, то можно отнять эту собственность путем восстания и разделить богатство поровну. Кампанелла был уличен в заговоре и осужден на 25 лет тюремного заключения. Там он пишет утопический роман «Город Солнца», во главе которого стоит жрец, отмеченный солнечным символом и его помощники - Власть, Мудрость и Любовь. Люди свободны, они занимаются науками, искусством, воспитывают детей, охотно работают на полях и пастбищах. Светская власть и церковная сосуществуют в мире и согласии. В городе нет бедных и богатых, а только равенство и братство.

Английский философ Томас Мор один из основоположников утопического социализма. Он строит свое государство, в котором люди работают по 6 часов в день, остальное время отдают наукам и искусству. Люди живут в демократическом обществе, разносторонне развивают свою личность, везде царит равенство и братство, переходы от одной общественной формации к другой происходит мирным путем. Мор критиковал частную собственность и создал утопическую общественную собственность.

Томаса Мора казнили, а его идеи еще оставались жить до конца 18 века. Нельзя забывать, что Мор был человеком эпохи Возрождения, а значит гуманистом, и как Кампанелла на основе гуманизма разработал свое идеальное государство, которое в общем сводится к следующему: все люди равны, поэтому сыр раздают поровну, работаешь ты или нет.

В 17 веке, когда капиталистические отношения стали более развитыми, изменилась и сама утопическая философия, которая стала заключаться в следующем: «Бесплатный сыр только в мышеловке».

Английский философ Бэкон рисует свое утопическое государство «Новая Атлантида», где людей видит работающими, создающими своими руками свое благо, надеясь только на свой разум и свою силу. Только с такими идеальными людьми возможно идеальное государство. Значит, делает заключение просветитель Бэкон, нужно начинать с воспитания и просвещения граждан.

Бэкон критикует идеалистическую философию и разрабатывает свою, основанную на познании действительности. Он отвергает схоластический способ мышления (вспомните научные объяснения по Аквинскому, где все сводится к Богу).

Бэкон на первый план выдвигает научное познание мира, как двигатель всего прогрессивного, а человек, как подобие божие, должен развивать науки и разумно объяснять то, что схоласты по незнанию приписывают Богу.

Бэкон вводит четыре основных типа идолов. Аллегорически он называет их идолами рода, пещеры, рынка, театра. Идолы рода и пещеры опираются на естественные свойства разума и считаются врожденными, тогда как идолы рынка и театра приобретаются в ходе индивидуального развития. Человеческий разум, как неровное зеркало, которое, отражая вещи, смешивает свою природу и природу вещей и тем самым искажает ее и нарушает.

Бэкон оказал сильное влияние на английскую философию и литературу эпохи Просвещения. В самой развитой в Европе капиталистической стране такие писатели, как Даниэль Дефо и Джонатан Свифт создают в своих романах идеального человека и идеальные государства.

Вопросы:

1.Какая ключевая библейская мысль привела к утопиям в эпоху Возрождения?

2.Чем гуманистический утопизм Кампанеллы и Мора отличается от утопии Бэкона?

3.Как Бэкон доказывает необходимость в просвещении и воспитании граждан?

3. Английская литература 18 века

Англия пережила в 17 веке две буржуазные революции и к середине 18 века стала буржуазной страной.

В области литературы 18 век в Англии ознаменован рождением и развитием реалистического романа. Его создателями были в частности, Дефо и Свифт. В начале 18 века в Европе еще не существовало реалистических романов. Дамы от скуки читали рыцарские романы, насыщенные фантастикой и приключениями, на которые Сервантес написал гениальную пародию «Дон Кихот».

Опираясь на лучшую европейскую литературу Рабле и Сервантеса, английская литература развивает романы в жанре путешествия, придавая им реалистические черты.

3.1. Даниэль Дефо «Жизнь и странные,

удивительные приключения Робинзона Крузо»

Даниэль Дефо родился в 1660 году в Лондоне, в семье торговца мясом и свечками. Отец Джеймс Фо отдал Даниэля учиться в церковь в пуританскую школу, где по окончании будущего писателя ожидала карьера священника, но его это не устраивало, ему хотелось путешествий и приключений. Его влекли любовь и слава, богатство и борьба за справедливость. Будучи торговцем, он одновременно принял участие в восстании против деспотичного короля Иакова II. Восстание было подавлено, участники восстания были казнены, Даниэлю Фо удалось скрыться. Видимо, тогда он и поменял фамилию Фо на Дефо. Он много путешествовал по торговым делам, побывал во многих странах, создавал собственные предприятия, много раз богател и разорялся, но всегда оставался верен литературе. Он был журналистам, писал памфлеты, высказывал просветительские проекты о равноправии мужчин и женщин, о всеобщем образовании. В 1702 г. на престол взошла Анна, которая обрушила гнев на пуритан. Дефо, как истинный пуританец был оскорблен, он пишет памфлеты в защиту пуритан. На него был объявлен розыск, и, как в юности, ему удалось скрыться, но у него была заметная примета - родинка на щеке. Дефо был выдан за денежное вознаграждение и брошен в тюрьму. Его приговорили к стоянию у позорного столба и пожизненному заключению. Дефо решил бороться. За короткий срок он пишет «Гимн позорному столбу», передает его на волю, друзья распространяют его по всему Лондону. Когда его вели к позорному столбу, все горожане вышли на улицу исполнять этот гимн. Позонное стояние у столба вылилось в триумфальное. Вскоре его выпустили на свободу в обмен на обещание никогда не писать и не вмешиваться в политику.

Дефо был современником Петра I, он был наслышан о нем, восхищался его победой над Шведами, он напишет первую книгу о Петре «Беспристрастная история жизни и деяний царя Московии».

Однажды Дефо узнал историю одного матроса Александра Селькирка. После ссоры с капитаном, он был высажен на необитаемый остров у Южной Америки. Ему оставили ружье, запас пороха, инструменты и продукты. Матрос прожил там 4 года в одиночестве, пока его не взял другой случайный корабль. Дефо заинтересовала эта история, он решил побеседовать с ним, но это оказалось трудно. Одиночество сделало Александра мрачным, неразговорчивым. Это приключение изменило его психику.

На основе истории, случившейся с матросом, в 1719 году, в возрасте 58 лет, Дефо приступает к написанию романа «Жизнь и странные, удивительные приключения Робинзона Крузо». Фабулу романа составляет рассказ Робинзона, нанизывающий один за другим цепь эпизодов. Его язык - язык доверительной беседы с читателем.

«Робинзон Крузо» - первый английский реалистический роман, написанный в жанре дневника. Роман написан от первого лица. Основная тема - борьба человека с природой. Дефо показывает через историю героя романа историю человеческого труда. Робинзон Крузо становится моделью идеального человека эпохи Просвещения.

В отличие от Селькирка Робинзон провел на острове 28 лет. Он не одичал, не растратил душевные богатства, а напротив, создал свою собственную цивилизацию. Он повторил весь путь, пройденный человечеством: строил жилище, обжигал посуду, приручал животных, выращивал овощи и хлеб.

Книга о Робинзоне - гимн несгибаемой воли человека, светлому разуму, человеческому труду. Здесь нет увлекательных и необыкновенных приключений, зато в ней есть удивительная картина повседневного человеческого труда, преобразующего мир.

Дефо заботился о подробностях: они помогают точно и правдиво воспроизвести действительность. Помните у Рабле количество птиц и животных, приготовляемых на пир? Неокругленные до нуля цифры вызывают доверие у читателя, как к документу. Этим трюком воспользовался и Дефо. Если случилась морская буря, то сообщается, какая мачта повреждена, как ее чинят моряки, если речь заходит о торговле, сообщаются точные цены за тот или иной товар. Робинзон на острове ведет дневник. Он досконально описывает, какого числа какая была погода, чем занимался в течение дня. События в романе получаются документальными, что делает его реалистическим.

Робинзон в романе не сразу оказывается на необитаемом остове. Он - буржуа, плантатор, работорговец, он идет на любые сделки совестью, лишь бы разбогатеть, даже продает в рабство своего друга негра, только потому, что у него другой цвет кожи. В своей общественной среде он делец, собственник, хозяин.

Робинзон отправляется на корабле торговать своим товаром, попадает в шторм, корабль с экипажем гибнет, а его чудом выбрасывает волна на необитаемый остров. Останки его корабля прибило к берегу, на котором он нашел оружие, порох, одежду, обувь, Библию, чернила и конторскую книгу, а при нем были нож и трубка с табаком. Все эти предметы созданы цивилизацией до него. С этими орудиями труда он вынужден был на острове овладеть десятками профессий: пастуха, пекаря, каменщика, плотника, охотника, все это он делает с радостью, граничащей с упоением. Для него процесс созидания превращается в акт творения. Труд превратил Робинзона из дельца и рабовладельца в исследователя, размышляющего над человеческой природой, работника, который познал цену труду.

На острове он тоже разбогател, у него большое хозяйство, ему нужен был слуга. И такой нашелся. Это был сбежавший он людоедства из соседнего племени юноша. Робинзон дал ему имя Пятница по дню недели, в который они встретились на острове. Дефицит человеческого общения выше социальных условностей. Робинзон и Пятница становятся друзьями, но первое слово, которому научил его Робинзон, было «господин».

На острове Робинзон попадает в ситуацию исправления своих грехов. Он заставлял людей работать на себя, теперь он работает сам на себя, ему судьба подарила раба, он сделал его другом.

Через 28 лет пребывания на острове их подбирает корабль. Робинзон увозит Пятницу к себе в Англию, где дает ему свободу.

Книга Дефо оказала заметное влияние в обществе 18 столетия. Политические экономисты основывали на примере Робинзона теорию возникновения производства. Педагоги разработали теорию воспитания, опираясь на жизненный опыт Робинзона Крузо.

Вопросы:

1.Что вы можете сказать о Дефо-личности?

2.Докажите, что Дефо - просветитель.

3.Какие просветительские идеи вы нашли в романе о Робинзоне Крузо?

4.Есть ли историческая основа романа? Какая?

5.По каким признакам можно сказать, что роман Дефо реалистический?

6.Почему роман в 18 веке рекомендовали читать мальчикам в школах?

3.2. Джонатан Свифт «Путешествие Лемюэля Гулливера»

Джонатан Свифт родился в 1667 году в Ирландии, в городе Дублине, в бедной английской семье. Его отец - смотритель судебных зданий умер, оставив жену и маленькую дочь без средств, а вскоре родился второй ребенок. Это и был будущий писатель. Мать отдала Джонатана в закрытую школу, когда ему было 6 лет. А сама уехала в Англию. Мальчик окончил школу и в 14 лет поступил в Дублинский университет на богословский факультет. По окончании он не захотел принимать духовного звания и уехал в Англию. Мать устроила его секретарем к дипломату Темплю, где он знакомится с дочерью экономки Эстер, или «Стела» - звезда. Ей предстояло стать женой будущего писателя. В библиотеке Темпля он много читает, пишет памфлет «Битва книг» и антирелигиозную сатиру «Сказка бочки», в которой подвергает осмеянию три разновидности христианства: католичество, протестантство и пуританство.

Свифт женится на Эстер и уезжает в Ирландию, где ему дают место священника в глухой деревушке. После выхода в свет «Сказки бочки», его заметили политики и поэты и с интересом наблюдали за творчеством «сумасшедшего ирландского попа».

В это время Англия вела затяжную войну с Францией. Буржуа наживались на этой войне, а солдаты расплачивались кровью. Во главе этой авантюры стоял герцог Мальборо.

Свифт обрушил на него серию гневных памфлетов, обвиняя во взяточничестве - герцог спокойно брал деньги у французского короля за проигрышные сражения. Он добился отставки Мальборо и был заключен Утрехтский мир, который назвали «свифтовским миром».

Было еще немало примеров, где Свифт проявлял себя в качестве политика, дипломата, защитника прав ирландского народа.

Личная жизнь складывалась не лучшим образам. В Англии в него влюбилась пылкая девушка из богатой семьи, которую тоже звали Эстер. Впоследствии он увлекся юной красавицей, но помня о своей жене, он уезжает в Ирландию. Юная Эстер уезжает вслед за Свифтом и покупает имение под Дублином, где она дожидалась нечастых приездов Свифта. Она желала, чтобы его больная жена умерла, но получилось наоборот: Эстер - жена пережила Эстер - любовницу на 5 лет. Свифт пережил обеих Эстер и дожил до глубокой старости. Умер он в 1745 году.

Еще в 1711 году Свифт и его друзья писали шуточные истории о путешественнике Гулливере. В 1726 году у двери типографии нашли рукопись «Путешествие Лемюэля Гулливера» без подписи автора. По стилю написания эта рукопись была близка к стилю Свифта, поэтому авторство стало принадлежать ему.

В отличие от Дефо, который своим романом показал идеального человека эпохи Просвещения, Свифт с помощью Гулливера ищет идеальное государство, в котором будет справедливость, мудрость власти, добропорядочность. Такого государства Гулливер не находит и этот факт трактуется, как пародия на философов-утопистов.

Свифт хочет выдать Гулливера за себя, поэтому роман пишет от первого лица, что характерно для литературы английского Просвещения.

Роман состоит из 5 частей.

1 часть. «Путешествие в Лилипутию».

«Относительность понятий величины, красоты, силы и храбрости зависит от того, кто глядит на мир». Философ Джон. Локк.

Гулливер - великан в стране Лилипутии и с кузнечика в царстве Великанов.

«Путешествие в Лилипутию» - это сатира на государственную систему Англии. Король Лилипутов - король Англии.

Гулливер, спасаясь о кораблекрушения, попадает в страну маленьких людей. Его спящего связывают и отправляют вглубь страны и представляют королю. В Лилипутии уже давно идет война с другим маленьким государством из-за спора: с какой стороны нужно разбивать яйцо - с тупого или острого. Гулливер помогает Лилипутам избавиться от кровавой бойни. Монарх в благодарность пожаловал ему титул карлика.

Причина войны - убожество королевских прихотей, а маленький рост - мелочность лицемерие и мещанство этих людей.

Эта история напоминает о войне между Англией и Францией и заключением «свифтовского мира».

2 часть. «Путешествие в Бробдингнег» (Королевство Великанов).

Гулливер отправляется на баркасе для исследовательской работы, но поднимается буря и он оказывается на острове, где живут великаны.

Великаны - трудяги, весельчаки, практичные, здравомыслящие люди, похожие на героев Франсуа Рабле - Гаргантюа и Патнагрюэля. Они сразу сообразили, что Гулливера можно держать в клетке для птиц и показывать людям за деньги. Им неважно было знать, что этот маленький человек наделен интеллектом.

Король - вариант естественного человека в рамках философии Локка и Руссо.

Главный недостаток естественного человека, по мнению Гулливера-Свифта - это при наличии здравого смысла отсутствие интеллекта.

3 часть. «Остров Лапута».

В этой части романа речь идет «о соответствии науки и жизни».

Гулливер наблюдает необычное явление: огромный летучий остров парит в облаках. Иногда он приземляется, чтобы жители острова могли поесть. Кто живет на этом острове? Ненужные ученые с ненужными науками, оторванными от людей.

Ученые, например, помещали порох в мыльные пузыри и слуги хлопали ими по своим щекам. Нарезать хлеб перед подачей на стол необходимо было в виде четких геометрических тел. А когда народ их накормил, они снова отрывались от земли и летали в облаках.

Нужны ли народу такие нахлебники или нужна полезная для общества наука? Здесь Свифт явно стоит на стороне Бэкона, который первый заговорил о практической философии и науке.

В этой части романа Гулливер продолжает путешествия по разным странам, попадая в разные типы государственного строя и нигде не находит идеального общества. Неужели люди неспособны найти такого общественного строя, чтобы всем было хорошо?

4 часть. «Путешествие в страну Гуигнмов».

Здесь живут лошади и люди (йехо).

Йехо - грубые существа, у них страсть к золотым камням. Они жуют заработанный у лошадей корень и пьянеют. Лошади - умные животные, белой масти - благородные.

В 5 части Свифт перекраивает роман Дефо «Робинзон Крузо» с точностью до наоборот. Конец такого романа, как понимаете, пессимистичен.

Вопросы:

1.Расскажите о Свифте, как о личности.

2.Докажите, что Свифт - представитель эпохи Просвещения.

3.Какую цель преследовал Свифт в романе «Путешествие Лемюэля Гулливера»?

4.В чем пессимизм забавного романа Свифта?

5.Что общего в творчестве Дефо и Свифта и в чем их противоположность?

4. Изобразительное искусство Англии эпохи Просвещения.

Хогарт (1697-1764)

Основоположником просветительского реализма в английской живописи был Уильям Хогарт. Он родился в Лондоне в семье учителя. В юности учился у гравера и стал работать в области гравюры и иллюстрации. Расцвет его творчества начинается в эпоху Просвещения, когда искусство тяготело к реалистическому изображению действительности. Он стремится глубоко осмыслить действительность своего времени с типичными для него явлениями: стяжательством, социальным неравенством, столкновением буржуазии и феодализма.

Хогарт создает серии картин, показывая жизнь разных слоев общества. «Карьера мота» состоит из 8 картин и рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше. Получив наследство, он потратил его на кутеж, затем попал в дом умалишенных.

«Модный брак» состоит из 6 картин и рассказывает о браке по расчету. Это своего рода живописный «роман нравов». Картина «Вскоре после свадьбы» из этой серии рассказывает о бессмысленности существования этой супружеской четы, безразличию друг другу, о кутежах и развале дома, из которого управляющий выносит пачку неоплаченных счетов. Серию завершает гибель ее героев.

Внимание Хогарта привлекали и другие стороны жизни: с необычайным пафосом он показывает «дно» Лондона, ужасы пьянства, бедность, отупение и утрату человеческого достоинства. Эта тема раскрывается в гравюрах «Улица пива», «Переулок Джина».

Художник не обошел вниманием и священнослужителей. В ряде графических работ он высмеивает ограниченность духовенства, например, в гравюре «Спящий приход».

Серия картин «Выборы в парламент» обнажает темные стороны общественной жизни Англии: борьбу партий в «гнилых» местечках и сбор голосов у больных и идиотов, тем самым показывая продажность буржуазной выборной системы.

В области портретной живописи Хогарт отходит от шаблона изображения светских портретов и обращается к изображению портретных образов не зависимо от социальных рангов. Самый живой и значительный из них образ - «Продавщица креветок». Обаяние молоденькой, бойкой продавщицы, ее искрящаяся улыбка, стремительность движения, подчеркнуты динамикой трепетноготературны.олько бытовае моменты жизни мазка. «Продавщица креветок» стоит в одном ряду с выдающимися шедеврами мировой живописи.

В своих работах Хогарт не искажает действительность до уровня карикатуры, но иногда прибегает к приемам гротескного преувеличения. Живопись и графика художника близка к бытовой, но бытовая картина 17 века созерцательна и раскрывает только бытовые моменты жизни человека, Хогарт же, показывает бытовые сцены с морально-нравственным подтекстом. Если к бытовым жанрам 17 века литературный подтекст не вяжется, то бытовые сцены Хогарта литературные и в этом он новатор. Его творчество повлияло на развитие искусства критического реализма первой половины 19 века, в частности на творчество русского художника Павла Федотова.

Хогарт - выдающийся английский художник, один из первых теоретиков искусства. Он выступал за реалистическое начало в живописи, стремился использовать искусство как большую общественную силу, основанную на демократических началах.

Гейнсборо

(1727-1788)

Гейнсборо работал в области портретной живописи и в тоже время являлся одним из первых создателей английского пейзажа.

Замкнутый и малообщительный художник не выезжал за пределы родины. Его увлеченность живописью и музыкой способствовали выявлению сложнейших цветовых гармоний. Увлечение одновременно портретом и пейзажем, привели его к изображению портрета на фоне пейзажа. Конечно, и до него художники изображали портрет на фоне природы, вспомним, хотя бы парадные портреты Веласкеса, но природа была придуманной, ни о чем не говорила. Гейнсборо вводит пейзаж, который подчеркивает настроение героев. Обратимся к «Портрету Эндрью с женой». Перед нами тихая семейная идиллия в окружении такого же спокойного, умиротворенного сельского пейзажа. А представьте, что Эндрью с женой находятся среди темной бушующей зелени на фоне неспокойного неба, тема портрета обрела бы совсем другой оттенок. Для его творчества характерны групповые портреты, показывающие взаимоотношения изображенных людей, где пейзаж играет роль эмоционального начала.

Колорит портретов Гейнсборо, строится чаще всего на сочетании холодных голубовато-серебристых тонов. Он не скрывает мазки легкой и динамичной кисти, на расстоянии они сливаются в одно целое и создают неуловимую трепетность. Этот эффект мы можем видеть в «Портрете герцогини де Бофор».

Гейнсборо-портретист, как ни странно, предвосхищает реалистическую пейзажную живопись 19 века.

Вопросы:

1.Докажите, что Хогарт является художником-просветителем.

2.Назовите характерные черты творчества Хогарта.

3.Чем бытовая живопись 17 века отличается от бытовой живописи 18 века?

4.Какой вклад внес Гейнсборо в развитие изобразительного искусства?

5.В чем заключается просветительская деятельность Гейнсборо?

Задание: Напишите рассказ по сюжету одной из картин Хогарта.

5. Музыкальное искусство.

История религиозной музыки

Еще задолго до появления христианской религии, устное творчество предавалось из уст в уста песнопением. Вспомните, как Гомер рассказывал свои эпические поэмы? Под звуки лиры. К своим богам язычники обращали свои молитвы тоже на распев, вспомните, хотя бы дифирамбы в честь бога Диониса.

В начале новой эры Рим принимает христианство, а вслед за ним и вся «варварская» Европа. Отцы церкви понимали, какую большую роль в пропаганде христианской религии может сыграть музыка. Поэтому они использовали для богослужения народные напевы, делая религиозный культ более доступным.

Однако церковные власти стали замечать чрезмерное влияние мирских мелодий и ввели своего рода канон. В 4 веке церковные песнопения были сведены воедино и упорядочены. Эти канонические реформы совершил папа Григорий I. В католическом богослужении такие песнопения получили название григорианского хорала.

Хорал - хоровое песнопение с текстом духовного содержания. Существуют две разновидности хорала - григорианский хорал и протестантский хорал.

Музыка этих песнопений должна внушать людям смирение, поэтому все мирские, жизнерадостные интонации были изгнаны из хоралов. Для пущей важности, суровости и аскетизма они исполнялись одноголосно, да еще на латинском языке.

Григорианские песнопения представляли собой псалмодию - пение псалмов (духовных песен и молитв на тексты из Ветхого завета). В эти псалмодии вставлялись секвенции - вставки одинаково повторяющихся мелодий, например, «аллилуйя», иногда секвенция представляла повторяющийся мотив со стихотворным текстом (как припев).

Самые красочные, лирические и жизнерадостные псалмодические мелодии, основанные на интонациях народных песен, назывались гимнами.

Все хоральные песнопения объединяли в мессе - торжественное воскресное богослужение.

В 12 веке появляется сложный полифонический жанр - литургия. Литургия - христианское богослужение, в котором значительное место отведено пению. В состав литургии входят псалмы, гимны, распевание молитв. В православной церкви литургия - обедня. В католической церкви - месса.

В 15-16 веках, в эпоху Возрождения, благодаря гуманистическим идеям многие Библейские мотивы были переосмыслены. Если раньше литургии проводились на латыни, то теперь песнопения проводились на родном языке с привлечением свободно льющейся народной песней. Этот жанр получил название мадригал.

Мадригал - песня на материнском (родном) языке, исполнялась одним солистом, позже - хором, без инструментального сопровождения (а капелла).

В 15 веке высшего расцвета музыка богослужений достигла в Нидерландах. Нидерландские мастера разработали правила полифонического письма - классический строгий стиль. Важным композиционным приемом стала имитация - повторение одной мелодии в разных голосах. Это была основа для создания высшей полифонической формы - фуги.

В Германии в 16 веке начали возникать критические учения против католичества. Одной из движущих сил была борьба крестьян и ремесленников против феодалов. Социально-политическая борьба перешла в религиозную. Основное требование религиозного характера было проведение службы на родном языке, а не на латыни. Томас Мюнцер ввел песнопения на родном, немецком языке. Это произвело на народ колоссальное впечатление, а песнопение получило название протестантского хорала. Именно к протестантскому хоралу, основанному на мотивах народных песен, обращались многие композиторы последующих поколений. Конечно, церковь опять пыталась наложить запреты на мирские чувства и образы, но они все более властно проникали в музыку богослужений. Особенно яркий тому пример - творчество Иоганна Себастьяна Баха.

Вопросы:

1.Откуда появилась традиция религиозного песнопения?

2.Какие жанры религиозного песнопения вы знаете?

3.Что означает литургия для православных?

4.В связи с чем появился протестантский хорал?

Задание: Сходите в церковь, послушайте литургию и опишите ваши впечатления.

5.1. Германия

Иоганн Себастьян Бах

(1685-1750)

Иоганн Себастьян Бах родился в Германии, в городе Эйзенахе. В 9 лет остался сиротой, жил у старшего брата, который определил его в гимназию и продолжал обучать музыке.

Брат был органистом в церкви, строго следовал партитуре, а когда он позволял себе интерпретацию, говорили: «О, сегодня наш Бах разгорячился».

Уже с 10 лет Иоганн стремился к самообразованию. Тайком он брал у старшего брата ноты с произведениями великих композиторов и при лунном свете переписывал. Это длилось 6 месяцев, пока брат не увидел и не отобрал, а Иоганн сильно посадил зрение.

Он окончил гимназию и в 15 лет переехал в Люнебург. Страстное желание стать музыкантом и отсутствие денег на обучение, сделало его практически самоучкой. Он самостоятельно изучал творчество великих композиторов, знакомился с музыкантами и впитывал в себя каждое их слово и музыкальный звук, ходил пешком из города в город, чтобы послушать интересного органиста, сам увлекался композиторством. Он не имел постоянного места работы, поэтому часто переезжал из города в город в поисках хорошей работы и достойных условий для жизни.

Имея большое трудолюбие и упорство, он стал лучшим органистом в Германии. Его пригласили в Дрезден на состязание в музицировании с французским музыкантом Луи Маршаном. До состязания Луи услышал игру Баха и сбежал, признав победу за Бахом. В городе Касселе он изумил слушателей, исполнив соло на органе одной ногой.

Бах обосновался в Веймаре, получил должность придворного музыканта и городского органиста. Слыл странным - это доказывает его неординарность и гениальность, был необычайно трудолюбив. В юности он был весьма темпераментным и вспыльчивым: вступал в столкновения со сверстниками, музицировал в церкви с девушкой.

Дважды был женат. От этих браков было 20 детей, осталось же в живых 9 детей.

В 1723 году переехал в Лейпциг и остался там до конца дней. Он занимался педагогической деятельностью, занимаясь детским хором при церкви.

К 1750 году ослеп и умер от кровоизлияния в мозг.

Творчество Иоганна Себастьяна Баха

Германия, оставалась феодальной страной, раздробленной войнами, отсталой, консервативной. Эпоха Просвещения из Европы пришла в Германию, чтобы разбудить лучшие умы немецкого народа. В немецкой живописи, литературе и музыке получили новое воплощение темы и образы народных бедствий, мученичества, страданий.

В религиозную музыку Бах вкладывал гуманистическое содержание: божественное начало и природное естество человека. Его рациональная музыка соединялась с великой силой чувства.

Бах - музыкальный мыслитель, способный потрясти чувства человека и внушить ему сознание высшей гармонии мира. Современники не понимали его творчество, называя его музыку «ученой». Одно из таких творений - Грандиозная хоровая эпопея «Страсти по Матфею».

Страсти (страдание) - циклическое вокально-драматическое произведение для хора, солистов и оркестра на сюжет о страданиях и смерти Иисуса Христа.

Слушателям это произведение не понравилось, ведь в нем нет того отстраненно-величавого тона, к которому они привыкли, а тут создавалось впечатление, что в церковь ворвалась толпа негодующих и сострадающих людей.

Другое величайшее произведение композитора - Высокая месса (Месса си минор). Бах создал необычайное по глубине и силе музыкальное полотно, в котором отражен необъятный мир чувств и настроений. Здесь скорбь и радость, сострадание и ликование.

Месса поражает своей целостностью. Особое единство придают повторяющиеся время от времени образы и темы, которые, как арки в соборе, связывают всю конструкцию воедино. Месса заканчивается словами «Даруй нам мир», смысл которых многозначителен. Это - призыв к миру на земле и в душе человека, призыв к ясности и чистоте помыслов.

Слушая органную музыку, невольно ассоциируешь ее со стилем барокко, но благодаря чувству меры Бах сумел избежать преувеличений в пышности и создать глубочайшие по содержанию творения. Его органные прелюдии до сих пор пользуются большой популярностью и известностью.

Кроме вышеупомянутых произведений, Бах сочинял оркестровые и органные произведения, концерты для солирующих инструментов, произведения для смычковых инструментов…

Бах обобщил в своем творчестве все, что было до него, и предвосхитил, что будет после него.

Задание: Прослушайте любое произведение Баха и расскажите, как называется это произведение, какие инструменты звучали, какие чувства вызвала у вас эта музыка.

6. История светской «старинной музыки»

С момента зарождения музыки процесс ее создания никогда не прервался. Мы знаем, что музыка создавалась и в античном мире и в средневековье. Но до нас многие произведения не дошли, поэтому область старинной музыки начинается только с периода раннего Возрождения. Это нижний временной предел. Верхний, условно говоря - 1750 год, год смерти Баха. Этот момент оказался переломным в истории музыки. Старинная музыка охватывает около трех столетий - с 15 по 18 века.

Ренессанс привнес в музыку оперное искусство, мадригал, высокоразвитое исполнительское искусство на музыкальных инструментах.

Гораздо более конкретные черты имеет стиль барокко. Первые его признаки стали появляться с конца 16 века в архитектуре и изобразительном искусстве, а затем и в музыке. Стиль барокко вам знаком с 8 класса.

В 17 веке с развитием капитализма появилась придворная музыка, которая стала впоследствии синонимом камерной музыки. Это небольшой инструментальный ансамбль из 3-5 исполнителей, основное ее предназначение - музыка для избранных. Она должна быть тихой, спокойной, изящной. Соответственно подбирались и музыкальные инструменты: клавесин, лютня, скрипка и никогда в составе камерной музыки не услышим трубу или барабан. Все звуки должны быть приглушенными, как говорят, интимными.

На рубеже 17-18 веков в европейской музыке барокко уступает новому стилевому течению, получившему название галантный стиль (учтивый, вежливый, изысканный). Синоним - рококо.

Первостепенное значение в галантном стиле придается красоте и напевности мелодии, психологической выразительности и чувственности. Так галантный стиль перерастает в сентиментализм (чувственность).

Один из теоретиков сентиментализма Ж.Ж. Руссо, который был, как мы уже знаем, философом и естествоиспытателем, писал: «Музыка - это язык чувств». Сам, будучи еще и композитором, считал, что исполнитель должен «затронуть сердца слушателей».

После Великой Французской революции в 18 веке в Европе начинается бурный процесс демократизации музыкального искусства. Камерная музыка покидает уютные солоны и начинает звучать в платных концертных залах. Она становится доступной публике. При этом она теряет и свое первоначальное значение.

Все лучшие качества, которые нес в себе галантный стиль - ясность музыкальной мысли, изящество и доступность нашли законченное воплощение в творчестве Гайдна и Моцарта - основоположников нового направления в музыке 18 века - классицизма.

Классицизм - образцовый. Стремление передать актуальные проблемы общества, где в качестве образцов использовали шедевры античного искусства. В музыке это лирические трагедии на героические темы.

Поздний классицизм в музыке раскрывают композиторы венской классической школы, гениальным представителем которой является Моцарт.

Вопросы:

1.Как развивалась «старинная музыка»?

2.Охарактеризуйте галантный стиль в музыке.

3.Что общего между классицизмом в живописи и музыке?

4.Назовите композиторов венской классической школы.

7. Вольфганг Амадей Моцарт

(1756 - 1791)

Амадей Моцарт родился в Зацбурге. С 6 лет он уже гастролирует по Европе, где уже наслышаны о гениальном мальчике. Он поражал публику виртуозным исполнением на клавесине. Ради забавы ему завязывали глаза, чтобы он не видел нотных записей, и проверяли слух.

Отец Леопольд был его учителем и воспитателем. Амадей был способным к математическим наукам, изучал историю, географию, рисование, иностранные языки, но больше всего времени отец занимался с Амадеем музыкой, был строг, ребенок практически не знал детства, посвящая все свободное время музицированию.

В 12 лет он сочинил для миланской оперы «Мнимую пастушку», но она не была поставлена, потому что к тому времени уже у ребенка появились взрослые завистники.

Окружающих поражал его слух. Находясь в Риме в Сикстинской капелле, он запомнил сложное хоровое произведение и, придя домой, записал его на память. Ноты нельзя было выносить, это была собственность церкви, но Амадей не вынес их, он запомнил, и церковь отступилась: перед ними был гений.

Он вырос, забава и увлечение чудо-ребенком ушло. К этому времени отец умер. Амадей Моцарт стал придворным музыкантом у графа Колоредо. Унизительное положение музыканта-слуги делало жизнь Моцарта в Зальцбурге невыносимой. Граф запрещал ему выступать с концертами без его разрешения. Чтобы унизить всемирно известного музыканта еще больше, он заставлял его обедать вместе со слугами в людской. А в это время с блестящим успехом в Мюнхене шла его новая опера «Идоменей, царь Крита». Моцарт подал прошение об отставке. Ему отказали. Он настаивал вновь и вновь. Тогда по приказу Колоредо его столкнули с лестницы. Это было последней каплей, переполнившей чашу терпения. В 1781 году Моцарт уехал Вену, не имея уверенности в постоянном заработке, рассчитывая только на свой талант.

В это время в Австрии насаждалась итальянская музыка. Написать оперу на родном немецком языке было заветной мечтой композитора. Он написал «Похищение из Сераля». Опера была принята публикой с восторгом. Только императору она показалась слишком сложной: «Ужасно много нот, мой милый Моцарт», - недовольно сказал он композитору.

«Ровно столько, сколько нужно, Ваше Величество», с достоинством ответил Моцарт.

До конца своих дней он работал в венском театре. Здесь были созданы основные его произведения, здесь он достиг вершины своего мастерства.

Он женится на Констанции Вебер, они живут практически в нищете - Моцарт получал очень низкое жалование.

В его жизни было много завистников. По одной из версий его отравил композитор и друг Сальери. После этой версии, музыканты всего мира, в знак протеста, предали забвению его музыку. Но споры о его причастности к убийству гения продолжаются и сегодня.

Уже к умирающему Моцарту пришел неизвестный в маске и попросил написать реквием. Моцарт подумал, что к нему явился сам дьявол написать реквием на его смерть. Потом выяснилось, что приходил некий вдовец и просил написать реквием на смерть его жены. Но программа на собственную смерть уже заработала в голове у больного композитора. Написав Реквием, он умирает. Музыканты успели разучить ноты и Моцарта хоронили под звуки реквиема. Он был похоронен без гроба в общей могиле для бедняков.

За свою короткую жизнь он написал 50 симфоний, 19 опер, Реквием, около 30 песен.

Его называли «солнечным гением». В России в 19 веке появится еще один «солнечный гений» с такой же короткой жизнью, это будет Александр Сергеевич Пушкин.

Творчество Моцарта

Творчество Моцарта - вершина музыкального искусства эпохи Просвещения. Он первый почувствовал дух атмосферы Просвещения, дух новой формации.

Моцарт основывается на типических признаках эпохи Просвещения: это чувство внутренней независимости и собственного достоинства пронизывающие его музыку, гуманистическое и демократическое начало. В трагическом и комическом он видит не просто грусть и смех, а поэзию самой жизни. В этом он сближается с художниками эпохи Возрождения: человек как прекрасное, жизнь, как гармоническое начало. Жизнь гармонична только в движении, в ее великом драматизме, в ее сплетении серьезного и комического. Образ человека на сцене подобен человеку в жизни. Он не может быть на протяжении всей жизни либо трагичен, либо комичен. Поэтический реализм - таково его отношение к жизненной действительности. Творчество Моцарта отличается идеальной музыкальной пластичностью, завершенностью мелодических форм, красотой созвучий.

Известно, что Моцарт не был революционером по убеждениям, но его демократизм в музыке и творчестве в целом, противостоит старому феодальному миру, сословным признакам, религиозным догмам. Этим он выделяется среди музыкантов эпохи Просвещения.

Оперное искусство

Создавая свои лучшие оперы, он постоянно экспериментировал: смешивал разные жанры или свободно их истолковывал. Мы знаем, что в эти время уже были такие разновидности оперы, как опера-буфф и опера-серия. В отличие от других композиторов, которые писали для жанра героической трагедии только серьезную музыку, а для оперы-буфф только шутовскую, Моцарт соединяет в одном произведении серьезное и комическое начало, возвышенное и комедийно-бытовое.

В опере «Волшебная флейта» присутствует не только смешение комического и трагического начала, но и философия, фарс, мудрая притча и сказочная фантазия. А за всем этим стоит поиск естественности, поэтической жизненности образов.

Либретто сказки «Волшебная флейта» написал Э. Шикандер. Здесь идет сказ о принце Томино. Спасаясь от страшной змеи, он попадает к царице Ночи. Она просит его освободить ее дочь красавицу Памину из плена злого Заростро. Дает ему волшебную флейту, которая способна превращать вражду в любовь. Оказалось, что Заростро добр и мудр, он ждет Томино, чтобы женить его на Памине, как предначертано судьбой и охранять храм Мудрости. Но прежде Томино должен стать посвященным, пройдя три испытания: терпение - дать обет молчания, преодоление страха - войти в пирамиду и обретение мужества - пройти огонь и воду. Испытания пройдены, и сердца влюбленных соединяются. Утром власть царицы Ночи исчезает. Восходит солнце. Жрецы славят разум, доброту и справедливость Заростро.

Опера «Свадьба Фигаро» признана в истории искусства первой оперой характеров. Не ситуация, как в опере-серии, не персонаж-маска, как в опере-буфф, а именно характер действующего лица. Характеры героев оперы раскрываются не в одних лишь ариях и речитативах, а в соотношении характеров, в процессе самого действия. Либретто оперы «Свадьба Фигаро» написана по одноименной комедии Бомарше. В ней рассказывается о слуге Фигаро, который хочет жениться на служанке Сюзане, но граф этому препятствует. И только благодаря находчивости умного и шустрого Фигаро, все заканчивается благополучно: он женится на Сюзане и находит своих богатых родителей.

Комедия написана в воспитывающем и демократическом духе эпохи Просвещения: не всегда самый богатый - самый умный и не всегда счастье приходит само: за него следует побороться.

Кроме вышеперечисленных опер миру известны такие, как «Дон Жуан», «Похищение из Сераля», «Идоминей», «Так поступают все»…

Инструментальные произведения

Моцарт создал огромное количество инструментальных произведений во всех современных ему жанрах. Он разрабатывал сонатно-симфонические формы музыкальных произведений, ведь он стоял у истоков светской оркестровой музыки для больших залов.

В инструментальной музыке он подчеркивает певучесть, мелодическую завершенность, кантильность. Здесь сказывается его увлечение народной песней (зингшпиль), которая в 18 веке подверглась оперным влияниям, но спокойные, бытовые темы, народная напевность остались. Зингшпили сочинялись и Моцартом, что в хорошем смысле повлияло на его творчество. Вот почему, слушая его симфонии и сонаты, мы быстро запоминаем мелодию.

Вокальная выразительность, интонация, инструментальная чистота проявляются у Моцарта как в вокальной, оперной, так и в инструментальной музыке.

Вопросы:

1.Какие вы знаете оперы Моцарта?

2. Какие новаторские идеи ввел Моцарт в оперное искусство?

3.Почему «Свадьба Фигаро» считается классикой оперного искусства?

4.Что повлияло на формирование мелодий при создании инструментальной музыки?

5. Расскажите историю последнего произведения Моцарта.

8 - 9. Франция.

Изобразительное искусство

Если Англия уже пережила буржуазную революцию и стала капиталистической страной, Германия еще не начинала воевать с феодальным укладом жизни, то Франция в 18 веке стала центром общественно-политических перемен, свободомыслия, революционного преобразования. Здесь параллельно развивалось сразу несколько стилей и направлений в искусстве, которые можно подвести под один знаменатель - Просвещение:

• рококо воспитывает в человеке изысканность манер, эстетическое наслаждение искусством;

• классицизм воспитывает человека-гражданина в духе патриотизма;

• реализм воспитывает демократические начала, в раскрытии темы естественного человека;

• сентиментализм воспевает чувственность и любовь к простому человеку.

Антуан Ватто

Живопись Ватто - это вся эпоха Просвещения. Его творчество проложило начало всем стилям и направлениям искусства Франции 18 века.

Судьба Ватто необычна. Ни во Франции, ни в сопредельных государствах не было ни одного художника, способного с ним соперничать. Титаны 17 века не дожили до эпохи Ватто, а выдающиеся художники 18 века появятся лишь после смерти Ватто.

Он не был политиком, но был наделен чутьем и жил среди людей просвещенных, склонным к смелым суждениям. Его нельзя назвать философом, но живопись его весьма философична; в его полотнах много тревоги, трагедийности, он живет в мире, обреченность которого ощущает и не перестает им любоваться.

Поступки Ватто ставят в тупик биографов. Нередко случай устроить свою жизнь достойно улыбался ему. Но он сознательно этого избегал. Выходец из Фландрии, Ватто юношей приезжает в Париж. Он - нищий провинциал, гордый и застенчивый, дурно говорящий по-французски, хлебнул немало горя на первых порах, зарабатывая на хлеб изготовлением дешевых копий известных художников.

Ватто был современником Людовика XIV (Короля-Солнце). В это время искусство рококо сводилось к декоративным оформлениям интерьеров и плафонов с изображением парящих в облаках мифологических героев. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь монументального убранства интерьера.

Творческая зрелость Ватто наступила в 1710 - 1717 г.г. К. Жилло, учитель Ватто, будучи театральным декоратором, пробудил в нем любовь к театру и театральным темам. Театр для Ватто стал не менее значимым, чем его любовь к живописи Рубенса, которого он считал своим кумиром. Раскрывая в своих полотнах театральную тему, он нашел путь к исследованию человеческой души.

Галантный век современный зритель воспринимает по картинам Ватто. Его живопись спокойная, камерная, если говорить языком музыки, выразительна, едва ощутима душевным движением.

Картина «Капризница» - пример галантного стиля рококо в живописи «Затруднительное предложение».

В ней присутствует камерность, театральное действо, которое подчеркивает диалог, эмоциональное состояние героев.

Для картин Ватто характерны кулисная система в виде темных силуэтов деревьев или колонн, второй план подается, как сцена, в центре которой разворачивается сюжет композиции, который освещается как бы впереди сцены. Это, например, такие работы, как «Затруднительное предложение», «Радость жизни». Ватто часто обращается к образу одинокого героя, где под театральной маской скрываются человеческие чувства. Таков Пьеро в портрете «Жиль». Во многих своих работах Ватто - сторонний наблюдатель событий, он на стороне зрителя, он любуется живописностью раскрываемого перед ним зрелища. Ватто верно подметил главное место действия 18 века - театр, со сцены которого будет происходить воспитание души и просвещение разума.

Искусство рококо

Франсуа Буше

(1703-1770)

В 20-30 годы складывается стиль рококо и постигает своего расцвета к 40 годам. Стиль рококо в большей мере декоративный использовался в оформлении интерьеров. Буше был первым художником при короле Людовике XV. Он расписывал плафоны, шпалеры, всевозможные панно. Он создатель бездумно-праздничного искусства. В его живописных работах присутствуют Венеры и нимфы, беспечно-шаловливые амуры. Как сказал Дидро о творчестве Буше, «в нем есть все, кроме мысли. Он создавал искусство для созерцания. Буше - яркий пример искусства рококо - последнего этапа барокко, где декор заполняет все пространство картины и становится ее сутью. Он любит изображать мифологические и аллегорические сюжеты, пастушечьи сцены, в которых мы видим манерность, жеманство, наигранный сентиментализм.

Лирические черты дарования художника проявились в его декоративных пейзажах с мотивами сельской природы, с интимными уголками у полуразрушенных мельниц и хижин.

Творческий кризис Буше отражает деградацию стиля рококо, вызванную общим упадком аристократической культуры.

Реалистическое направление в искусстве 18 века

Жан-Батист Симеон Шарден

(1699-1779)

Реалистическое направление в искусстве развивалось параллельно со стилем рококо, но выражало идеалы третьего сословия, то есть показывало жизнь простых граждан Франции.

Ведущее место предреволюционной эпохи, в чьем творчестве отразились тенденции к демократическому реализму, проявилось в чистой и совершенной форме у Шардена.

Сам, будучи выходцем из третьего сословия, он хорошо знал жизнь ремесленников и простых горожан. Он изображал их с натуры в различных жанровых сценах, в которых раскрывал темы женского домашнего труда, воспитания детей в таких картинах, как «Прачка», «Молитва перед обедом».

Тематика не случайна: эти проблемы были насущными среди третьего сословия. Они нашли свое отражение в литературе, философии, публицистике. Возник вопрос о роли женщины в обществе, особенно, в качестве воспитательницы молодого поколения. Шарден был первым, кто посвятил свое творчество этим темам. Его жанровые композиции продолжают бытовой жанр голландской и фламандской живописи, но у Шардена присутствует нотки морального содержания, они более литературны, театральны, что характерно для 18 столетия. Большой акцент художник делает в изображениях деталей быта простых людей. Он не стремится к декоративности своих произведений. Его живопись отличается чувством меры, он убедителен в передаче материала и фактуры изображаемых предметов, он тонко ощущал поэзию домашнего очага. Здесь царят здоровые нравственнее устои. В понимании морали и семьи, Шарден сближется с Руссо, противопоставляющий испорченным нравам аристократического общества, чистоту совести и сердца, искренность и скромность простого человека.

Несмотря на злободневные темы эпохи Просвещения, Шарден тяготел к натюрморту. Отталкиваясь от голландцев, он обрел в этом жанре полную самостоятельность.

Молитва перед обедом

Натюрморт Шардена - это мир домашних, обжитых человеком вещей, ставших частью жизни человека. По словам Дидро, он открыл качественное многообразие вещей, красоту обыденного.

В зрелом возрасте Шарден обращается к портрету, он заложил основу нового его понимания; его привлекли, говоря языком Руссо «люди сердца». Он создал образ человека третьего сословия. В «Автопортрете» он изображен в рабочем костюме, в живо схваченном повороте, с проницательным взглядом, обращенным к зрителю.

Сентиментализм

Жан Батист Грёз

(1725-1805)

Третьему сословию, его семейным добродетелям посвятил свое творчество Грёз. Реалистическое направление в жанровых композициях Шардена уступает место сентиментальному мелодраматизму, заостренной морализации. В центре внимания появляется образ чувственного человека, модная тогда «слезливая комедия» и идеи Руссо. В проповедях идеализированной патриархальной морали, в благородстве чувств и добродетели, Грёз, как и Руссо, хотели пробудить у зрителя любовь к добру, всеобщей любви и благородству. Культ чувственности Грёза переходил все границы: она переходила в театральное жеманство, слащавую мимику, что лишало произведение подлинности. Его многофигурная композиция «Паралитик» вызывает скорее насмешку, чем сочувствие. Она напоминает фрагмент из «мыльной оперы». Впрочем, для своего времени такая чувственность была актуальна, и даже выдающиеся философы, такие, как Дидро и Руссо, поддерживали творчество Грёза и пропагандировали.

Примитивное понимание воспитательной роли искусства привело Грёза к наивности и условности.

Однако, в области портретной живописи Грёз проявил самые сильные стороны своего творчества. Его портреты проникнуты энергией и гражданственностью. В его героях присутствует самосознание себя как личности, в которых угадывается человек предреволюционных лет «Портрет молодого человека в шляпе».

Дальнейшее развитие его портретная школа получила в творчестве Давида, а в дальнейшем она найдет отражение в мещанском портрете 19 века «Портрет графини Е.П. Шуваловой».

Жан Оноре Фрагонар

(1732-1806)

Творчество Фрагонара нельзя отнести к какому-нибудь стилю или направлению: он впитал в себя все лучшее, что было до него, и на синтезе рококо и реализма создал свое неповторимое искусство.

Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных композициях и ироничных ситуациях в картинах, изображающих жизнь аристократии, наблюдательность реалиста проявляется в его чувстве меры и тяготению к правдоподобной передаче фактуры предметов.

Его картина «Поцелуй украдкой» литературен, напоминает сценки из спектаклей Бомарше. Кажется, что до жеманства и театральной игривости один шаг, но он этого не делает и сцена завораживает изысканностью и реализмом.

Картины Фрагонара полны экспрессии и динамики, что так характерно будет для романтизма 19 века.

Классицизм

Давид

(1748-1825)

Буржуазная революция 1789 г. открыла новый период в истории Европы, и вместе с тем появились новые тенденции в развитии искусства. Огромную роль в деле подготовки революции играло искусство, прежде всего сформировавшийся классицизм на основе академической живописи.

Академическая живопись - это живопись, берущая начало в античном искусстве. Вспомните древнегреческие скульптуры с идеальными пропорциями и идеально красивыми божественными лицами. Любая академия художеств начинает обучение будущих художников с изображения древнегреческих образцов. Отсюда и родилась академическая живопись, а если учесть, что в это время археологами была открыта Помпея, то к античной тематике возрос интерес во много раз.

Давид в преддверии революции создает исторические картины, в которых прославляет героев, жертвующих личным благом во имя общественного долга. Таким образом, он призывал к подвигу и самоотречению, мужеству и доблести, идеалы которых видел в античном герое.

Картина «Клятва Горациев» - яркий пример классицизма. Сюжет картины построен на трагическом противоречии между гражданским долгом и личными чувствами. В период борьбы Рима с Альба-Лонгою, трем братьям из рода Горациев предстояло пойти на смертельный бой. Противники Горациев - друзья их детства, но, несмотря на это, братья дают клятву отцу защитить отечество.

Композиция картины театральна, освещена середина композиции, где разворачивается основная тема действия. Лица - маски античных героев, то есть, реалистический портрет отсутствует, герои облачены в римские военные доспехи, у них красивые тела, будто вылеплены древнегреческим скульптором. Кулисная система подана с помощью легкого затемнения справа и слева, чтобы сконцентрировать зрителя на середине композиции.

Одна из известных работ Давида - «Смерть Марата». Он изображает убитым своей ванной противниками жесткой политики Марата, который приказывал вести на гильотину всех, кто не подчинялся его революционному режиму. Драпировка, свешивающаяся из ванны крупными складками, воспринимается как античный саркофаг, в одной руке - перо, в другой - недописанный лист. Давид этим подчеркивал его трудолюбие во имя революции.

Вопросы:

1.Дайте характеристику живописи Ватто. Чем его жанровые сцены отличны от бытовой живописи?

2.Какие характерные черты присутствуют в живописи рококо, реализме, сентиментализме, реализме?

Задание: по представленным на усмотрение учителя иллюстрациям работ художников 18 века, определите стиль, художественное направление, какие идеи просвещения заложены художником в сюжет.

10. Французская архитектура и интерьер 18 века.

Стиль рококо

С развитием капиталистических отношений во Франции угасает интерес к монументальному строительству - грандиозным ансамблям, подобно Версалю. На смену величественной архитектуре 17 века пришел городской дом, отель, утопающий в зелени особняк французской аристократии, верхушки буржуазии. Архитекторы, работавшие на заказ, ничего оригинального не построили. Большие изменения наблюдаются в интерьере. Это связано с престижем: чем роскошнее интерьер, тем богаче его хозяин.

Коренным образом меняется внутренняя планировка зданий. Появляются овальные залы, просторные анфилады, украшенные зеркалами и позолоченной лепниной. Такой стиль интерьера стал называться рококо.

Рококо - завершающий этап стиля барокко, характерный манерностью, камерностью, изысканностью декоративных форм.

Среди декораторов интерьеров в стиле рококо было немало талантливых художников и архитекторов. Типичный образец рококо - интерьер отеля Субиз, созданный архитектором Ж. Боффраном. Его овальный зал отмечен грацией форм, непринужденным изяществом. Плавная динамика стены передается в волнообразной декоративной лепнине мягкими полутонами, которая незаметно переходит на плафон. В образованных между лепниной пространствах находятся живописные панно на аллегорические темы в легких светлых тонах.

Тяга к ансамблю в архитектуре 17 века переместилась в ансамбль в интерьере.

Неотъемлемая часть интерьера в 18 веке становится мебель. Она должна выражать стилевое единство со стенами. Появляются нарядные столики, инкрустированные комодики, удобные мягкие кресла, диваны с узорчатой обивкой и причудливыми очертаниями спинок и ножек, китайские ширмы, хрустальные сверкающие люстры с навесками… Можно сказать, что в 18 веке появляется искусство дизайна - стремление к единству стиля в интерьере.

Ансамбль, как единство стиля выразился и в сервировке стола: появляются столовые наборы из фарфора, выполненные в едином стиле.

Одежда тоже должна быть в единстве и гармонии с интерьером.

Образ жизни, этикет, вкусы французской аристократии проявились в кокетливом жеманном стиле рококо.

Хрупкость и причудливость форм, нежность и изысканность цветов - таковы основные черты стиля. Идеалом красоты становится существо хрупкое и изящное. Женский костюм изменяет естественные формы тела. Талия затягивается в корсет, а бедра увеличиваются при помощи юбок-папье. Платье украшалось оборками, гирляндами искусственных цветов, кружевными пелеринами. В прически вплетаются цветы.

Классицизм

С середины 18 века стиль рококо подвергается критике за манерность, усложненность композиции жанровых и декоративных элементов. Воздействие просветительских идей раньше всего сказалось на архитектуре, провозгласившей рационализм и естественность в искусстве. Внимание архитекторов привлекала строгость форм и объемов, спокойствие и достоинство античной культуры. Интерес к древности спровоцирован был археологическими раскопками Помпеи в 1755 году. Классицизм становится модным при дворе.

Классицизм (от лат. Образцовый) - направление в искусстве и архитектуре, характерное высокой гражданственностью, которая выражалась в строгости форм. В архитектуре - возврат к древнегреческой к ордерной системе несомых и несущих конструкций.

Развитие капиталистических отношений требовало переосмысления и перестройки хаотично застроенных средневековых городов. Это время устройства удобных для населения новых кварталов, площадей, рынков, торговых и общественных зданий.

В середине 18 века французский архитектор Габриэль проектирует в Париже площадь Людовика XIV (теперь площадь Согласия). Ее создание положило начало формированию центрального ансамбля. Это открытая площадь со свободным пространством, к которому примыкают три луча аллей. С двух сторон площадь переходит в массы зелени, а с третьей она застроена зданиями Военного и Военно-Морского министерств. Их развернутые фасады объединены колоннадой коринфского ордера, опирающиеся на аркаду. По сравнению с классицизмом 17 века (например, здание Лувра) классицизм 18 века более утонченный и изящный.

Вопросы:

1.Что такое стиль рококо, перечислите его признаки.

2.Почему для стиля рококо не характерно масштабное строительство?

3.Как появился дизайн?

4.Признаки классической архитектуры.

Задание: укажите на данном изображении здания колоннаду, аркаду, портик, какому направлению архитектурного искусства относится данное сооружение.

11. Литература Франции эпохи Просвещения

Вольтер

(1694-1778)

Среди французских просветителей-вольнодумцев уже в 20 годы становится заметным имя Франсуа-Мари Аруэ, вошедший в историю мировой культуры под именем Вольтер.

Жизнь Вольтера внешне была яркой и суматошной. Уже молодой отпрыск буржуа, по выходе из иезуитского колледжа, заставил говорить о себе, как опасный острослов. За свои язвительные эпиграммы в адрес высокопоставленных чинов, он поплатился годом заключения в Бастилии. Выйдя на свободу, он продолжал писать язвительные заметки и эпиграммы, он нажил много могущественных врагов. Так, с годами, врагами Вольтера становилась вся феодальная Европа. Он не раз приговаривался к суду и везде слышался его сатирический смех. «Нам никогда не удастся заставить замолчать этого человека!» - воскликнул король Людовик XV. Все хотели, чтобы Вольтер замолчал и все хотели знать его мнение по многим политическим и философским вопросам.

Вольтер был признанным вождем просветителей всей Европы и был великим литератором. Он умел осмыслить и объяснить на прекрасном простом языке самые сложные философские темы.

Творческое наследие Вольтера огромно. Оно включает в себя все литературные жанры, которые тогда существовали. Он как-то заметил: «Все жанры хороши, кроме скучного».

Он писал легко, быстро, весело, писал романы, повести поэмы. Например, «Орлеанскую девственницу» о Жанне Д'Арк, Занимался философией, написал «Философские тетради». В отношении к религии он выступал против посредников в общении с Богом: «Бог и я». Писатель зло издевался над церковью, призывал «раздавить гадину», но не поднялся до атеизма Дидро, ведь в то же время он говорил: «Если бы Бога не было, его следовало бы выдумать». Он был против революции, считая, что реформы достаточно, чтобы избавиться от феодальной отсталости.

При жизни к нему пришла мировая известность, появилось вольтерьянское движение в передовых кругах интеллигенции, его перевели на все европейские языки.

Пушкин, будучи лицеистом, перечитал всего Вольтера на французском языке, под его подушкой всегда лежал его томик.

Скульптор Гудон изваял в мраморе пожилого Вольтера, сидящего в кресле. Композиция по массе напоминает устойчивую пирамиду, что придает значимость и вес гениальному писателю. Гудон был художником классического направления и хотел изобразить Вольтера с лавровым венком на голове. Когда Вольтеру надели венок для позирования, он сорвал его с головы и закричал: «Бросите этот венок в мою открытую могилу!». Гудон заменил лавровый венок на простой домашний чепчик, но все же изображение античной тоги оставил. В чертах лица - чуть прищуренный глаз, в заостренном как у лисы носе мы видим пытливость, напряженный интерес к происходящему. С обеих сторон рта - иронические складки. Вот-вот из него вырвется какой-нибудь сарказм. Образ Вольтера, гиганта человеческой мысли, вырастает до обобщения всей эпохи Просвещения.

Философская повесть «Кандид»

В романах галантного века часто использовался сюжет: разлучаются влюбленные вследствие пожара, наводнения, других неприятностей, весь роман ищут друг друга, спустя много лет, в конце романа находят друг друга, время их не изменило, они такие же молодые, прекрасные и влюбленные, как прежде.

В философской повести «Кандид» Вольтер использует этот сюжет и пишет пародию на философию Лейбница, в частности на его высказывание о том, что все, что не делается, все к лучшему. Вольтер выдвигает два типа бедствий, которые испытывают его герои:

1. бедствия социальные (война, инквизиция…);

2. бедствия природные (наводнения, кораблекрушения…).

Выдвигает две философские теории:

1. «Все к лучшему», носителем которой является учитель Панглос;

2. «Все к худшему», носителем этой идеи является Мартин.

Кандид - молодой человек, которого разлучили с его возлюбленной, выступает в роли подопытного кролика этих двух философских идей. В конце повести, как водится в галантных романах, они встретятся такими же молодыми и невредимыми, как в начале.

А вначале было вот что: «В Вестфалии, в замке барона Тундер-тен-Тронка, жил юноша…его звали Кандидом». Между ним и дочерью барона возникла любовь, но когда они целовались за ширмой, мимо проходил барон и, уяснив себе причины и следствия, здоровым пинком вышвырнул Кандида из замка.

Итак, начало галантному роману положено. Кандид скитается по стране в поисках приюта и пищи. Он подошел к проповеднику, говорившего целый час о милосердии и попросил хлеба, но проповедник спросил: «Мой друг, верите ли вы, что папа - антихрист?»

«Об этом мне ничего неизвестно, - ответил Кандид, - Но антихрист он или нет, у меня нет хлеба».

«Ты не достоин есть его! Убирайся вон, бездельник…».

«Жена проповедника, высунув голову из окна и обнаружив человека, который сомневался в том, что папа - антихрист, вылила ему на голову полный… О, небо! До чего доводит женщин религиозное рвение!».

Скитаясь, Кандид знакомится с нищим, в котором он узнал учителя своей возлюбленной Кунигунды - Панглоса. Тот рассказал ему печальную новость о гибели всего семейства барона и его дочери от рук болгарских солдат, а сам он чудом выжил.

Панглос и Кандид попадают в Лиссабон после землетрясения. Мудрецы, чтобы остановить сотрясение земли, решили сжечь несколько человек на малом огне.

Выбрали Панглоса и Кандида. Одного схватили за то, что говорил, другого за то, что слушал. Кандид воскликнул: «Если это лучший из миров, то таковы же другие?». Началось землетрясение, Панглосу заменили казнь сожжением на повешение, Кандида высекли.

В Лиссабоне Кандид встречается с Куникундой, которая жила в доме у великого инквизитора, там же жил и еврей. В порыве ревности Кандид убивает одного и другого, на что Кунигунда горько сетовала, уверяя, что «нас отлучат от церкви». Кандид ответил: «Моя милая, когда человек влюблен, ревнив и высечен инквизицией, он себя не помнит».

Начинается погоня за Кандидом и влюбленные вновь разлучаются. Кандид попадает в страну Эльдорадо, где по золоту ходят и не считают этот металл драгоценным. Кандид набивает золотом мешок. Но впоследствии на корабле лишается его. Он знакомится с Мартином. Вот философская позиция Мартина: «Дьявол вмешивается во все дела мира… Мне ни разу не привелось видеть города, который бы не желал погибели другому городу, везде слабые ненавидят сильных, а сильные обходятся с ними, как со стадом… Тайные печали еще более жестоки, чем общечеловеческие бедствия…»

«Однако на свете существует добро, - возразил Кандид.

«Может быть, но я с ним не знаком».

Далее, в разговоре, Кандид вспоминает учителя Панглоса, которого, как он думал, повесили в Лиссабоне: «…Один великий мудрец, попав на виселицу, говорил мне, что все в мире отлично, а зло - только тень от прекрасной картины».

«Ваш висельник издевался над людьми, - сказал Мартин, - А ваши тени - отвратительные пятна».

Через некоторое время Кандид встречает Панглоса живым и невредимым. Оказалось, что когда его вешали, пошел дождь, веревка намокла, разбухла и не затянулась вокруг шеи. Это дало ему возможность дышать и избежать смерти.

К концу повести все герои сюжета остаются целы и невредимы, и вот какой вывод делает Панглос: «…Лейбниц не мог ошибаться, и предусмотрительная гармония всего прекраснее в мире…».

Собравшись вместе, герои повести рассуждают, что есть жизнь. Все они испытали бедствия, все закончилось хорошо и если сидели дома, не испытали бы бедствий, тоже было бы хорошо. И решили они спросить дервиша: «Учитель, мы пришли спросить у вас, для чего создано столь странное существо, как человек?»

«Какое имеет значение, царит на земле добро или зло? Когда султан посылает свой корабль в Египет, разве он заботится о том, хорошо или худо корабельным крысам?»

«Все события неразрывно связаны с лучшим из возможных миров» - утверждал Панглос.

«Это вы хорошо сказали, - отвечал Кандид, - Но надо возделывать наш сад».

В понимании Вольтера наш сад - это страна, которую надо самим приводить в порядок, только человек способен устроить жизнь так, как хочет, надо только не лениться. Человек - хозяин своей страны и своей судьбы, это его сад. Лучшее само не делается, лучшее надо делать самим.

Вопросы:

1.Какую философскую идею критиковал Вольтер?

2.Прокомментируйте слова Дервиша о корабле и крысах.

3.Какую мысль заключил Вольтер в слова «Давайте возделывать наш сад»?

4.Докажите, что идеи Вольтера актуальны и сегодня.

12. Сентиментализм в литературе

Иоганн Вольфганг Гете

(1749-1832)

Величайший немецкий писатель прожил долгую жизнь. Его литературное наследие охватывает периоды всех стилей и направлений литературы 18 века. Начало его творчества приходится на эпоху Просвещения, окончание его литературной деятельности мы находим в романтизме.

Германия в эпоху жизни Гете была отсталой и раздробленной на мелкие герцогства страной. Каждый властитель управлял своим поместьем на свое усмотрение. Но в стране было несколько вольный городов, управлял которыми римский император, под властью которого находилась вся Германия. В таком вольном городе во Франкфурте-на-Майне, в семье состоятельного горожанина, родился Гете.

В 16 лет он стал студентом Лейпцигского университета, а затем Страсбургского и стал доктором права. Кроме этого он был философом, искусствоведом, писал работы по естествознанию, пишет стихи, пьесы, романы. При жизни он становится широко известным писателем в Европе. У него есть произведения реалистические, романтические, классические, символические, сентиментальные, но цель была одна: понять сущность жизни, раскрыть его глубокие противоречия.

Творчество Гете - одно из вершин мировой литературы, оно входит в сокровищницу художественный ценностей всего человечества.

Сентиментальный роман «Страдания юного Вертера» имел феноменальный успех у читателей того времени. Это роман в письмах - жанр, модный в эпоху Просвещения. Письма позволяют героям раскрыть душу, что делает роман чувственным. Сюжет прост: это любовный треугольник. Гете решает насущные вопросы своей эпохи - это вопросы нравственности. Чувство любви прекрасно, но должно ли оно вступать в противоречие с добродетелью? И еще писатель ставит вопрос о социальном неравенстве, которое препятствует счастью людей.

Юный Вертер из непривилегированной семьи беззаветно влюблен в Лотту. Его чувства возвышены и красивы. Противоположность ему - жених Лоты Альберт. Он практичный и рассудительный. Лота наделена всеми добродетелями. Ее отношение к Вертеру двойственно: он ей не безразличен, они любят поэзию, много говорят о прекрасном, они родственные души, все указывает на то, что они - идеальная пара. Для богатого, расчетливого Альберта она - идеальная жена. Она выходит замуж за Альберта, и становится перед выбором между долгом и чувствами. Она выбирает долг и остается верной своему мужу. Вертер, дойдя до последней грани отчаяния, трагически обрывает свою жизнь.

Эта история о социальном неравенстве в конце 18 века прозвучала смело и по- своему даже революционно. В одном из писем другу Вильгельму Вертер пишет: «Многим уже казалось, что человеческая жизнь - это сон… Когда я вижу, что всякая человеческая деятельность сводится к удовлетворению потребностей в свою очередь имеющих одну только цель - продлить жалкое существование, а успокоенность в иных научных вопросах - всего лишь бессильное смирение фантазеров… Я ухожу в себя и открываю целый мир живых полноценных образов… Я живу, точно во сне, улыбаясь миру».

Язык сентиментального романа характерен своей «слезливостью», вот, к примеру, эпизод, когда Вертер вслух читает Лотте историю о трагической любви, которая напомнила им об их отношениях: «Из глаз Лоты хлынули слезы, давая исход ее тоске, и прервали чтение Вертера. Он отшвырнул тетрадь, схватил ее руку, и заплакал горькими слезами…, она перевела дух и сквозь рыдания попросила его, неземным голосом попросила его читать дальше. Вертер весь дрожал, сердце его задыхалось, он поднял листок и, задыхаясь, стал читать».

Весь роман изобилует признанием в любви Вертера к Лотте. В письме к Вильгельму он пишет: «Ее присутствие, ее участь, ее сострадание к моей участи только и могут еще исторгнуть слезы из моего испепеленного сердца».

Роман для своего времени стал вызовом дворянскому высокомерию, и являлась своего рода примером демократической литературы.

Вопросы:

1.Какие вопросы решало сентиментальное направление в живописи и литературе?

2.Что связывает сентиментализм с эпохой Просвещения?

3.Какие задачи поставил Гете в своем романе?

4.Чем характерен язык сентиментальных романов?

13. Культурная жизнь России 18 века.

Искусство Петровской поры

7 веков длилась величественная эпоха древнерусского искусства. 18 век открывает новый этап - русское искусство нового времени. Петр I затрагивает реформами хозяйство страны, армию, культуру. Идет европеизация России.

Знакомство с перспективой эпохи Возрождения, Россия приносит свой идеал в градостроительство - архитектурный ансамбль.

В плане город имеет уже не радиально - кольцевой рисунок, а прямоугольную сеть улиц и переулков. Появляется гражданское строительство.

Русской архитектуре начала 18 века были присущи простота и деловитость. Здания Петровского времени имеют четкие объемные решения.

Развитие новой архитектуры связано со строительством Петербурга, куда были приглашены западноевропейские архитекторы. Русский город впитал в себя элементы восточноевропейской культуры - это простые 2-3 этажные дома с внешней декоративной раскраской, простые и строгие в плане.

Позже, с приходом архитекторов из Италии - Растрелли, Трезини, - строятся здания в античном стиле, в стиле французского классицизма, барокко, рококо.

Трезини. Петропавловский собор. Базиликальная композиция с колокольней, которая венчается шпилем. Собор задуман, как визитная карточка города, символ новой столицы, рассчитан на вид издалека.

Отличительной чертой Петербургской архитектуры является камерный вариант стиля барокко. Обилие скульптур на зданиях - не просто украшения, а аллегория, символизирующая назначение здания.

Русский барокко - не каменное, как на западе, а штукатурное, рукотворное, крашеное, несколько лубочное. Поверхность стены окрашиваются в зеленый или красный цвета, которые хорошо сочетаются с белыми с позолотой колоннами.

Растрелли стоит во главе русской архитектуры середины 18 века. Он приехал в Россию в шестнадцатилетнем возрасте с отцом - скульптором. Под его руководством строится Зимний дворец - достойный образец барочной архитектуры. Здание симметрично, в плане - вытянутый прямоугольник, второй и третий этаж объединены высоким ордером, а первый этаж приземист и объединяется более низким ордером, поэтому здание выглядит тяжеловесно. Здание украшено аллегорическими статуями, завершая архитектурную композицию. Наличники окон украшены декором одного цвета с колоннами. Рядом с Зимним Дворцом находится один из лучших музеев мира - «Эрмитаж» (с фр. «уединение»). Здесь собраны шедевры мировой живописи, скульптуры и прикладного искусства от золота скифов до скульптур Родена, от полотен Леонардо да Винчи до Пикассо.

Собор Смольного монастыря, автор Растрелли, выдержан в принципах золотого сечения. Это придает зданию внутреннюю согласованность. Он оригинально решает проблему интерпретации пятиглавия: они не рассредоточены традиционно по углам здания, а вплотную примыкают друг другу. Благодаря этому возникает компактная динамичная композиция.

Русская архитектура осваивает незнакомые прежде разновидности зданий светского характера: административного, научного, промышленного назначения. Важнейшим атрибутом архитектуры становится ордер.

Говоря об архитектуре 18 века, мы сразу вспоминаем Петербург и его светские застройки, но еще не ушло в прошлое русское зодчество. На берегу Онежского озера в Кижах, русскими мастерами создается уникальное чудо - многокупольная церковь Преображения, выполненная из дерева без единого гвоздя. Церковь захватывает дух своей торжественной красотой, пирамидальной устремленностью ввысь, сказочными куполами.

В петровскую эпоху начинается крупное гражданское церковное строительство. Богатое купечество и дворянство финансировали строительство и диктовали свою волю и вкусы. Храм Знамения в Дубовицах под Москвой принадлежал князю Голицыну. Он выложен из белого камня, сплошь покрытого затейливой резьбой. Новыми чертами являются статуи у западного входа, барельефы и латинские надписи внутри. Глава церкви покрыта ажурной короной. Кокошник гораздо выше и декоративнее, чем у церкви Покрова в Филях. Руководил работой русский архитектор Зарудный. Им же была построена Меньшикова башня (церковь Архангела Гавриила). Она была построена в честь победы русского оружия в Северной войне. Башня Меньшиковой церкви была выше собора Ивана Великого на 3 метра, но шпиль с Архангелом Гавриилом, сбила молния. Нижняя часть церкви похожа на сооружение дворцового типа. Вместо нефов появляются портики в классическом стиле, а декоративная скульптура, гирлянды цветов и плодов, высеченные из камня, указывают на присутствие элементов барокко.

Скульптура

Наиболее крупным мастером этого периода был Растрелли. Он приехал в Россию 1716 году и остался здесь до конца жизни. Его творчество связано с созданием портретов Петра I. Он создает бронзовый бюст Петра, который представляет типичное барокко, выдержанное в манере Бернини. Здесь автор декоративно выполняет складки, которые играют роль светотени в скульптуре, изящно подвижная скульптура имеет много декоративных мелочей, аллегорий, но они не мешают общему восприятию портрета.

Графика

Алексей Зубов

(1682-1749)

Предметом особой важности становится гравюра. В это время она выполняет важные функции, например, в градостроительстве - документально изображают виды города, для истории - изображают баталии. Гравюра используется в научных и учебных целях: изображения учебных таблиц, календарей, атласов.

Особое место в этом виде искусства занимает изображение Петербурга. Зоркое видение и любовь к новой столице, помогла художнику-графику Зубову изобразить неповторимый портрет своего города. В «Панораме Петербурга» 1716 года. На втором плане, избегая пространственных прорывов, изображает архитектуру города. На первом плане - гордость России, морской флот. На большом фантастическом облаке развернута лента, на которой на русском языке и на латыни написано имя города. Ленту держат амурчики в стиле барокко.

Живопись

Начиная с петровской эпохи огромные изменения, претерпевает живопись. Складывается искусство станковой картины с ее осмыслением и композиционными особенностями. На смену обратной перспективы приходит прямая с ее иллюзиями глубины и пространства.

Основоположник русской живописи 18 века является И.Н.Никитин (1680-1742). Иван Никитин родился в семье московского священника. Обучался арифметике, занимался живописью и рисунком в Оружейной палате. Петр I, узнав о его способностях, велел ему продолжить обучение изобразительному искусству. Он изучал живопись в Италии, но в живописной манере все же, остался еще иконописный дух. Его портреты раскрывают глубину человеческой души - черта, которая станет доступной для русской школы, например, «Портрет напольного гетмана». Художник показывает мужественное лицо воина, готового к встрече с опасностями и вместе с тем мы видим образ мудрого человека, познавшего смерть, уставшего от битв. Никитин изобразил светлый, не загоревший лоб гетмана, бурые от загара щеки, воспаленные веки. Кажется, на его лице написана многострадальная и мужественная история России.

В 20 годах Никитин пишет самый глубокий и содержательный портрет Петра I. Лицо Петра сильно и энергично освещено, блестят стальные латы полководца. В образе Петра он выразил внутренний мир волевого незаурядного человека.

Вторым крупным мастером был Андрей Матвеев (1701-1739). Он первый из русских художников, кого Петр отправил учиться в Голландию и Фландрию. Его картины отличаются мягким колоритом, световоздушностью. «Автопортрет с женой» - самая известная его работа. Здесь воскресает новый тип человеческих отношений: тонкое интимное чувство целомудренно представлено зрителю, это нечто принципиально новое для русской живописи. Матвеев показал себя в портрете человеком с простым и оживленным лицом, с ясным выражением его черных глаз.

В 30 годы он стал ведущим мастером русского искусства, занимался крупными заказами, был экспертом при оценке художественных работ. Он занимался декорированием и убранством ряда архитектурных сооружений.

Живопись стиля барокко. 20-40 годы

Ведущее место в русской живописи до 30 годов 18 столетия занимали Никитин и Матвеев. Но уже в следующий период (40-50 годы) появляются новые имена художников - Вишняков, Антропов и Аргунов, которые создали на основе русской живописной школы галантный стиль.

Барокко, а позже и рококо, не получили широкого распространения, но, тем не менее, оставили след в русском искусстве.

Антропов

(1716-17951)

Антропов остался в истории нашей культуры, как выразитель варианта русского барокко. Он крепостной художник-декоратор интерьеров графа Шувалова, ученик Матвеева, вы его помните по картине «Автопортрет с женой».

Антропов проявил себя в портретной живописи, для его творчества характерны декоративность барокко и камерность рококо. Он менее заботится о передаче внутреннего мира изображаемых лиц, зато с фотографической точностью схватывает черты лица. Много места в портретах занимают декоративные элементы одежды и аксессуары. В необычной манере написан парадный портрет Петра III. Петр предстает скорее как актер, демонстрирующий свои атрибуты власти. Здесь присутствует камерность рококо, аллегоричность и декоративность барокко, сухость и выразительность парсуны. Пожалуй, это единственный художник в истории русского искусства, о котором можно сказать, как о живописце камерного, рокайльного (от слова рококо) жанра в русском варианте.

Аргунов

Идеи Просвещения проникают и его творчество. В портрете Хрипуновой он изображает простоволосую женщину, жену архитектора Хрипунова с книгой в руках. Вместо черного парсунного фона - пространственное решение заднего плана и никаких декоративных излишеств. В портрете ощущается попытка передать внутренний мир женщины, ее эмансипированность.

Вопросы:

1.Чем в градостроительной планировке отличаются Москва и Петербург?

2.Опишите архитектуру стиля барокко на примере Зимнего Дворца.

3.Чем русский стиль барокко отличается от европейского?

4.Для чего, кроме религиозного культа был выстроен Петропавловский собор?

5.Расскажите о развитии станковой живописи в России 18 века.

14. Общественная мысль России 18 века

В 18 веке русская общественная мысль бурлила в полном смысле этого слова. Многие проблемы были унаследованы от 17 «бунташного» века. Новый век рождал новые проблемы, новые темы для публицистов. Развитие в России капиталистических отношений, начало разложения крепостнического уклада затрагивало все слои населения. С 60 годов крестьянский вопрос становится самым главным, а пугачевский бунт лишь подтверждает этот факт.

В это же время церковь стала полностью подчиняться государству. Еще в период правления Петра I в Киеве проповедовал ученый монах Феофан. Он был высокообразованным человеком, знал греческую и европейскую философию, занимался публицистикой, за что был приближен к Петру I. Он первый выдвинул вопрос о просвещении народа с помощью проповедей. Он распространял свои публикации по церквам, и священники обязаны были их читать прихожанам.

Феофан поддерживал абсолютную монархию, как единого гаранта крепкой державы, изучив историю России, он показал: где крепкая власть, там сильнее государство.

Феофан не был духовно одинок, вокруг него появляется «ученая дружина» во главе с Татищевым. Он был идеологом дворянской абсолютной монархи, но он утверждает, что наука должна развиваться отдельно от церкви, и что самодержавие не может быть всемогущим двигателем прогресса и культуры. Книгопечатание должно быть отдельно от правительства. «Ученая дружина» была предтечей просветительства в России, первым представителем которого стал Ломоносов.

М.В. Ломоносов

(1711-1765)

Ученый-энциклопедист, основавший материалистическую школу в России. Сын рыбака, он пешком пришел из Холмогор в Москву, поступил в Славяно-греко-латинскую академию, затем, как лучший ученик был направлен в Академию наук в Петербург, а потом за границу в Марбургский университет.

Ломоносов твердо стоит на материалистических позициях в науке и философии. Он первый выстраивает гипотезу об эволюции растительного и животного мира, положил основу теории изменения материи, состоящей из элементарных частиц. Он решительно выступает против вмешательства в науку божественного проведения, как это делали ученые-схоласты: если что то нельзя научно доказать, значит это создал Бог. Помните Фому Аквинского, его доказательства существования Бога?

Ломоносов разделял позицию просветителей, считая, что улучшить жизнь можно лишь посредством просвещения и совершенствования нравов.

Кроме научной деятельности, Ломоносов был художником. Он возрождает искусство мозаики, разрабатывает батальные и исторические композиции, прославляющие Петровскую Россию.

Ломоносов оставил свой след в русской литературе. В русскую поэзию он вводит четырехстопный ямб. Ода - любимый поэтический жанр Ломоносова.

Ода (от греч. Песнь) - торжественное стихотворное произведение. В древнегреческом искусстве - хоровая песня. Праздничные песни или оды прославляли победителей спортивных состязаний в знак признания и восхищения. Ломоносов посвящает оды просветительским идеям, России, императрице. Он, как и Феофан уверен, что благо в его стране зависит от властьимущих, поэтому высоким классическим «штилем» он прославляет восшествие на престол Елизаветы Петровны в 1747 году.

Как все классическое берет свое начало в древнегреческой и древнеримской культуре, ода, как классический жанр поэзии изобилует сравнениями, метафорами, аллегориями, мифологическими героями:

В полях кровавых Марс страшился,

Свой меч в Петровых зря руках,

И с трепетом Нептун чудился,

Взирая на российский флаг.

В своем поэтическом творчестве Ломоносов доводит до совершенства классическое силлабо-тоническое стихосложение (от греческого слова «слог» - ударение). Правильное чередование ударных и безударных слогов, создают поэзии впечатление торжественности. В таком стиле была написана ода «На взятие Хотина»:

Над войском облак вдруг развился,

Блеснул горящим вдруг лицеем;

Омытый кровию мечем

Гоня врагов, герой открылся.

Ломоносова называют русским Леонардо да Винчи. Он проявил себя во многих областях науки и культуры, был смелым новатором и экспериментатором, остался в истории России, как необыкновенно творческая личность, он - гений русского просвещения.гоня ю мечем

лицем;руг развился,

песенности и торжественности:кое стихосложениере, ода, как классический жанр поэзии изобилует

Вопросы:

1.Что вы знаете о первых идеологах Просвещения? По какому пути предлагалось вводить идеи Просвещения в России?

2.В чем отличие идей Феофана от идей Ломоносова в области Просвещения?

3.Что такое классическое стихосложение? Что такое ода? Расскажите ее предысторию.

15. Ранний классицизм

(60 - 80 годы 18 века)

Еще в 15 веке предвозрождение, так гениально начатое Андреем Рублевым, не получило свое развитие в 16 веке, в период смутного времени. В 17 веке Россия возобновила свой путь развития, основанный на религиозной основе. Как помните из курса 8 класса, этот период был характерен великолепным ансамблевым строительством, введением стиля барокко, украсившие терема и церкви, развитием живописного искусства на основе иконописи, уникальным искусством парсуны.

Благодаря Петру I русская культура, минуя эпоху Возрождения, шагнула практически из средневековья в эпоху Просвещения.

Россия всегда себя чувствовала имперским государством, поэтому, Просвещение ярче проявилось в классицизме. Как ни в какой другой стране, в России можно проследить три периода классицизма: ранний, зрелый и поздний.

Если в Европе просветительские идеи воплощались в основном в литературе и живописи, то в России - в архитектуре, скульптуре и живописи. Только к концу 18 века появляется литература со сложившимися просветительскими идеями.

В Европе задача просветителей заключалась в борьбе с феодализмом, мешающим развитию капитализма, развитию свободного рынка. В России на тот момент было крепостное право, поэтому, российское просветительство поднимало вопрос об улучшении жизни крепостных крестьян, выявляло пороки крепостничества.

Архитектура

Вторая половина 18 века внесла много нового в развитие русского зодчества. Развитие промышленности и торговли, продолжающееся увеличение городов, рост науки - все вызывало необходимость в развитии новой архитектуры, связанной планировкой градостроительства. Русские архитекторы видели в архитектуре античного мира гармоничность, строгость, ощущение завершенности идеальных объемов. Опыт градостроительства древнего мира был учтен в крупных планировках развивающихся русских городов как провинциальных, так и столичных.

Русская архитектура 18 века проходит в своем развитии два этапа: Ранний классицизм в 60-80 годы и строгий - 80-90 годы. На первом этапе тон задают общественные здания, на втором - городское частное строительство.

Ранний классицизм характерен строительством зданий государственного и научного назначения. Крупнейшими мастерами раннего классицизма были архитекторы Вален-Деламот и Кокорников. По их совместному проекту в 1764 году в Петербурге строится Академия художеств, характерная для раннего классицизма. Особенность этого стиля заключается в ощущении целостности и монолитности, строгости и симметричности.

Здание тяжеловесно, в центре фасада - выступающий вперед намек на древнегреческий портик, по бокам - выступающие небольшие колоннады и арки, усиливающие равновесие и тяжеловесность. Впрочем, колонны еще не следуют образцам древнегреческой архитектуры, а скорее напоминают стиль барокко. Стены лишены декоративности, что придает Академии строгость и официальность.

Активно идет застройка Москвы. Здесь работают такие архитекторы, как Баженов, Ухтомский, Казаков.

Баженов приобрел европейскую известность, был избран профессором Римской, членом Флорентийской и Болонской академий за ряд выдающихся архитектурных проектов.

о Москвпородилпородило терминле 40 древнегреческим октастильным портиком с двускатной крышей.санца /эпохи Возрождения/окко - пСкульптура

К расцвету русской монументальной пластики имеет непосредственное отношение французский скульптор Фальконе, работающий в стиле классицизма. По приглашению Екатерины II в Петербург он создает прославленный памятник Петру I (Медный всадник) на Сенатской площади. Памятник стоит на осколке «гром-камня». Петр I изображен в традициях классицизма: его голова увенчана лавровым венком, на плечах развивается императорская туника, взгляд устремлен вдаль. Композиция во многом аллегорична: змея, попираемая копытами коня, олицетворяет преодоленное зло и перекликается с Георгием Победоносцем, вздыбленный конь - победоносный финал.

Федор Шубин

(1740-1805)

Самый крупный из русских скульпторов 18 века. Он родился в семье крестьянина, близ Холмогор. С ранних лет он овладел искусством резьбы по кости. Следуя своему знаменитому земляку - Ломоносову, он покидает родные места и направляется в Петербург. Там он устраивается во дворец истопником и продолжает работать как резчик по кости и перламутру. Ломоносов занялся судьбой талантливого юноши и в 1759 году он поступает в Академию художеств. Родовая фамилия Федора неизвестна, Шубиным он стал именоваться в Академии художеств. Шубин закончил обучение с большой золотой медалью и был направлен в заграничную пенсионную поездку в Париж и Рим в период расцвета классицизма в Европе.

Шубин зарекомендовал себя как мастер скульптурного портрета в жанре бюста. Здесь сказывается влияние римского скульптурного портрета: бюст, на плече тога.

Бюст Голицына изображен с накинутой на плечи драпировкой, напоминающей тогу.

Скульптор сохраняет дистанцию по отношению к модели, но он достаточно деликатен, склонен смягчать и облагораживать своеобразные черты лица.

Если римский бюст символизировал величие человека, его заслуги перед империей, то у Шубина, как у человека эпохи Просвещения, скорее противоположный взгляд на личность. Он пристально всматривается в личность, приемлет все, что дала ему природа, его интересует богатейшая гамма свойств характера изображаемой личности. В его скульптурных портретах можно увидеть целую галерею благородных и высокомерных, скромных и сдержанных, щедрых и замкнутых образов своих современников.

Графика

М.И. Махаев

(1718-1770)

Во второй половине 18 века заметной фигурой в графике становится гравер Махаев. Он создает целую серию видов Петербурга и его пригородов. Он уже активно использует возможности перспективы в стиле барокко - панорамное изображение в глубину.

Жесткая линеарность зубовским гравюрам противостоит махаевская с более тонкими светотеневыми градациями. Благодаря этому гравюры Махаева ближе к живописной передаче барочной архитектуры, крон деревьев, развивающихся на кораблях флагштоках.

Живопись

Эстетика Ренессанса (Возрождения) в Россию приходит в 18 веке, и наиболее ярко это проявляется в портретной живописи раннего классицизма. Появляется понятие гуманизма, человек в России становится как в эпоху Возрождения центром мироздания. Русских художников привлекает в человеке душевные качества в большей степени, чем его одежды, внешность, аксессуары. Парадные портреты в стиле барокко уже никого не интересуют, зато просыпается интерес к человеку, к личности, как высшей ценности, созданной природой. Этот период характерен погрудными портретами. Образ человека пишут все: от известных художников до самоучек, пишут всех: людей столичных и провинциальных. Портрет 18 века меньше всего был подвержен классицизму. Этот жанр русской живописи условно имеет два этапа развития: 60-80 годы, где наблюдается идеализация и гуманизм образа, интеллект и просвещенность, где общечеловеческое берет верх над личным; 80-90 годы характерны импровизацией, проявляются черты сословия. В 90-е годы особенно проявляется больше сентиментальности, душевных качеств человека, нежели интеллектуальных. Появляются портреты в овальных рамках или круглых, конечно, и в традиционных прямоугольных. Главное внимание теперь привлекает не разум, а мир чувств. Наиболее талантливые портретисты раннего классицизма являются Рокотов и Левицкий.

Федор Рокотов

(1735(6)-1808)

Начиная с 60 годов 18 века, важнейшие изменения претерпевает живопись. Среди прославленных мастеров этого жанра необходимо назвать имя Рокотова.

Рокотов, возможно, выходец из бедной семьи крепостных, принадлежащих Репниным. Рано он стал известен меценату, основателю Московского университета Шувалову. По его распоряжению Рокотов поступает в Петербурге в Академию художеств. По окончании возвращается в Москву, как портретист, у которого не было отбоя от заказчиков.

Рокотов открыл новые пути для русского портрета. Его увлекали не ярко выраженные черты характера человека. А его внутренний мир, поэтичность и одухотворенность образа. Возникает неповторимый «рокотовский тип» портрета, которому будут подражать другие художники, но глубина его образов останется недосягаемой.

Художник сближается с передовой просвещенной интеллигенцией Москвы, будучи сам от природы наделен утонченностью ума, он пишет портреты людей этого круга. Особенно хорошо ему удаются женские портреты, в которых зритель заходит загадочность, тайну, сложность духовного женского мира.

Как прелестное явление возникает в таинственной дымке портрет А.П. Струйской. Ее большие задумчивые глаза обращены в сторону зрителя. Мягкому овалу лица соответствуют нежные розовые губы. Прозрачная ткань легко драпирует ее тело, на грудь ниспадает длинный локон. Николай Заболоцкий - поэт 20 века, посвящает портрету Струйской стихи, где в частности звучат слова:

«Ее глаза как два тумана,

Полуулыбка, полуплач,

Ее глаза - как два обмана,

Покрыты мглою неудач,

Соединенье двух загадок,

Полувосторг, полуиспуг,

Безумной нежности припадок,

Предвосхищенье смертных мук.

Когда потемки наступают

И приближается гроза,

Со дна души моей мерцают

Ее прекрасные глаза».

Дмитрий Левицкий

(1735-1822)

Другим крупнейшим художником второй половины 18 века был Левицкий. Он родился в Киеве в семье священника, который занимался гравированием и научил сына. Юношей Дмитрий приехал в Петербург и поступил в Академию художеств, в класс Антропова. За парадный портрет Кокорникова был удостоен звания академика, и долгие годы преподавал в портретном классе. В его творчестве чувствуется влияние Антропова: это любовь к большим парадным портретам, четкость и декоративность линии, яркость цветовой гаммы.

Театральные выступления в Смольном институте, которым Екатерина II уделяла большое внимание, подтолкнуло Левицкого на создание необычной для русского просвещения композиции: изображение сценки из спектакля юных студенток. Так возник групповой портрет Хрущевой и Хованской. Две юные девушки играют в спектакле пастушка и пастушку. Хрущева игриво берет за подбородок Хованскую, виден живой темперамент игры.

Картина была выполнена, как говорят, на злобу дня. Именно в этот период Екатерина ведет активную переписку с Вольтером и Дидро, она считала, что театр имеет большое воспитательное значение не только для молодежи, но и для общества вообще. Императрица включила представления театральных пьес в учебные заведения, а пьесы поставлялись из просвещенной Франции.

В это же время, Екатерина издает указ о создании в России театра. 1756 год вошел в русскую культуру рождением первого театра. Его руководителем стал Федор Волков.

Этот факт не мог не повлиять на живопись художников. Левицкий пишет парадные портреты, композиционные основы которых напоминают сцену. Таков парадный портрет П.А.Демидова - самого богатого человека в России. Массы золота, серебра и драгоценных камней украшали его интерьер. На стенах красовались редчайшие картины, в золотых клетках пели экзотические птицы, по комнатам гуляли ручные обезьяны, в мраморных бассейнах плавали рыбы, мелодию органа доносили стены, в столовой били фонтаны с вином. Демидов любил экзотические растения, собирал их со всего мира, ухаживал за ними. Левицкий изобразил Демидова, опершись на поливальник, правая рука указывает на экзотические растения. Парадный портрет не имеет помпезности, он демократичен, на столе мы видим рядом с поливальником книгу как символ эпохи Просвещения. Демидов много помогал бедным студентам, занимался благотворительностью.

Вопросы:

1.Каковы общие черты русского искусства 20-40 годов?

2.В чем особенность русского Просвещения?

3.Почему в России значимым было искусство классицизма?

4.Как можно охарактеризовать классицизм в скульптуре Шубина?

5.Можно ли назвать Рокотова просветителем? В чем заключается его просветительство?

6.Докажите по анализу картин Левицкого, что его творчество принадлежит классицизму.

7.Почему императрица Екатерина ввела в образование театральное мастерство?

8.Почему необходим был российскому обществу театр?

16. Литература раннего классицизма

До 18 века литература в России носила религиозный характер. Она состояла в основном из «жития святых», проповедей, домостроя, некоторых исторических или географических рассказов, как «Хождение Ивана Никитина за три моря».

В 18 веке происходит разделение литературы на светские жанры. Появляется поэзия и проза. Идеи Просвещения диктуют развитие таких жанров как сатира, комедия, памфлет. С возникновением театра пьесы в Россию привозили из Франции, а затем русские просветители, такие как Сумароков, Фонвизин сами стали писать для театра, сюжет которых брали из русской жизни.

В русской литературе складывается классицизм. На первое место выходит ода - жанр, который был заложен еще Ломоносовым; комедия - пьеса, которая пишется для театра с обязательными классическими требованиями и которая должна носить воспитательный и просветительский характер; и, наконец, поэзия сатирического содержания - басни, памфлеты.

Для русской литературы 18 века характерен был в основном жанр комедии. Отцом комедии в Росси можно назвать Сумарокова. Первые три комедии он написал в 1750 году. Он же сформулировал задачи комедии: «…издевкой править нрав…». Комедия переносится из Франции на Русскую почву, где существует свой язык, свои имена и герои. Слуга не может говорить, как человек, окончивший Сорбонский университет, как, впрочем, и провинциальные дворяне. Появляются черты национального быта, нарицательные имена героев комедий, характеризующие их личности: у Фонвизина - Простаковы и Скотинины, Цифиркины и Вральманы… Каждому персонажу характерен и свой язык. Появляется тяга писателей и просвещенных людей к изучению русского фольклора, народного крестьянского языка. Стремление приблизиться к русской действительности приобрела национальный и политический характер. В литературе это назвали «введением подлинников».

«Подлинник» - это персонаж, наделенный конкретными чертами какого-то реального лица: свойствами его характера, манерой выражаться и тому подобное.

Екатерину возмущали такие подлинники в литературе и театре, потому что актеры во время спектакля могли вставить в текст пьесы фамилию «подлинника», который мог в это время находиться в театре, что, впрочем, делало аншлаг в театре. Императрица говорила: Комедия «должна смешить, но не быть оскорбительна… она терпит соль, но не желчь и горечь»…

Подлинники постепенно складывались в типажи.

Носителями отрицательных черт становятся персонажи старого дворянского уклада жизни. Они носители нарицательных имен, характеризующие их личность. Они не любят просветительские идеи, их язык груб.

Носителями просветительских идей становятся молодые люди, воспитанные с хорошими манерами, начитанные, у них правильная разговорная речь. Их фамилии или имена тоже носят нарицательный характер: Добролюбов, Софья (Мудрость)…

Кстати сказать, имя Софья, появившаяся в комедиях Фонвизина, будет повторяться во многих пьесах других писателей, например, у Грибоедова в «Горе от ума».

Носителями народного языка становятся герои пьес, нареченные простыми русскими именами: Ванька, Петрушка, Митрофанушка…

Чтобы последним «вложить» в уста народную речь, многие русские ученые и исследователи посвятили свое творчество изучению русского фольклора. В этот период появляются на подмостках театров исконно русская речь, порой настолько древняя, что уже непонятная, народные песни, собираются сказки, Кирша Данилов впервые опубликовал сборник русских былин.

В этот период складывается русский литературный язык, основанный на «московском наречии».

Новиков, просветитель того времени говорил: «Полезно знать нравы, обычаи других народов, но гораздо полезнее иметь сведения о своих прародителях; похвально любить и отдавать справедливость достоинствам иностранных, но стыдно презирать своих соотечественников, а еще паче гнушаться оными».

Денис Фонвизин

(1745-1792)

Фонвизин родился в Москве в дворянской семье. Учился в гимназии при Московском университете, а затем на философском факультете. По окончании состоял на службе в иностранной коллегии. Написал «Политические рассуждения» в форме памфлета, где критиковал недостатки самодержавной России. Как дипломат Фонвизин много путешествовал по Европе, был во Франции накануне революции и изложил по этому поводу свои мысли в письмах.

Денис Иванович вошел в русскую литературу как автор комедий «Бригадир» и «Недоросль». Это лучшее, что он создал за свою жизнь.

Он был не только прозаиком, но и поэтом. Он еще в юности, писал сатирические стихи, но сжег свою тетрадь, оставив только несколько произведений. Его сатирическое произведение «Послание к слугам моим Шумилову, Ваньке и Петрушке», оказало большое влияние на последующую русскую литературу.

Сюжет довольно прост: Герой послания от первого лица спрашивает у казначея Шумилова, у извозчика Ваньки и у Петрушки, для чего создан свет и для чего создан человек? Три героя по - разному отвечают на заданный вопрос.

Шумилов говорит, для того, чтобы век быть слугами, работать ногами и головой.

Ванька, ознакомившись с разным людом, будучи извозчиком, говорит следующее:

«Попы стараются обманывать народ,

Слуги дворецкого, дворецкие господ,

Друг друга господа, а знатные бояря

Нередко обмануть хотят и государя»…

Конце - концов Ванька делает вывод:

«За деньги самого всевышнего творца

Готовы обмануть и пастырь и овца!

Что дурен здешний свет, то всякий понимает,

А для чего он есть, того никто не знает».

Петрушка из балагана говорит следующее:

«Создатель твари всей, себе на похвалу,

По свету нас пустил, как кукол по столу…

……………………………………………..

Вот так вертится свет; а для чего он так,

Не ведает того ни умный, ни дурак».

Это «Послание…» явилось в русскую литературу, как одно из первых произведений, отвечающее идеям эпохи Просвещения. Здесь задет авторитет церкви и дворянства, а простой человек, мужик поднимается до уровня мыслителя, умеющего не только служить своим господам, но и анализировать происходящее в их отечестве.

Фонвизин, как человек своей эпохи, не мог не пройти мимо темы образования в России. Еще Петр I пытался расшевелить молодое поколение дворянства, чтобы оно было охоче до учения, чтобы вытащить Россию из средневековой тьмы. Он пишет, пожалуй, самое интересное произведение 18 века - комедию «Недоросль», где рассказывает о дворянском сынке, который хотел от жизни всех благ, но из-за своей лени к учению попал в солдаты. Это Митрофанушка, которого чрезмерно опекала маменька, госпожа Простакова, и из которого вырос ни к чему не приспособленный человек.

Фразы «неотесанного» Митрофанушки до сих пор живы и смешны, например, на вопрос родителей, что тебе снилось, он отвечает: «Да всякая гадость: то ты, папенька, то ты, маменька».

Заявление Митрофанушки «Не хочу учиться, а хочу жениться», стало уже поговоркой.

Обучение математике, географии и письму ни к чему не приводят.

Правдин спрашивает: Дверь существительное или прилагательное?

Митрофанушка говорит: вот та дверь прилагательна. Потому что приложена к своему месту, к чулану и еще не навешена.

География, по мнению Простаковой вообще не нужна, пусть ее извозчики изучают.

«Недоросль» стало лучшим драматургическим произведением 18 века. Нельзя было недооценивать серьезности этой пьесы. Недаром ее в последующее время так старательно вымарывала цензура.

Что же находила цензура в показанном быту этой дворянской семьи? Невежество и необразованность, ханжество и обжорство. А ведь дворянство - элитная часть русского сословия, поэму, после просмотра пьесы не все дворяне смеялись «Явно было видно, что Простакова им не чуждая», - замечал Фонвизин.

Вопросы:

1. Что произошло в России с литературой в 18 веке?

2. Почему в Российских театрах преобладали комедии, и почти не было трагедий?

3. Как складывался литературный типаж?

4.Почему в 18 веке возникает интерес к русскому фольклору?

5.Расскажите о творчестве Фонвизина.

6.Значение «Послания…» для русской литературы.

7.Какие проблемы поднял Фонвизин в комедии «Недоросль»?

17. Зрелый классицизм. 80-е годы

Архитектура

В этот период Россия утвердилась в Европе, как великая держава, усиливалось расслоение народа на бедных и богатых. Богатые - князья, помещики могли позволить себе строительство особняков и загородных усадеб. Это время характерно строительством на заказ, где архитекторы могли проявить себя творчески. Так появляются ротонда, псевдоготика, древнеримский и древнегреческий классицизм в архитектуре.

По проекту Баженова строится дом Пашкова в Москве (ныне Государственная Библиотека). Симметричное, трехпавильонное сооружение имеет фасадный характер. Центральная часть здания тяжеловесно, крыша завершается небольшим куполом, по периметру крыши - скульптурные вазы. Здесь чувствуется отголосок стиля барокко. По бокам - два павильона, напоминающие древнегреческий ордер. Здание выдержано в едином стиле, благодаря расположенным в центральной части здания колонн и арочных проемов первого этажа, которые объединяют всю композицию здания.

Ворота Хлебного дома в Царицыне, выполненные по проекту Баженова, пример псевдоготики. Стрельчатые арки, фигурные проемы, тонкие колонны, зубцы.

Казаков, как и Баженов, основоположники классицизма в России. Здание Сената в Московском Кремле выполнено в стиле ротонды, что так свойственно было для Ренессанса (эпохи Возрождения). Но Казаков не повторяет архитектуру Возрождения, здание скорее напоминает «беседку-фонарик» со ступенчатым куполом. Для Казакова характерны ясность, простота, цельность композиции. Он любит завершать свои здания куполом, что придает им спокойную завершенность и величие, как, например, Голицинская больница, здание Университета.

Много Казаков работает и с интерьером. Достойный пример тому - Колонный зал (ныне дом Союзов) в Москве. Величественные и торжественные колонны с коринфскими капителями создают праздничное приподнятое настроение. Она вычленяет центральное пространство из прямоугольного очертания плана для балов и торжественных приемов. Этот интерьер - первый этап зрелого этапа русского классицизма в работе с интерьером.

Архитектор Джакомо Кваренги приехал в Россию в 1780 году. Он убежденный поклонник римской античности. В Петербурге он строит здание Академии наук в строгом классическом стиле. Это фасадное здание, симметричное, приземистое, вход в здание украшен классическим древнегреческим октастильным портиком с двускатной крышей.

В Петербурге рядом со Смольным монастырем (Растрелли) Кваренги построил Смольный институт - пример четкой лаконичной формы учебного заведения. Фасад строг и рационален. Центр отмечен восьмиколонным (октастильным) портиком, который приподнят на арках.

Скульптура

М.И.Козловский

(1753-1802)

Михаил Иванович Козловский наряду с Шубиным - один из величайших русских ваятелей. Он учился в Академии художеств, посещал Рим с целью знакомства с античной скульптурой, был Париже. Он был увлечен античной культурой, ее идеями высокой гражданственности. Как человек русский, он гордился своей непобедимой армией, во главе которой в то время был Суворов. Ему хотелось в своем искусстве показать величие русского полководца, довести его образ до классического образца человека, воина, патриота и гражданина.

Высочайшее художественное достижение Козловского - памятник А.В.Суворову. В нем нет портретности в буквальном смысле слова. Это образ воина со строгой мужественной красотой, облаченного в доспехи римского воина. Здесь Суворов есть во всепобеждающей энергии, решительности, мужестве и внутреннем благородстве.

Матрос

(1754-1835)

Скульптор родился на Украине, учился в академии художеств в Петербурге. Посещал Италию, где укрепил свое мастерство. Он работал в области мемориальной пластики. Работал Матрос и в жанре объемной скульптуры. Самая знаменитая его композиция - памятник Минину и Пожарскому в Москве.

Стремление к торжественной приподнятости у Матроса перекликается с народностью, патетическими интонациями исторической и героической темы.

В памятнике Минину и Пожарскому (бронза, гранит) Матрос решает патриотическую тему. Идея создания памятника получила всенародный отклик и выполнялась скульптором на пожертвования широких слоев населения.

Памятник, подобно искусству надгробия имеет фронтальную ориентацию.

Гражданина Минина и Князя Пожарского скульптор изваял по принципу академического построения, распределив роли между двумя героями: Минин призывает Пожарского на ратный подвиг. Композиционная группа наглядно воплощает идею нравственного возмужания и воспринимается как символ героических усилий нации.

18. Живопись

Параллельно с портретным искусством развивается историческая, бытовая, пейзажная живопись. Искусство предшествующего времени (9-17 веков) не знало разделения на жанры. В Древней Руси не было ни бытовой, ни портретной, ни исторической, ни пейзажной живописи, а были иконопись, фреска, миниатюра.

С появлением в России Академии художеств, живопись стала выходить на европейский уровень, появилась целая плеяда талантливых художников, которые прославляли дух и величие своей Родины.

Историческая живопись

1770 год. Наряженные дамы и кавалеры прогуливались по залам художественной выставки, открытой в Академии художеств. Никто из них и не догадывался, что они стали свидетелями рождения исторической живописи в России. Виновницей тому была картина Лосенко «Владимир и Рогнеда».

Историческая живопись была главенствующей в академии художеств. Это была прекрасная школа классической композиции и рисунка. В центре внимания была античная тематика и национальная история, созвучная идеалам гражданственности и патриотизма. Глядя на картину Лосенко и другие исторические полотна этого периода, думаешь, что русская живопись совсем, как западноевропейская, но на самом деле здесь остались древнерусские иконописные традиции. На Руси святых изображали на первом плане, поэтому в картинах, изображая историческую личность почти святым, художник размещает его на первом плане. Так легко уживались новые европейские живописные приемы и древнерусские иконописные традиции.

А.П. Лосенко

(1737-1773)

Он был самым крупным представителем исторического жанра. Среди его многочисленных полотен есть библейские, мифологические, исторические сюжеты. Лосенко создал первую картину на национальную тему - «Владимир и Рогнеда». Картина изображает дочь полоцкого князя, которую Владимир, разбив войско ее отца и братьев, насильно сделал ее своей женой. Поступок со стороны Владимира был не красив и недостоин русского князя, однако, художник показал его искренние извинения и искреннюю любовь к прекрасной женщине.

Картина написана в духе классицизма. Здесь присутствует театральность. Лосенко не имел примеров воплощения в живописи подобных тем, он мог видеть их только в театре. Художник привлек в качестве натурщика для создания образа Владимира известного актера Дмитриевского, поэтому расположил главных героев как бы на авансцене. Костюмы, по-видимому, тоже реквизит театра: шапка на Владимире далеко не в русском стиле, да еще со страусиными перьями. По костюму служанки и группе воинов мы можем сделать заключение о том, что сюжет картины взят из русской истории. Портрет у главных героев отсутствует: вместо них - маски античных скульптур идеально правильных и красивых, даже портрет Дмитриевского максимально приближен к античным пропорциям, даже нянечка Рогнеды на заднем плане напоминает античную скульптуру, как, впрочем, и молодая служанка. Только на заднем плане мы видим живые лица двух воинов. Вся композиция «закручена» вокруг Владимира. Жесты рук Рогнеды и Владимира в центре композиции говорят об их взаимоотношениях: он протягивает к ней руку, она пытается его оттолкнуть от себя. Она бледная в полуобморочном состоянии, он загоревший от военных походов воин.

Лосенко стремился показать героя картины натурально, как человека сострадательного, которым движут чувства любви и доброты, это было связано с попыткой обеления деяний Владимира, ведь, несмотря на этот случай его грехопадения, благодаря ему, Русь стала православной. Он в некотором смысле был первым просветителем на Руси, а это в 18 веке было как никогда актуально.

По мере развития классицизма в живописи в ее сюжетный круг включается античная тематика. Лосенко в конце своей жизни пишет картину «Прощание Гектора с Андромахой», отражающую содержание «Илиады» Гомера. Здесь он подчеркивает героизм человека - гражданина, для которого долг перед Родиной превыше всего. Сцена содержит трагический пафос: Гектор предчувствует свою гибель и несмотря на это, все же оставляет жену Андромаху с малолетним сыном и уходит защищать Трою. Художник представил композицию как действие на театральных подмостках. Здесь есть все от классических канонов: противопоставления жестов, «говорящих» вместо героев, кулисная система, сцена, безупречно красивые герои, то есть отсутствие реалистического портрета, античные одежды. Он поднял тему героя-воина выше мифологического сюжета, показав, что тема защиты Родины актуальна в каждой стране, в любом историческом времени, а сюжет из поэмы Гомера - аллегория героизма.

К числу мастеров Академии конца 18 века принадлежит Иван Акимович Акимов, ученик Лосенко. В 19 лет он написал картину «Великий князь Святослав, целующий мать и детей своих по возвращении с Дуная». Тема защиты отечества в картине сочетается с темой семейного счастья героя, возвращающегося с победой. Картина написана по всем законам академической классической живописи. Здесь отсутствует русский костюм, русский типаж и тема русской истории превращается в героическую аллегорию, излюбленную тему долга перед отечеством и личного счастья.

Святослав изображен в центре композиции, на нем древнеримский военный шлем, на плечах - плащ. Он касается руки матери, дети образуют и замыкают композиционный круг, на втором плане - воины и родственники Святослава образуют полукруг.

К концу 18 века в исторической живописи начинается увлечение мифологическими сюжетами, так, художник Петр Иванович Соколов пишет ряд картин, таких как «Меркурий и Аргус», «Дедал привязывает крылья Икару». Это свидетельствует о развитии принципов классицизма: в ясной, пластической форме художник воплотил греческий миф, говорящий о смелости и подвиге человека. Соколов является одним из блистательных мастеров русского рисунка.

Выдающимся мастером исторической живописи рубежа 18-19 столетия был Григорий Иванович Угрюмов. В картине «Избрание Михаила Федоровича на царство», художник изобразил акт волеизъявления народа, которому повинуется юноша.

Картины Угрюмова эмоциональны, насыщены цветом, в них присутствует ритмическая напряженность, смелая и выразительная композиция. Интерьер собора напоминает римскую архитектуру. В центре перед алтарем ярким светом освещены три фигуры: Михаил окружен слева - матерью, справа - священником, по бокам картины в тени поданы фигуры людей, прославляющих событие избрания Михаила на царство.

Почти полвека будет длиться академический исторический жанр. Это говорит о том, что Россия как великая держава существует. Историческая закономерность такова: в сильной стране обязательно присутствует классическое искусство. Вспомните Рим, вспомните Францию, которую крылом величия задела история и где также быстро начался и исчез исторический классицизм, и наконец, Великая Россия. Вот так по культурному наследию можно изучать историю.

Пейзаж

Отечественный городской пейзаж появляется в середине 18 века в работах Федора Алексеева и Семена Щедрина. Развитие этих жанров не имеет крупных этапов и целиком умещается в пределах 80-90 годов. Пейзаж не избегает классицизма. Оно наиболее заметно в стремлении найти на русской почве и под русским солнечным освещением итальянские ландшафты, где процветало когда-то античное искусство. С классицизмом связаны и важнейшие особенности: линейная перспектива, трехплановость композиции, которым соответствует тройная градация цветов, указывающая на воздушную перспективу: на первом плане преобладает коричневый цвет, на втором - зеленый, на третьем - голубой.

Федор Алексеев

(1753-1824)

Наиболее ярким представителем русской пейзажной живописи 18 века был Алексеев. Он окончил Академию художеств, обучался театральной декорации, был направлен в Италию, где увлекся пейзажной живописью. По возвращению в Петербург он стал, по существу, родоначальником русского городского пейзажа. В знаменитых видах Дворцовой набережной он добивается гармонического единения ясной архитектурной формы и прозрачного пейзажа - высокого неба, подвижной светлой глади Невы. Работая над композицией, он использует перспективное построение, которое, как правило, уводит зрителя по диагонали в глубину картины, причем, точка схода остается за кадром. Этот прием взят из арсенала театрального искусства для создания иллюзии натуральности. Живописный колорит отличается живостью и контрастностью, детали архитектуры точны и обдуманы. Таким пейзажем является «Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости».

Алексеев писал не только виды Петербурга, но и Москвы. Старая столица с ее средневековой теснотой, древностями Кремля и многолюдной площадью, воспринимается художником, как лубочный сказочный город, совсем непохожий на европейский Петербург.

Семен Щедрин

(1745-1804)

Вошел в историю, как изобразитель английского пейзажного парка на русской земле. Художник варьирует излюбленный прием: на первом плане - широко раскинувшееся ветвями дерево, затеняющее первый план, который окрашивается в коричневый цвет по закону классицизма, а само дерево играет роль театральной кулисы. Обязательное присутствие на втором плане - элементов архитектуры преимущественно в желтовато-зеленых тонах и голубые дали на горизонте. Все по закону трехцветной академической схемы.

Любовно и проникновенно передает Щедрин позолоченную солнцем кудрявую зелень, розовый песок, водную гладь, мостики, обелиски. Театрально-игрушечные башни сочетаются с естественной жизнью природы.

Бытовой жанр

Бытовой жанр в Академии художеств числился на одном из последних мест, тем неменее, он оказал впоследствии на русскую культуру огромное влияние. У истоков жанровой картины стояли малоизвестные художники, такие, как Фирсов, Шибанов, график Ерменев.

Одна из причин непопулярности бытового жанра - недостаточное развитие буржуазного начала в российской жизни, в отличие от Европы, где излюбленной темой было изображение жизни людей.

В середине 18 века, так называемый, крестьянский вопрос, привлекает внимание передовую интеллигенцию. Изучая народный фольклор, ученые, писатели общаются с крестьянами, познают их уклад жизни, их творчество и традиции, они приходят к выводу о том, что отечественная культура не хуже европейской, что это кладезь непознанного духовного богатства.

Михаил Шибанов

(? - умер в 1789 г.)

Художник родился в семье крепостных крестьян. Он как никто другой чувствовал крестьянскую тему. С уважением к личности он изображает крестьян в картинах «Крестьянский обед» и «Сговор».

В картине «Крестьянский обед» он показал усталого пожилого крестьянина в окружении семьи за обедом. В центре композиции показаны натруженные руки, которыми они кормят себя. Молодая женщина с улыбкой смотрит на младенца, которого держит на руках. Картина пронизана любовью и человеческим достоинством, здесь нет место жалости, скорби и сожаления к бедным людям. Художник подчеркивает чинность, неторопливость, атмосферу патриархальных семейных отношений.

Разнообразно, с тонкой наблюдательностью показаны персонажи в картине «Сговор» или «Празднество свадебного договора». Убедительны и индивидуальны образы в картине: смущенная невеста, довольный жених, посмеивающихся сватов.

В композиции усматривается академизм: в центре - рукопожатие, двух главных героев - жениха и невесты, которое говорит об удачном завершении договора. На первом плане сват в ярком красном кафтане указывает пальцем на представителей семьи жениха, обращаясь к семье невесты. Шибанов великолепно и с любовью показывает народные обрядовые костюмы, подчеркивая их удачным освещением.

Вопросы:

1.Каковы причины и признаки зрелого классицизма?

2.Почему в период зрелого классицизма в архитектуре преобладает усадебное строительство?

3.Назовите признаки зрелого классицизма в архитектуре.

4.Назовите признаки зрелого классицизма в скульптуре.

5.Какие новые жанры появляются в Русской живописи, и чем это появление связано?

6.Почему историческая живопись стала главенствующей в академической живописи?

7.Назовите признаки классицизма в живописи.

8.Почему бытовой жанр не получил популярности в России?

9.О чем рассказали нам первые бытовые картины 18 века?

19. Литература зрелого классицизма

Александр Радищев

(1749-1802)

Прочитав роман Радищева «Путешествие из Петербурга в Москву», императрица вскричала: «Бунтовщик, пуще Пугачева!»

Роман написан от первого лица. Радищев использует стиль корреспондента, если можно так выразиться, используя литературный жанр - путешествия. Он описывает жизнь крепостных крестьян, путешествуя по дороге от Петербурга до Москвы. Цель романа - показать тяжелую жизнь крепостных крестьян, их рабское положение в России.

В своем «Путешествии…» Радищев посещает селения, где живут крепостные крестьяне. Он общается с ними, расспрашивает об их жизни. Так, будучи в деревне Любани, он увидел мужика, который работал в поле. Из беседы с ним он выяснил, что мужик шесть дней работает на барина, а седьмой - на себя. Причем мужик не жаловался на свою судьбу, он уверен, что так надо жить и зарабатывать свой хлеб. К этой сцене можно добавить, как иллюстрацию картины Шибанова «Крестьянский обед», чтобы увидеть этого уверенного в своих силах, уравновешенного крестьянина, кормящего свою семью натруженными руками. Радищев, углубленный в свои размышления так усовестился, что едва не заплакал.

В деревне Едрово он знакомится с девушкой Анюткой, которая рассказывает ему о своем женихе, что они любят друг друга, но у него нет денег, поэтому свадьба, возможно, не состоится. Радищев предлагает Анюткиной матери деньги, но та наотрез отказывается: «Приданое девкам даром бояре не дают». Эта сцена тоже напоминает картину Шибанова «Сговор». Радищев показал бедных, но гордых крестьян, для которых честь превыше всего.

На его пути попадались крестьяне, действительно терпящие обиды от своих хозяев. Ими торговали, как скотом, разлучали семьи, выдавали замуж женщину за малого ребенка, отбирали юношей и продавали в солдаты…

Размышляя над деспотизмом бояр, Радищев часто повторяет фразу: «И слезы хлынули из моих глаз». Обращение к чувствам, к размышлениям, указывает на сентиментализм, хотя писатель выражал просветительские позиции, его герои показаны живо, реалистически.

«Путешествие…» для русской просветительской мысли было равносильно взорвавшейся бомбы. Цензура ее запретила, автора сослали в Сибирь, где у него начали проявляться признаки сумасшествия.

В «Путешествии…» Радищев коснулся многих вопросов русской жизни своего времени. Все, что бы он ни написал, было пронизано гуманной и свободолюбивой мыслью. Его идеи глубоко продуманы и выстраданы, - автор исследовал жизнь России в период вызревания в феодальных недрах новых капиталистических отношений. Он первый почувствовал 18 век как век ожесточенных классовых столкновений. Но программы и тактики революции в России Радищев не дал, так как понимал: крестьяне к этому ещё не готовы Его заслуга в оправдании революции, в признании права народа на революцию, в уверенности, что восставшие рабы без помощи господ смогут устроить новое общество, основанное на равенстве и братстве.

Вопросы:

1.За что Екатерина так невзлюбила «Путешествие…» Радищева?

2.Каково значение «Путешествия…» для русской культуры?

3. Почему роман Радищева относят к просветительской литературе?

20. Сентиментализм в русской культуре

(конец 18 в. - начало 19 в.)

Архитектура

Сентиментализм коснулся архитектуры. В основном это проявляется в строительстве загородных усадеб и дворцов. Строения имеют в плане плавные полукруглые очертания, располагаются на фоне естественных парков у естественных прудов или водоемов, к центральному входу ведут аллеи. Регулярные стриженые парки и фонтаны - что так противно природе отменяются. Человек становится ближе к естественной среде обитания.

Архитектор Чарльз Камерон возводит дворец в Павловске. Он слагается из центрального, увенчанного куполом центрального корпуса и двух небольших флигелей. Дворец тесно связан с окружающим его парком. От парадного двора начинается широкая липовая аллея, соединяющая дворец с прилегающим к нему паром. Противоположный фасад раскрывается над живописным обрывом к берегам речки Славянки. Характерен для сентиментального пейзажного парка храм Дружбы. Среди естественного ландшафта возвышается выстроенная из колонн круглая беседка.

Садово-парковое искусство имеет древнюю историю, начиная с садов Древнего Египта и Вавилона, Рима, средневековой Европы. 17 век славится грандиозным регулярным парком в Версале и Петергофе с четкой геометрией аллей, стрижеными деревьями и фонтанами. В 18 веке на смену ему пришел пейзажный стиль, в основе которого лежало подражание природе. Законодательницей новых вкусов стала Англия. Пейзажный парк воплотил идеи сентиментализма, интерес к миру чувств. Увлечение «свободной» природой нашло отражение в дальнейшем в развитии пейзажной живописи и лирической поэзии. Для строительства парка в Царском Селе, Екатерина пригласила английских архитекторов, кроме того, в Россию хлынул поток гравюр с изображением видов пейзажных парков из Англии. Русские архитекторы по гравюрам воссоздавали уголки «нетронутой природы». Екатерина в письме Вольтеру пишет: «Я страстно люблю теперь сады в английском вкусе: кривые линии, пологие скаты, пруды в форме озер…».

В 1779 году начинается строительство парка в Петергофе, появляются каналы, арки, «виды на руины», беседки на китайский манер и т.д. Английский парк в Петергофе служил для увеселительных прогулок и верховой езды.

Характерен для сентиментализма храм Дружбы в Павловске. Среди естественного паркового ландшафта возвышается выстроенная из колоннад круглая беседка.

Видное место в архитектуре конца 18 века принадлежит Е.Т. Соколову И.Е. Старову и И.В.Егорову.

Самым крупным строением Соколова является здание Государственной публичной библиотеки в Петербурге. Он использовал прием «закрепления» угла квартала, плавно изогнув корпус здания. Внешнее решение здания он решил в духе строго классицизма с торжественной колоннадой в центральной угловой части строения.

Архитектор И.Е. Старов создает самое лучшее свое произведение - Таврический дворец в Петербурге. Это здание знаменует новую веху в архитектурном строительстве. В конце 18 века русскую культуру захлестнула волна сентиментализма. Наслаждение радостью бытия, желание любоваться чистой красотой пространства, формы и цвета - это реакция на крах общественных идеалов и просветительских иллюзий. Сама императрица, прекращая игру в просвещенную монархию, выступает теперь, скорее, в ореоле «первой помещицы». Теперь в архитектуре на первое место выдвигается трехпавильонный комфортабельный дом, состоящий из главного корпуса и боковых флигелей. Подобная композиция оказалась настолько влиятельна, что даже царские дворцы и общественные здания возводятся по этой схеме. Простой и строгий фасад контрастирует с театральным по духу интерьером. Пройдя большую галерею с двумя рядами колонн, зрителю открывалась картина зимнего сада.

21. Живопись

В конце 18 века в русском искусстве усиливаются признаки формирования новых представлений о личности. В области портрета это сказывалось в поисках более тонких средств передачи не только внешнего сходства, но и его переживаний. В творчестве ряда художников шли поиски большей характерности человеческой личности.

Виднейшим представителем нового этапа развития портретной живописи был В.Л. Боровиковский.

Владимир Лукич Боровиковский

(1757-1825)

Он родился в Украине, обучался иконописи. Уехал Петербург, где познакомился с архитектором Львовым, портретной живописи учится у Левицкого. Его творчество является связующим звеном между веком, уходящим и грядущим 19 веком.

В 90 годах душевное состояние человека все более занимает Боровиковского. Он обращается к приемам сентиментализма, увлечение которым было сильно в конце 18 века, когда «чувственность» стало модой. Вместе с сентиментализмом в русском искусстве появляется образ «частного человека», сословность которого передается не так, как делалось ранее. Художник отказывается от нейтрального фона или дворцовой обстановки и показывает людей отдыхающими или мечтающими в окружении природы в простой шляпке, с яблоком в руке или цветком. Вместе с тем пейзажное окружение - это парк родового имения, а простой наряд - творение искусных мастериц.

Поиски естественности изображения находят у Боровиковского тихую мечтательность его портретов. Это означало открытие и утверждение неизвестных до того в русском искусстве тонких переживаний человека.

Портрет Лопухиной принадлежит к той поре, когда наряду с господством классицизма утверждается сентиментализм. В живописи это проявляется во внимании к индивидуальности. Утверждается культ уединенно-частного существования. Это звучит, как своеобразная реакция на нормативность классицизма. Естественная непринужденность сквозит в небрежном жесте Лопухиной, капризном наклоне головы, своевольном изгибе мягких губ, мечтательной рассеянности взгляда. Семнадцатилетняя девушка изображена на фоне пейзажа, опершись рукой на тумбу. Зеленые листья молодой поросли, пышные розы - составляют красивый аккомпонимент меланхолически-сентиментальному настроению героини. Ее белое без аксессуаров платье с голубым поясом придают портрету ощущение домашней тишины и уюта.

Портреты Боровиковского характерны пейзажным фоном, где на просвет выглядывает кусочек неба. Герои его портретов, опираются на какой либо предмет, от чего фигура получает красивый изгиб.

В портрете сестер Голициных композиционное и колористическое единство способствует воплощению внутренней гармонии образа девушек, увлеченных пением и музыкой.

Боровиковским было создано несколько больших парадных портретов. Один из них - портрет князя Куракина, богатейшего человека 18 века, «бриллиантового князя».

Портрет выполнен в классическом стиле в парадном костюме и всеми аксессуарами - колонны, драпировки, мантия. Бюст Павла указывает на время правления данного императора, пейзаж, показанный приподнятой тяжелой драпировкой, указывает место нахождения князя - Это Петербург. Лицо князя по-домашнему простое и вызывает симпатию.

Произведения, созданные Боровиковским, показывают нам человека с русским добродушным характером, со свойственной ему мечтательностью, поэтому нам нравится смотреть на образы, близкие нашей душе.

Вопросы:

1.Почему пейзажные парки стали называться английскими парками?

2.Почему английские парки ближе сентиментализму, чем классицизму?

3.Есть ли существенные отличия в архитектуре конца 18 века от архитектуры середины 18 века?

4.Признаки сентиментализма в русской живописи.

Задание:

1.Найдите отличительные черты двух видов парка и дайте им определение.

2.Перед вами два скульптурных портрета Ломоносова, работы Шубина. Определите, который из них выполнен в период зрелого классицизма, а который в период сентиментализма. Обоснуйте свой вывод.

22. Сентиментализм в русской литературе

Сентиментализм - течение, возникшее на фоне классической литературы. Рядом с воспитанием разума и патриотических чувств в человеке - гражданине, приходит воспитание человеческих чувств - любовь и добродетель. Природа-бог превращается в природу-мать. Искусство и литература обращаются к природе, к простым людям, появляется тяга к уединению с природой, размышление на лоне природы. Так появляется новая лирика, в которой воспевается красота природы, отождествление состояния природы с человеческими чувствами. Н. М. Карамзин первый из русских поэтов обращается к природе. Он пробует разную форму стихосложения: традиционный классический ямб, хорей (от греческого слова «хор»), трехсложные стопы и даже белый стих.

В стихотворении «Осень» поэт, обращаясь к природе, вводит туда образ странника унылого, как и сама осенняя природа:

Вьются седые туманы

В тихой долине

С дымом в деревне мешаясь,

К небу восходят.

Странник, стоящий на холме,

Взором унылым

Смотрит на бледную осень,

Томно вздыхая.

Лирика Карамзина, в последствие, повлияла на лирику романтизма, где так же наблюдалось отождествления настроений человека и природы.

Николай Михайлович Карамзин

(1766-1826)

Карамзин родился на Волге. Под Симбирском в семье небогатого помещика. В 13 лет Николай был определен в Москву, в частный пансион, где обучался гуманитарным наукам. Затем он переехал в Петербург и поступил на военную службу. Там он начинает литературную деятельность, оставив военную службу. Переехав в Москву, он входит в кружок просветителя Новикова и работает в выпуске журнала «Детские чтения».

Путешествует по Европе, становится очевидцем французской революции. Возвратившись на родину, он пишет книгу «Письма русского путешественника», которая прославила его имя. Он становится издателем «Московского журнала» а позже - «Вестника Европы». Параллельно он печатает свои повести «Бедная Лиза» и другие. В русской литературе он был зачинателем сентиментализма. Его проза и поэзия полны меланхолизма, горестного томления, слез и размышлений. Карамзин приблизил русский язык к разговорной речи, освободил литературу от древних (архаичных) форм и выработал легкую и изящную прозу.

На протяжении всей жизни его, как человека и патриота, интересовала русская история, сведения о которой он собирал по крупицам. В последние годы жизни Карамзин создает капитальный труд в двенадцати томах - «Историю Государства Российского».

«Бедная Лиза»

Сентиментальная повесть написана подобно классицизму: она посвящена воспитательным задачам, но особого рода. Если писатели классицизма стремились воздействовать на разум, как, к примеру, Фонвизин, убеждая, что нужно жить по законам морали, то сентиментализм, обращаясь к чувству, призывает к тем же морально-нравственным канонам.

Вспомните первый сентиментальный роман Лонга «Дафнис и Хлоя», вспомните повесть Гете «Страдания юного Вертера», что у них общего? Социальные противоречия, которые приводят к трагедии, как у Гете, либо к счастливому концу, как у Лонга. Сентиментальный роман 18 столетия не мог иметь счастливую завершенность, потому что задачей было - показать трагедию человека, зависимого от его сословной среды.

Карамзин в «Бедной Лизе» показывает такую трагедию. Сюжет, как в любом сентиментальном романе дольно прост: Автор, гуляя на природе у стен некого монастыря и придаваясь размышлениям, вспоминает о плачевной судьбе Лизы.

Лиза жила с матерью, они недавно похоронили отца-кормильца, и мать вынуждена была сдавать свою землю в аренду за мизерную плату, что привело их к крайней бедности. Юная Лиза пришла в Москву продавать ландыши, которые собрала на лугу, и там познакомилась с молодым барином Эрастом. Он увлек ее своей учтивостью, вскружил ей голову. Эраст же был добрым человеком, но слабым и ветреным. Красота Лизы, тем не менее, сделало впечатление в его сердце. Они стали встречаться на берегу реки, где девушка, отдавшись любви, лишилась невинности. Далее, в силу внешний обстоятельств, следует разлука, Лиза с нетерпением ждет своего жениха, но встретив его, понимает, что он ее обманул. Эраст помолвлен с другой. Эраст проигрался в карты и единственный шанс поправить свои дела - жениться на богатой вдове.

«Сердце мое обливается кровью в сию минуту», - пишет автор о своих переживаниях, - «Я забываю человека в Эрасте - готов проклинать его, но язык мой не движется - смотрю на него, и слеза катится по моему лицу. Ах! Для чего пишу не роман, я печальную быль?»

Лиза не могла пережить позора, бросилась в пруд и утонула.

Эраст был до конца жизни своей несчастлив, он считал себя убийцей несчастной девушки и часто приходит на ее могилу.

«Он сам рассказал мне свою историю и привел меня к Лизиной могиле. Теперь, может быть, они уже примирились!» - этими словами от первого лица Карамзин заканчивает свою повесть.

Социальное неравенство в повести уходит на последний план, в отличие от «Страдания юного Вертера», на первый план выдвигается долг, который Эраст не исполняет и это ведет к трагическим последствиям для обоих. Бедная Лиза в начале повести была «бедной» по социальному положению, в конце повести она становится «бедной» из-за своей несчастной судьбы. В такую ситуацию могли попасть и люди, живущие в одной социальной, а виной тому - неисполнение своего долга. Повесть приобретает не политический, а воспитательный характер.

Вопросы:

1.Назовите признаки сентиментализма в поэзии Карамзина.

2.Почему в повести Карамзина Лиза - бедная?

3.Вклад Карамзина в русскую культуру.

Задание: сопоставьте две сентиментальные повести Гете «Страдание юного Вертера» и «Бедную Лизу» Карамзина. Найдите общее и отличное, запишите в тетрадях.

23. Немецкая литература эпохи Просвещения

Гете

«Фауст»

По Европе разъезжают колдуны, казановы и тому подобные шарлатаны. На этой волне начинается возврат к культуре средневековья, которая получит развитие в период романтизма.

Гете написал драматическую поэму «Фауст» на основе средневековой балаганной постановки, которую он помнил еще с детства. Содержание пьесы было простым и имело религиозно-поучительный характер: нельзя связываться с дьяволом, это ведет к несчастью. Создание поэмы затянулось на 60 лет, и полное издание ее вышло 1831 году, после смерти автора. «Фауст» у Гете отвечает проблемам эпохи Просвещения, здесь главный герой доктор Фауст пытается найти ответ на вопрос о сущности человека.

Трагедия имеет две части. В первой части показана средневековая Европа с ее национальным колоритом, в которой жил доктор, вторая часть раскрывает античный мир, как воплощение эстетического идеала, куда он перемещается в поисках истины.

«Фауст» - это трагедия противоречий двух начал в человеке - божественного и дьявольского. Фауст - это человек, это сам Гете, в котором уживаются добро и зло, божественное и дьявольское.

Первая часть трагедии начинается с пролога на небесах. Здесь - философская завязка поэмы. Бог и дьявол Мефистофель спорят о душе Фауста. Для Бога доктор Фауст - благочестивый человек; Бог уверен, что дьявол его не соблазнит. Мефистофель - проницательный знаток пороков человечества утверждает, что Фауст продаст ему душу.

Вот что говорит Богу о человеке Мефистофель:

«Он лучше б жил чуть-чуть, не озари

Его ты божьей искрой изнутри.

Он эту искру разумом зовет

И с этой искрой скот скотом живет».

По поводу своего преданного раба Фауста, Бог говорит Мефистофелю:

«Он отдан под твою опеку!

……………………………….

Ты проиграл наверняка,

Чутьем, по собственной охоте

Он вырвется из тупика».

Мефистофель говорит о Боге:

«Как речь его спокойна и мягка!

Мы ладим, отношений с ним не портя,

Прекрасная черта у старика

Так человечно думать и о черте».

На этом основании можно сделать вывод, что Бог и дьявол фигуры не религиозные, они носители философских идей, иначе, где еще дьявол с Богом будет так фамильярничать?

Следует отметить, что в свое время Шекспир в «Гамлете» находил добро и зло во внешнем мире, Гете решает проблему добра и зла в самом человеке. В нем уживается два существа: Мефистофель - грубый, циничный дьявол, но живой, остроумный, он реально смотрит на вещи, удачно разыгрывает жизненные ситуации, трезво оценивает человека. Бог - вера в человеческое совершенство. Фауст - мечтатель, ученый, верящий в добро, в силу человеческого разума. Господь и дьявол - это воплощение добра и зла в одном человеке

В рабочей комнате, Фауст открывает книгу, чтобы приступить к работе:

«Вначале было слово». С первых строк

Загадка. Так ли понял я намек?

……………………………….

«Вначале Мысль была». Вот перевод

……………………………….

Могла ли мысль в сознанье жизнь вдохнуть?

«Была в начале Сила». Вот в чем суть.

……………………………….

Я был опять, как видно, с толку сбит:

«Вначале было Дело» - стих гласит.

Гете был не только писателем, но и занимался естественными науками. Свой монолог он не случайно заканчивает «Делом», ведь существует теория, о том, что труд сделал из обезьяны человека.

Фауст стар, работая всю жизнь над постижением смысла жизни, он ничего не достиг, он согласен даже отдать душу дьяволу, чтобы продлить жизнь и дойти до искомой истины. К Фаусту в комнату проникает Мефистофель. На вопрос Фауста «Ты кто?», отвечает:

«Часть силы той, что без числа

Творит добро, всему желая зла».

Фауст заключает с Мефистофелем договор, скрепленный кровью:

«Едва я миг отдельный возвеличу,

Вскричав: «мгновение, повремени!» -

Все кончено, и я твоя добыча,

……………………………….

Тогда пусть станет часовая стрелка,

По мне раздастся похоронный звон».

Только тогда Мефистофель заберет душу Фауста себе.

Мефистофель и Фауст отправляются к ведьмам в Вальпургиеву ночь, где Фауст превращается в молодого человека внешне, но с прежней мудростью.

Дьявол исполняет все желания доктора: он знакомит его с молоденькой девушкой Маргаритой. От этой связи появляется незаконнорожденный ребенок, которого она предает смерти, попадает в тюрьму и там заканчивается ее жизнь. Душа

Маргариты попадает к богу, несмотря на то, что она совершила тяжкий грех, Мефистофель был убежден:

«она осуждена на муки», но голос свыше сказал: «Спасена».

Во второй части поэмы Мефистофель и Фауст отправляются в феодальную средневековую Германию, где идет вражда между двумя императорами. Здесь Мефистофель показывает Фаусту смысл человеческой жизни, заключающийся в приобретении денег. Он смеется над тем, как ничтожные люди «гибнут за металл».

Фауст принимает участие в освободительной войне, помогает одному из императоров одержать победу, и в награду император дарит ему землю. Здесь Фауст решает построить идеальный город. С помощью волшебства он оживляет Прекрасную Елену из гомеровской поэмы о Троянской войне, и та становится его женой.

Фауст прожил долгую жизнь, пережил Прекрасную Елену и своего сына Эвфориона, но и столетним старцем так и не добрался до истины, до сути своих научных исканий. Дарованную ему Мефистофелем жизнь он отдал на благо людям, но понял, что созидательный труд есть то прекрасное, божественное начало в человеке, которое дьявол забрать не в силах.

Фауст разрабатывает систему каналов, чтобы уберечь город от наводнения и сделать его цветущим и счастливым. Он видит, как люди приступили к работе, но, к сожалению, не знал, что это лемуры, призванные Мефистофелем рыть для него могилу.

Фауст находит прекрасное мгновенье в труде на благо человечества. И как только он произнес слова:

«Мгновение!

О, как прекрасно, ты повремени!

Воплощены следы моих борений

И не сотрутся никогда они.

И, это торжество предвосхищенья,

Я высший миг сейчас переживаю».

С этими словами Фауст падает замертво.

Душа Фауста не достается Мефистофелю, - она улетает к Господу, потому что жизнь, какими бы средствами она не была продлена, божественна, если отдана на созидательный труд во благо человечеству. Бог не боролся за душу Фауста, он знал, что человек, наделенный божественным (Его) сознанием, ни словом, так делом не очернит свои помыслы.

Циничный Мефистофель произносит последние слова:

«Конец? Нелепое словцо!

Чему конец? Что, собственно случилось,

Раз нечто и ничто отождествилось,

То было ль вправду что-то налицо?

Зачем же созидать? Один ответ:

Чтоб созданное все сводить на нет.

«Все кончено». А было ли начало?

Могло ли быть? Лишь видимость мелькала.

Зато в понятье вечной пустоты

Двусмысленности нет и темноты».

«Фауст» - трагедия идей Просвещения 18 века. Ни магия, ни разум не дают конкретного ответа на вопрос о смысле жизни, чтобы это постичь, надо быть бессмертным, а жизнь человеческая - всего лишь мгновение, которая для дьявола - ничтожна, для Бога - прекрасна.

Вопросы:

1.Чем «Фауст» отличается от «Гамлета»?

2.Как вы думаете, поэма «Фауст» религиозно-мистическая, мифологическая, нравственно-этическая?

3.Фауст приходит к выводу о том, что «Вначале было дело». Какое понятие вложил Гете в конце поэмы в понятие «дело»?

4.Почему душа Фауста не досталась дьяволу?

24. Первая треть 19 века.

Революционно-патетический классицизм

«Патетический» - от греческого слова «пафос».

19 век был ознаменован разочарованием в идеях просвещения, приведших к разрушительным революциям, народным волнениям, захватнической войне Наполеона. Первая треть 19 века в искусстве - это поиск нового искусства, новых идеалов. Уравновешенный идилистический классицизм приобретает повышенную эмоциональность. Еще в 70 годы 18 столетия, появляется движение «Бури и натиска», как протест против феодального убожества. У этого движения не было своей программы, но их протест был ярким, эмоциональным. Показывая пустоту и ничтожность сильных мира сего, они выдвигали на первый план чувства и эмоции.

С другой стороны намечается уход искусства в мир таинственного, мистического, обращением к средневековью, что уводило от реальной жизни. Это была реакция на буржуазную революцию и идеалы просветительских идей с их культом разума.

Живопись Испании

Франциска Гойя

(1746-1828)

Подъем искусства Испании связан с творчеством художника Франциска Гойи. Он жил и работал в один из бурных периодов истории родины. В отсталой стране нарастали реакционные феодальные силы. Гойя был современником Французской революции, народно-освободительной войны с войсками Наполеона, двух испанских революций.

Как ни один из великих мастеров Испании, Гойя воплотил в своем творчестве судьбу и героические чаяния своего народа. Его искусство всецело принадлежит новой исторической эпохи, хотя он и не знал о движении «Бури и натиска», но он почувствовал это в большей мере, чем иной европейский художник. Имя Гойи окутано легендами, на которых возникает образ вспыльчивого и смелого испанца, способного на отчаянные поступки, драки, романтические приключения.

Он родился близ города Сарагосы в семье ремесленника, получив художественное образование, стал придворным художником при короле Карле 4, бездарным монархом. Гойя изображает групповой парадный портрет королевской семьи, безжалостно показывая их глупые лица. Образы показаны на грани между портретным сходством и карикатурой.

В 1808 году разыгрывается политическая трагедия, ввергшая Испанию в пучину бедствий. Наполеон вступил на землю Испании, Карл 4 отрекся от престола. 2 мая в Мадриде вспыхнуло восстание, которое было подавлено, но именно оно явилось началом всеиспанской борьбы против наполеоновской оккупации.

Первым в истории искусства Гойя запечатлел эти события в двух картинах, рассказывающих о восстании и расстреле повстанцев.

Художник был свидетелем восстания на площади Пуэрто. Он был сердцем на стороне восставших. На следующий день, 3 мая 1808 года, повстанцев расстреляли.

Гойя приступает к работе над картиной «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года». Он представляет образ врага в виде группы автоматически действующих солдат. Их силуэты зловеще высвечивает стоящий на земле фонарь. Он поставлен с одной чудовищной целью: чтобы лучше было видно, кого убивать. Величие человеческого духа раскрывается в образе крестьянина в белой рубахе. Взметнув руки в стороны, он подставляет грудь под пули. Здесь трагедия и героизм целого народа.

Его живопись характерна яркими мазками на темном фоне, он не сглаживает мазки, мы видим «кухню» художника. Блики. Контрасты делают его полотна эмоциональными и динамичными. В женских портретах он использует много белого цвета, окутывая их фигуры или головы в прозрачные шелка, как это видно, например, в портрете Антонии Сарате.

Особенно страшным и могущественным и могущественным было духовенство. Испанский поэт Кинтана назвал его «…вертепом чудища, что властвует над миром и беззаконно в нем рассеивает зло».

Гойя со свойственной ему страстью вступает в борьбу с этим злом.

Он делает знаменитую серию офортов «Капричос», как протест против религиозного фанатизма, суда инквизиции, пороков испанского общества. Один из его офортов «Сон разума порождает чудовищ» показывает, как фантазия, лишенная разума, производит чудовищ. В его офортах мы видим целую галерею людских образов, представленных в виде ослов, обезьян, фантастических чудовищ. Реальное здесь переплетается с фантастическим, за аллегорической символикой пролеживается политическая сатира, туманное иносказание граничит с карикатурой. Ослов несут на руках крестьяне, Ленивцев с закрытыми ушами и глазами кормят с ложки. В гравюре «Какие золотые уста!» окружившие кафедру уродливые тупые монахи, закатив глаза и открыв рот, слушают жирного попугая - «проповедника».

Испания для художника представлялась в виде скопления жутких чудовищ, адского шабаша ведьм, скопления глупых животных. Но его не покидала уверенность в торжестве разума и истины.

Гойя скончался в городе Бордо во Франции - в центре испанской эмиграции. К концу жизни он оглох, несмотря на это продолжал работать. Его искусство повлияло на формирование живописи романтизма. Это ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье. Произведения Гойи до сих пор хранят волнующую современность: «Сон разума порождает Чудовищ».

Вопросы:

1.Что такое «Буря и натиск»?

2.Как Гойя понимал историческую картину?

3.О чем говорят его офорты?

Задание: сравните историческую картину Гойи с исторической картиной классического образца. Дайте анализ двух картин на сравнение.

25. Музыкальная жизнь Германии

Людвиг Ван Бетховен

(1770-1827)

Бетховен, как и Гойя не принадлежал ни классицизму, ни грядущему романтизму, он суммировал все хорошее, что было в классицизме, переработал и вывел музыку на новый предромантический уровень. Бетховен, как Гойя, в живописи, повлиял на формирование музыки романтизма.

Людвиг Ван Бетховен родился в городе Бонне, рос в музыкальной семье. Отец обучал мальчика музыке. В восемь лет Людвиг уже давал концерт в городе Кельне.

Окрепнув, как композитор, он осуществил свою мечту - познакомиться с Моцартом. Он приехал в Вену и сыграл прославленному композитору свои произведения. Моцарт был поражен смелостью и новаторством юноши, необычайной манерой исполнения, бурной и порывистой. Обращаясь к присутствующим, Моцарт воскликнул: «Обратите внимание на него! Он всех заставит о себе говорить!».

У Бетховена умирает мать, и юноша взял на себя все семейные заботы. Воспитание двух младших требовало внимания и денег. Бетховен стал работать в оперном театре, играя в оркестре.

Только после смерти Моцарта, в 1792 году он смог приехать в Вену и остаться там до конца своей жизни. Вена в то время была крупным музыкальным центром для всей Европы.

Бетховен завоевал известность как пианист. Он в совершенстве овладел техникой исполнения на фортепиано, оставив позади всех известных тогда пианистов.

Не менее выразительна и музыка композитора. Для Вены, привыкшей к жизнерадостной, изящной и выразительной музыке Гайдна и Моцарта, музыка Бетховена была, как гром средь ясного неба. «Патетическая» и «Лунная» сонаты, грандиозная сила и мощь «Героической симфонии», говорили о каких-то новых чувствах, новых замыслов, потрясающих и покоряющих слушателей.

Сам Бетховен как человек, его внешний облик, отношение к людям, ломали все установленные нормы и правила. Без парика, с огромной гривой густых черных волос на голове, со сдвинутыми бровями и сжатыми губами, он сильно отличался он людей с галантными изысканно-вежливыми манерами. Он никому не льстил, ни перед кем не заискивал. В одном из писем Бетховена есть такие слова: «Князей существует, и будут существовать тысячи. Бетховен же один».

Однажды. Будучи на курорте близ Вены, он стремительно прошел мимо императрицы, едва прикоснувшись к шляпе. Придворное общество вынуждено было расступиться перед Бетховеном и уступить ему дорогу. А в это время знаменитый Гете стоял на обочине дороги без шляпы с низко склоненной головой. Но друзья композитора знали его как веселого и отзывчивого человека. Сам, испытывая нужду, он всегда шел на помощь своим друзьям: «Никто из друзей моих не должен терпеть нужды, пока у меня есть что-нибудь», - говорил он.

Чтобы поправить свое финансовое положение, он становится, как в свое время Моцарт, придворным музыкантом, частным педагогом. Его любовь к Терезе Брунсвик закончилась печально. Аристократическая семья не позволила девушке выйти замуж за нищего музыканта.

Трагедией жизни была его глухота. Он долго скрывал свой недуг. Тяжелая болезнь заставила его сторониться друзей, сделала его замкнутым. Глухота для музыканта и композитора доводила его до отчаяния: он хотел расстаться с жизнью. Но ко всему можно привыкнуть. Он продолжал писать музыку, играть по нотам не слыша ничего, кроме музыки внутри себя. На концертах слушатели даже не подозревали, что перед ними выступает глухой музыкант. Он сказал себе: «Я схвачу свою судьбу за глотку и не позволю, чтобы она меня сокрушала».

1802 год и последующее десятилетие, стали наиболее плодотворными в жизни композитора. Появляется «Аппассионата», «Крейцерова соната», «Пасторальная симфония», соната «Аврора». Полная глухота лишила его сольных концертов, прекратилась его деятельность, как дирижера. Появились его «разговорные тетради», позволяющие общаться с друзьями.

В последние годы жизни он пишет девятую симфонию - величавую и могучую музыку. Это вершина - последний взлет его гениальной мысли.

После его смерти, дом в Бонне, где он родился, был превращен в музей. Это говорит о его прижизненной славе и признательности.

Вопросы:

1.Расскажите биографию Бетховена.

2.Какие музыкальные произведения композитора вы знаете?

3.Расскажите ваши ощущения, прослушав «Лунную сонату».

Задание: Прослушайте одну из сонат Бетховена и Моцарта. Как изменился музыкальный строй музыки? Каковы ваши ощущения?

26. Романтизм. Франция

На рубеже 18-19 веков в культурной жизни Европы возникает течение романтизма на фоне исторических событий, связанных с революцией во Франции. Это была переломная эпоха в сознании личности. Романтическое восприятие человека отличается от просветительского: пробуждается интерес к индивидуальности, к созерцательности, к противопоставлению себя в обществе. Романтики углубили представление о внутренней жизни человека, неисчерпаемости личностного мира.

Проблема личности, самобытной индивидуальности становится для романтиков центральной. Познание мира превращается в самосознание.

У первых художников романтического направления, сильным становилось чувство протеста против застоявшегося в штампах и канонах классического искусства. Разрушая классицизм, они предложили миру новое искусство, новые жанры в литературе, новый композиционный строй в живописи и музыке, нового героя - либо страстного, мятущегося, подобно бури, либо пассивно ушедшего в себя, противопоставившего себе весь мир.

Французская живопись

Творчество Жака-Луи Давида принадлежало классическому искусству, но он был приверженцем и новых революционных преобразований. Приверженец исторического жанра, он в 1801 году пишет портрет Бонапарта на Сен Бернарде. В этом портрете Наполеона, он отступает он норм классицизма. Появляется порыв ветра, предгрозовое состояние природы, контрасты светотени. Вздыбленный конь, трепещущий плащ, делают картину динамичной. Эта картина, как предвестник нового в изобразительном искусстве. Буря, сложное состояние неба, динамизм - признаки живописи романтизма

Творчество живописцев начала 19 века было ознаменовано поисками повышенной эмоциональности. Борьбы с буржуазным застоем в живописи. Новое поколение художников обвиняют классицизм в оторванности от жизни, в холодности и безжизненности их канонов и правил.

Теодор Жерико

(1791-1824)

Борьбу против догматики классицизма. За искусство, овеянное бурями страстей, возглавил основоположник революционного романтизма во французской живописи Теодор Жерико. Сам термин «романтизм» был впервые употреблен применительно к его искусству, пронизанному драматизмом, духом протеста против монархии и капиталистической действительности. Отказавшись от античной тематики и ее канонов, Жерико черпает вдохновение в образах окружающего мира. Он создает новый художественный язык, способный показать сложные противоречия действительности.

Бурная динамика, эмоциональная насыщенность колорита, определяли силу воздействия на зрителя первой картины Жерико «Офицер императорских конных егерей во время атаки». Она была написана во время похода Наполеоновской армии на Россию. В героическом офицере, его пафосе, уже чувствуются трагические тонки поражения. Резкий поворот головы всадника, призывающий к атаке войска, пылающее от взрывов поле сражения, создает впечатление динамики и патетического героизма.

В героико-монументальном плане исполнена самая значительная из его картин «Плот Медузы», основанная на реальных событиях. По вине неопытного капитана, фрегат «Медуза» терпит кораблекрушение у берегов Африки. Почти все пассажиры погибли, лишь некоторые спаслись на плоту, носившемуся много дней в бушующем море.

Сплотившись в единую группу, оставшиеся в живых люди, составляли резкий контраст безжизненным фигурам переднего плана. Каждый персонаж индивидуален и героизирован.

Жерико разрушает рамки классического построения композиции. Здесь нет ярко выраженного сценического второго плана, кулисной системы, изящного позерства.

В картине «Печь для обжига извести» художник изобразил контрастирующее с землей темное небо с облаком дыма из печи. Две композиционные группы расположены по диагонали, которую подчеркивает дорога, идущая вглубь картины. В классическом построении композиции, группы выстраиваются по горизонтали, подчеркивая горизонтальную плоскость сцены и обязательность второго плана. В картине Жерико эти каноны рушатся, и картине придается динамическое звучание.

Жерико новатор и в портретном жанре. Сравним два портрета: Потрет Эжена Делакруа, кисти Жерико и Портрет мадам Девосей, художника классического направления, Энгра. В портрете мадам Девосей мы видим красивое лицо женщины на темном фоне. У Жерико в портрете Делакруа лицо погружено в темный фон и высвечиваются только выпуклые части лица. Глаза погружены в тень, как в глубину души. Темный фон у Энгра не дает перспективы, у Жерико темный фон воспринимается, как пространство.

Энгр остался верным продолжателем классических традиций в искусстве. Портрет мадам Девосей - шедевр его мастерства. В нежной мягкости линий скрыто возвышенное благородство и поэтическая выразительность. Художник благоговел перед творчеством Рафаэля, поклонялся ренессановской живописи. В портрете наглядно прослеживается идеал той гармонической красоты, которая была создана великим Рафаэлем.

Эжен Делакруа

(1798-1863)

В творчестве Делакруа, пронизанном страстным пафосом борьбы за свободу, глубоким сочувствием к своему народу, нашли воплощение идеи революционного романтизма.

Он был великий колорист, уделял большое внимание цвету и его научному обоснованию.

Художник высоко ценил живопись Рубенса, называя его богом живописи.

Бурный дебют Делакруа состоялся благодаря его картине «Данте и Вергилий» на сюжет «Божественной комедии» Данте. Она отличалась драматизмом. Мощной пластикой фигур, резкими контрастами цвета. Демократические круги приветствовали картину, прославляющую мужество страдающего героя, стоическое противостояние враждебным силам.

Вершиной его творчества стала картина «Свобода, ведущая народ», которая целиком связала художника с революционным движением. Это наиболее значимое произведение европейского искусства 19 века.

В центре картины изображена Свобода в образе прекрасной женщины. Она ступает босыми ногами по камням и балкам баррикад, в руках у нее республиканское трехцветное знамя. В первых рядах молодой человек с мушкетом в руках, в нем усматриваются черты лица самого художника. Здесь мы видим фигурку мальчика-подростка с оружием в руках. Он послужил прообразом Гавроша для писателя-романтика Виктора Гюго.

Делакруа влечет историческая тема, которую он подает по новому: вводит разнообразие чувств, характеры людей, раскрывает значимость событий.

Делакруа вел дневник, куда записывал свои мысли о творчестве, о духовном климате тех лет: «Великий художник концентрирует впечатление, отбрасывая ненужные, отталкивающие или глупые детали… добавляет одно, отбрасывает другое и, таким образом, использует нужные ему предметы. Он движется в своем собственном владении и дает вам пир на свой собственный лад. У посредственного художника в работе чувствуется, что он ни над чем не хозяин…».

Романтизм складывался как идейное направление в европейской культуре. В основе романтического идеала - духовно-творческая свобода, культ страстей и одухотворенных порывов. В это время просыпается интерес к национальному фольклору, культуре, истории. Тяга к прошлому, дальним странам и странствиям выглядит как протест буржуазной цивилизации.

Делакруа обращается к историческому жанру. Он пишет картину «Резня на Хиосе», посвященная освободительной борьбе греков с турками. В картине показан протест против истребления греков турками и призыв на помощь гибнущему народу. Делакруа вносит в свое искусство политическую ноту протеста против насильственной войны.

Характерная черта романтического мировосприятия - мучительный разлад идеала с действительностью. Излюбленным мотивом их творчества становится близость человека к природным стихиям.

Широкое развитие получает пейзажный жанр. Подобно сентиментальному искусству, где человек, погружаясь в печальные раздумья, отождествлял себя с такой же печальной и унылой природой, романтики тоже отождествляли человека с природой. Но с природой бурной, неистовой, где кочуют грозовые облака, где от порыва ветра гнуться ветви деревьев…

Жорж Мишель - мастер романтического пейзажа. В «Пейзаже с мельницей» он показал яркий пример романтического пейзажа. Центр композиции смещается в отличие от классического построения картины. В данном случае, мельница смещена влево. К ней ведет дорога, по которой «скользит» глаз зрителя, которая приводит нас изображению мельницы. Таким образом, художник добивается динамики. Одинокая мельница, или дерево, или парусник указывают на символ одиночества человека в бурном, напряженном, неспокойном мире.

Камиль Коро один из замечательных пейзажистов, умеющий передавать через пейзаж чувства, близкие человеку. Его пейзажи насыщены эмоциональностью, поэтической лиричностью, иногда художник передает и суровые ноты: в пейзаже «Порыв ветра». Одинокая фигурка человека противостоит разбушевавшейся стихии.

Но чаще всего природа и человек у Коро гармонично едины, и фигуры людей одухотворены природой, как в пейзаже «Воспоминание о Мортефонтене».

Вопросы:

1.Что такое романтизм, назовите его основные черты?

2.Почему наиболее ярко романтизм проявился во Франции?

3.Какие композиционные особенности в картине указывают на принадлежность картины к романтическому направлению?

4.Назовите первых художников романтического направления и их основные работы.

Задание: по данным иллюстрациям картин, определите, к какому художественному направлению они относятся.

27. Литература Франции

Виктор Гюго

В произведениях Гюго отразились бури революционной эпохи, надежды утопического социализма, идеи и характеры мощного демократического движения Франции революционного периода.

Гюго вводит в литературу речь народа, изгоняет из своих книг манерную изысканность, чопорность и строгость.

Как и живописцы - романтики, он находит сюжеты для своих книг в чаяниях современной ему жизни, его интересует история не только своего народа. Например, в романе «Человек, который смеётся», он раскрывает жизнь Англии 17 века, где показывает роскошь власть имущих, способных на садистские причуды и удел бесправных людей, подобно мальчику Гуниплену, которому изувечили лицо, чтобы оно изображало маску смеха.

В романе «Девяносто третий год», Гюго описывает события Парижской коммуны. Он был свидетелем этих событий. Роман звучит, как художественное произведение и как репортаж с места событий. Он на стороне коммунаров. Сам, рискуя жизнью, он требовал амнистии схваченным коммунарам, готов был предоставить кров уцелевшим.

Роман «Собор Парижской Богоматери».

Важнейшее из произведение из созданных Виктором Гюго, это роман «Собор Парижской Богоматери». Роман был написан, когда автору было 29 лет. Здесь он раскрывает жизнь французского народа во времена расцвета Возрождения. Это не исторический роман, но его герои находятся в этом временном отрезке. Для писателя история - предмет эстетического культа, который овеян поэзией, тайной, средневековьем, ареной вечной борьбы добра и зла.

Для Виктора Гюго собор Парижской Богоматери - символ стабильности, вечности, символ культуры и религии, символ французского народа. Поэтому, много места в романе отводится описанию Собора, как архитектурного сооружения, так и культового, много значащего для народа.

«С самого сотворения мира и вплоть до 15 столетия, зодчество было великой книгой человечества, основной формулой, выражавшей человека во всех стадиях своего развития - как существа физического, так и существа духовного».

«Каждая цивилизация начинается с теократии (религии) и заканчивается демократией. Этот закон последовательного перехода от единовластия к свободе запечатлен в зодчестве». Архитектура отражает в своих формах свободу, народ, человека. «Так, в финикийском зодчестве чувствуешь купца; в греческом - республиканца; в готическом - гражданина».

Писатель, описывая народ Франции, не случайно называет свой роман «Собором Парижской Богоматери», который строился несколькими поколениями парижан и стал образцом готического архитектурного стиля.

Не случайно в романе собор воспринимается, как огромный дом, где можно скрыться от разных бед, он как живое существо прячет и оберегает в своих стенах беззащитных граждан.

Площадь перед Собором - это место для карнавального гуляния, народных, почти, языческих праздников. Здесь «на просторном, свободном пространстве между костром и толпой плясала молодая девушка».

«Взоры всей толпы были прикованы к ней, все рты разинуты. Она танцевала под рокотанье бубна…. Воистину казалась существом неземным». Она выступала со своей дрессированной козочкой, которая выполняла ее приказания.

«Святотатство! Кощунство!» - послышался голос лысого человека…»

Девушку звали Эсмирадьда. Она жила с цыганами в таборе и считала себя цыганкой.

Эсмиральда - душа народа, поэтому, вокруг нее всегда собирается толпа.

На площади был объявлен конкурс на короля шутов. Перед народом шествуют карлики, уроды. Самым уродливым, а значит, королем шутов был избран человек по имени Квазимодо.

Так, на площади встретились два человека: красавица Эсмиральда и уродливый Квазимодо.

Квазимодо станет ангелом-хранителем для Эсмиральды. Кажется, что у этого человека, только оболочка уродливая, и ее нужно только сбросить. Внутри - душа, равной которой еще не было. Он любит девушку всей душой, но с горечью осознает свое уродство и недосягаемость личного счастья.

Романтизм характерен контрастностью образов для более легкого восприятия трагедии. Вспомните сказки Гофмана, Гауфа, например, «Карлик-нос», русскую сказку «Аленький цветочек», записанную Афанасьевым и т.д. Только с сказках уроды или чудовища находят свое счастье, которое заслужили красивой душой, в романе Гюго эта любовь закончится печально.

В Эсмиральду влюбляются еще двое мужчин: капитан Феб и священник. Капитан Феб готов уйти он девушки, на которой он должен жениться, но, в итоге, долг побеждает. Священник не имеет права любить, потому что должен служить Богу.

Девушку преследует инквизиция, обвиняя ее колдовстве и идолопоклонстве. Ее спасет Квазимодо. Он прячет ее в стенах Собора и здесь он признался ей: «Я никогда так не чувствовал своего уродства, как теперь… Я кажусь Вам зверем, скажите? А вы, Вы солнечный луч, Вы капля росы, Вы песня птички».

Спасаясь от преследования, Эсмиральда попадает в келью, где знакомится с обезумевшей от горя женщиной. Когда-то у нее была дочь, которую украли цыгане, но у нее остался от ее маленькой дочери башмачок, который она бережно хранит до сих пор. Эсмиральда достает из талисмана, который всегда висит у нее на шее, такой же башмачок. Женщина узнает в Эсмиральде свою дочь.

Случайные встречи и совпадения характерны были для сентиментализма. Вспомните эллинский роман Лонга «Дафнис и Хлоя», мать узнает сына по медальону у него на шее. Такой оборот сюжета становится характерным и для прозы романтиков начала 19 века.

Роман заканчивается трагически: Эсмиральду казнили через повешение. Квазимодо плакал. «… с рыданием, всколыхнувшим его грудь, произнес: «Вот все, что я любил!» Он забрал с площади тело бедной девушки, чтобы на нее никто не смотрел с отвращением. Рок преследует виновника ее смерти. Архидиакон был одним из обвинителей. Он поднимался на колокольню, то поскользнулся. Квазимодо видел, что тот висит на балюстраде, и достаточно было протянуть к нему руку, чтобы спасти, но он прошел мимо, унося на плечах тело Эсмиральды. Архидиакон упал с высоты и разбился. У Феба тоже трагедия. Он женился без любви.

Квазимодо исчез. Спустя два года после событий в склеп Монфокона пришли люди за телом повешенной и обнаружили два трупа - женский и мужской. В женщине по одежде узнали Эсмиральду. Заметили, что мужской хребет был искривлен, голова низко сидела между лопаток. В нем узнали Квазимодо. «Когда его хотели отделить от скелета, который он обнимал, он рассыпался прахом».

Вопросы:

1.Что характерно для литературы романтизма?

2.Почему писатели-романтики обращаются к далекой истории?

3.Из какого литературного стиля вырастает литература романтизма?

4.Покажите в романе случайные встречи и совпадения

5.Почему Гюго назвал роман «Собор Парижской Богоматери»?

6.Если Эсмиральда символизирует народ, то почему так трагически заканчивается ее жизнь?

28. Музыка романтизма

Австрия

Франц Шуберт

(1797-1829)

Шуберт родился близ Вены в городке Лихтенталь. Его отец школьный учитель, происходил из крестьянской семьи, мать - дочь слесаря. Семья была музыкальной, отец играл на виолончели. Рано обнаружились музыкальные способности Франца, и отец стал обучать его игре на скрипке и фортепиано. Маленький Франс был еще обладателем прекрасного голоса и в церкви исполнял сольные партии. Он окончил школу, где обучали церковному пению (конвикт), там же он обучался игре на музыкальных инструментах и дирижерскому искусству. Уже в годы ранней юности он стал сочинять музыку, что встревожило отца: он знал, сколь труден путь музыкантов на примере Моцарта и Бетховена. Франц становится учителем и занимается сочинительством. Он пишет песни на стихи Гете «Лесной царь», «Маргарита за прялкой». Молодой композитор порывает с педагогической деятельностью и решает посвятить себя музыке. Он ссорится с отцом, уходит из дому и живет поочередно у своих друзей. Музыкальные мысли рождались непрерывно, он едва успевает записывать их в тетрадь, бывали случаи, когда он писал на том, что было под рукой: клочок бумаги, меню…

В это время блестящая развлекательная музыка Штрауса имела огромный успех, ни одно произведение Шуберта не было принято симфоническим оркестром. Вся Вена танцевала и напевала вальсы Штрауса.

Франц Шуберт был робок, не умел добиваться своего, он не умел просить, унижаться перед влиятельными лицами и это стало одной из причин его нищеты. Он не смог жениться на любимой девушке.

И все же венцы узнали и полюбили музыку Шуберта. Подобно народным песням, передаваясь от певца к певцу, его музыка приобрела глубоких почитателей.

В 1828 году друзья помогают ему устроить концерт из его произведений. Концерт имел оглушительный успех. Шуберт окрылен успехом, у него много планов на будущее, но в этом же году он заболел тифом. Ослабленный организм не выдержал такой тяжелой болезни. Шуберт скончался. На памятнике на венском кладбище, где его похоронили написано:

«Смерть похоронила здесь огромное сокровище,

Но еще более прекрасные надежды».

Песни Шуберта разнообразны: от драматических до лирических. Везде он передает чувство героя, его переживания тончайшими гармоническими красками. Его песни то задушевны, печальны, то светлые, радостные. Подобны весеннему настроению. В песне «Колыбельная ручья» музыка передает спокойное «баюкающее движение ручья», который утешает юношу в его горестях. В цикле песен «Зимний путь» совсем иное. Бедный юноша отвергнут богатой невестой. В отчаянии он уходит бродить по свету. Он одинок, его спутниками становятся ветер, метель, зловещее карканье ворон. Его песня «Серенада» лирического содержания. Серенады исполняются под гитару. Поэтому мягкий вальсовый ритм песни сочетается с характерным рисунком гитары. Красочно звучит характерный для песен Шуберта контраст: грустно - задумчивая музыка словно озаряется светом.

Герои песен композитора страстно переживают любовь, разочарование, надежды на счастье и крушение этих надежд, романтическое одиночество.

Польша

Фредерик Шопен

(1810-1849)

Фредерик родился в предместье Варшавы. Его мать была полька, отец - француз. Отец получил место учителя в варшавском лицее, и вся семья переехала в Варшаву. Отец учил Фредерика игре на фортепиано. Он успешно учился в лицее, овладел несколькими европейскими языками, много читал. Шопену были присущи острота ума, наблюдательность, большая любознательность. Он поступает в Высшую школу музыки, где о нем говорят, как о музыкальном гении. По окончании музыкальной школы, уезжает в Париж. Подобно Моцарту и Бетховену, он прославился, как гениальный пианист. Он обогатил свою музыку новым содержанием и образами, раскрыл новые, неизвестные до того времени выразительные возможности, ввел новые приемы пианистического исполнения.

Шопен в отличие от своих предшественников сочинял исключительно для фортепиано (за исключением нескольких камерных сочинений). Этим он подчеркнул свое дарование: создать столько нового, яркого в одной лишь области фортепианной музыки.

Поляк по происхождению, он всю жизнь проводит за границей, но это не помешало ему стать основоположником национальной классической музыки.

Шопен покорил Париж виртуозным исполнением своих произведений. Венгерский композитор Ференс Лист говорил: «…своим искусством он открыл новую фазу в развитии поэтического чувства».

Вместе с ростом его известности рос круг его знакомств - композиторы Лист и Берлиоз, художник Делакруа, поэт Гейне. Но самым большим его другом и большой любовью стала французская писательница Аврора Дюдеван, выступавшая в печати под псевдонимом Жорж Санд. Жизнь композитора складывалась не совсем удачно: его оставила любимая женщина, он в одиночестве умирал от чахотки. Похоронен Шопен в Париже, а его сердце, как он завещал, было перевезено на родину. В Варшаве до сих пор бережно хранят его в костеле Святого Креста.

Шопен обработал народную польскую музыку, сделал ее знаменитой. Польский народный танец - мазурка - звучит у Шопена во многих вариациях. Это живые танцевальные мелодии, выдержанные в национальном характере, он их назвал по-польски - образки (картинки).

Полонез ля мажор написан так же на основе народного танца. «Польский» танец, который со временем получил французское название «полонез». Когда-то полонез представлял собою праздничное церемониальное шествие для воинов-рыцарей. Возникнув в народной среде, он прочно вошел в бальную танцевальную музыку.

Композитор отдавал дань и современной танцевальной музыке - он пишет вальсы. Они не пышные и торжественные, как у Штрауса, в них звучит грациозная тема, передающая текучесть, плавность и легкость мелодии.

Неповторимы и своеобразны, вдохновенны и поэтичны его ноктюрны. Тихо и печально льется спокойное повествование исповеди человеческой души. Она может резко контрастировать, бунтовать и это усиливает ощущение душевного порыва, выраженного через музыку. Но всегда поэтично звучат последние аккорды ноктюрна, придавая ей мягкость и певучесть, окрашивая музыку в светлые тона.

Вопросы:

1.Что вы знаете о биографии Шуберта?

2.В каком музыкальном жанре он начинал свою творческую деятельность?

3.Какие произведения Шуберта вам знакомы?

4.Расскажите биографию Шопена. Можно ли назвать его патриотом своей родины?

5.Что такое мазурка, полонез, ноктюрн?

6.Какие произведения Шопена вам известны?

29. Английская живопись первой половины 19 века

Англия раньше, чем другие европейские страны, утвердилась, как капиталистическая страна. Быстрые темпы развития капитализма обусловили классовые противоречия, и на первые десятилетия 19 века уже приходится завершающий этап формирования новых общественных отношений. На смену портретной и жанровой живописи 18 века приходит пейзаж, опережающий развитие этого жанра на континенте. Зародившийся в творчестве Гейнсборо лирический пейзаж получил свое развитие в искусстве художников реалистического направления.

Констебл

(1776-1837)

Он воспевал родную природу, словно наполняя светом и воздухом пространство картин, передавая динамику неба, свежесть зеленой листвы деревьев и травы, неразрывную связь природы и человека.

Констебл - сын мельника. Он жил на берегу реки Стур. Серебряные ивы, водяные мельницы были первыми зрительными впечатлениями будущего художника. Он закончил Королевскую Академию художеств в Лондоне. С первых творческих шагов в нем обнаружилось стремление к изображению реальной природы, правде жизни. Он изучает пейзажи старых голландских мастеров, и некоторое время подражает им, но быстро отходит от схематизма надуманной композиции и колористической схемы. Его влечет живая природа: «буду писать этюды с натуры и искать манеру простую, лишенную всякой вычурности».

Давайте сравним пейзаж 17 века с пейзажем Констебла, чтобы увидеть значимость художника в развитии пейзажной живописи. У мастеров пейзажа 17 века нет широкого спектра цветовой гаммы. Природа как будто освещена искусственным желтовато-коричневым светом. Палитра бедна на голубые, зеленые оттенки, здесь нет серебристых, прозрачных облаков или тяжелых, свинцовых дождевых облаков. Зелень в тени - темно-коричневая, на свету окраска зелени обозначена жёлтым цветом.

Констебл разрабатывает новую палитру. В его пейзажах появляется настоящий солнечный свет, деревья обретают зеленые листья, земля покрывается травой вместо условного светло-коричневого цвета, но главное - небо. Констебл изображает его в разное время суток, улавливая тончайшие его оттенки. Он первый художник, который выходит на этюды и работает с натуры с живой природой. В пейзаже «Вид на собор Солобери с реки Ок», он точно портретирует деревья, впервые утверждая необходимость работать на открытом воздухе. Он мастерски передает падающую на зеленую траву тень от дерева, улавливает контраст светотени при солнечном освещении. Стоящие на первом плане в тени деревья, падающая тень, рисую рамку, внутри которой яркими солнечными лучами освещен собор на фоне неба. Он уловил тончайшие оттенки, динамику облаков, влажность атмосферы, свежесть воздуха.

В период своей творческой зрелости, он пишет большое количество пейзажей, среди них «Хлебное поле», «Телега с сеном». В них утверждается красота значимость природы в жизни человека, ее эпическое величие.

Поэтичность и непосредственность восприятия отличают композицию «Телега с сеном». Художник словно включает зрителя в открывающийся ландшафт, залитый солнечным светом. Движение упряжки лошадей, переходящих вброд реку, направляют наш взгляд вглубь картины. Движение по диагонали вдаль - излюбленный прием художников - романтиков, не случайно эта картина произвела неизгладимое впечатление на Делакруа, но особенно он заостряет внимание в своем дневнике на изображение зелени и оттенков зеленого в пейзаже.

Тернер

(1775-1851)

Особое место в английской живописи занимают глубоко эмоциональные пейзажи Тернера. Вслед за Констеблом он был предан правде жизни, но в его творчестве в значительной мере обнаруживаются романтические тенденции. Его пейзажи полны контрастов света и цвета, он свободно и широко пишет исторические сцены, где чаще всего, человек оказывается во власти враждебных сил стихии.

Красотой и насыщенностью колорита отличаются пейзажи полные драматического ощущения, такие, как «Последний рейс корабля «Отважный». Позднее его восприятие природы становится более эмоциональным, его увлекают сюжеты на состояние природы, его привлекали вода и свет. В картине «Дождь, пар и скорость», художник стремился передать туман, дым от паровоза и дождь.

Тернер иногда превращает свои композиции в феерические зрелища, где потоки краски сливаются в утонченные цветовые гармонии, а предмета утрачивают черты реальности. В картине «Китобойные суда» мы видим скорее не реальный сюжет, а впечатление от реального сюжета. Вспыхивают яркие красные цвета, смешались в едином бушующем потоке цвета море и небо.

С установлением окончательного господства буржуазии, английская живопись угасает. В ней проявляется отрешенность от жизненных проблем, нарастают черты упадка.

Вопросы:

1.Какой вклад сделал Констебл в развитие пейзажной живописи?

2.Назовите признаки английского романтического пейзажа, что общего вы находите с французским романтическим пейзажем?

Задание:

По предложенным учителем иллюстрациям с изображением пейзажей романтиков, сделайте анализ по следующим пунктам:

1. Автор, название картины, место нахождения.

2. Композиция (дать геометрическую схему построения).

3. Планы, композиционные группы

4. Уровень горизонта

5. Источник света

6. Колорит

7. Докажите принадлежность данной картины к романтизму.

30. Английская литература первой половины 19 века

Джордж Гордон Байрон

(1788-1823)

Байрон родился в обедневшей аристократической семье. Отец погиб в период французской революции, и мать переехала с сыном в Шотландию. Джордж в детстве был болезненным мальчиком, у него была хромота. Доктора пытались вытянуть ногу, и в основном все детство он провел в постели. Мать не любила своего сына, упрекала его за хромоту, даже красивая внешность мальчика не утешала ее. В это время он много читает.

В 10 лет Байрон получил наследство и титул лорда, который давал право на бесплатное образование. Он блестяще учился, чтобы не ощущать себя ущербным, стал заниматься спортом - боксом и плаванием. Он стал одним из лучших пловцов: переплывал морские проливы.

В 15 лет он пережил первую любовь к Мэри Чаворт. Семейная вражда усиливало их чувства. «Злой лорд убил деда Мэри», но все уже загладилось, семьи дружили, в отличии от событий в трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта».

Мэри была старше Джорджа, она вышла замуж за другого, но в браке была несчастна. Когда же она узнала о величии Байрона - стала душевнобольной. Байрон возьмет на себя материальные заботы о тяжело больной подруге детства. Оба были несчастны в личной жизни, потому что в юности не поняли всей глубины своего чувство.

Окончив университет, Байрон был принят в палату лордов. Он увлекается литературой, пишет стихи, поэмы. Едкая сатира, возмутившая высшее общество, - вот что послужило причиной его отъезда за границу, но он не оставляет литературной деятельности.

Через два года приехал к матери, но живой застать её не удалось, - она умерла от разрыва сердца, узнав о приезде любимого сына.

К Байрону пришла слава с поэмой «Чарльз Гарольд». «В одно прекрасное утро я проснулся знаменитым», - вспоминал он.

Светское общество окружило его своим вниманием, ему подражали молодые люди: когда он не танцевал и стоял у колонны, все мужчины стояли «подперев» колонны, он ходил прихрамывая, все мужчины захромали, прогуливаясь по Лондону.

У него была свита поклонниц, но женится он на скромной девушке Анабеле, имеющей способности к поэзии и математике. У них родилась дочь, но родители Анабелы продолжали противиться их браку, обвиняя Байрона в сумасшествии, и на этом основании сфабриковали развод. Ребенка он больше никогда не увидит.

Он уехал в Грецию сражаться за независимость страны против турков, умер от ран. В стране был объявлен траур. Его сердце осталось в Греции, а тело было перевезено в Англию. Дочь Байрона на всю жизнь сохранила любовь к своему отцу и, умирая, просила похоронить ее рядом с ним.

Мистерия «Каин»

(мистерия - мораль)

Основой мистерии послужила библия. В библейском мифе рассказывается о том, как Ева, совращенная змием, вкушает вместе с Адамом плод, но не с древа жизни, а с древа познания добра и зла, после чего Бог изгоняет их из Рая на землю. Им теперь предстоит познать смерть, боль и тяжелый труд. На земле у Адама и Евы два сына: старший - Каин, младший - Авель. Впоследствии Каин убивает Авеля.

Байрон переосмысливает эту легенду и делает Каина первым человеком, поднявшим голос протеста против несправедливости: он встает против Бога и всего мирового порядка.

Адам просит Каина помолиться богу, но Каин отвечает: «Мне не о чем молиться». Он отказывается благодарить бога за данную ему жизнь, чтобы потом ее отнять. Он обвиняет Адама в том, что он не вкусил от древа жизни и тогда они были бы бессмертны и не знали бы всех тягот жизни. Родители внушают Каину мысль о том, что трудом мы должны замаливать свой грех перед богом, но Каин отвечает, что он перед богом не грешен, потому что плода не вкушал.

Авель - антипод Каина. Он послушный сын своих родителей, он молится Богу, трудится. Каин одинок, он думает о своем предназначении на земле. И вот к нему является Люфицер - повелитель духов. Каин говорит, что он живет, чтобы умереть, Люцифер его переубеждает:

«Но ты живешь, и будешь жить: не думай,

Что прах земной, что плоть твоя есть сущность.

Прах твой умрет, а ты вовек пребудешь

Тем, чем ты был».

Люцифер говорит, что в человеке есть душа и она вечна.

«Я смерть считал за существо. Что может

Столь злостным быть, помимо существа?»,- спрашивает Каин.

Люцифер отвечает:

« Спроси у разрушителя»

«Иль у творца - зови его как хочешь.

Ведь он творит затем, чтоб разрушать».

На земле смерти еще не было, и Каин озабочен этой тайной, ему страшно умирать. Люцифер ему отвечает:

«А я, познавший все, уж не страшусь

Ни перед чем. Вот истинное знанье».

Каин просит его открыть свое знание. Люцифер говорит, что верующий в бога человек не должен меня слушать, Каин говорит, что не верит Богу.

Люцифер:

«Но не поклонник Бога - мой поклонник».

В подтверждение бессмертной души Люцифер увлекает его в иной мир, будут прибывать после смерти людские души.

Каин:

«Облака

Все шире расступаются пред нами,

Кругами, обвивая нас».

Люцифер приглашает его войти в царство мертвых, но Каин боится. Люцифер его убеждает, что он здесь не останется, потому что сюда войти можно только через смерть.

Каин возвращается на землю. Он познал жизнь и смерть. В его семье все трудятся: Авель занимается скотоводством, Каин сеет хлеб. Часть плодов своего труда они приносят в жертву богу.

Каин:

«Я сеял, рыл в поту согласно

Проклятию, но что еще мне делать?

Смиренным быть - среди борьбы с стихией

За мой насущный хлеб? Быть благодарным

……………………………………………….».

Каин укладывает на жертвенник свои плоды. Авель убивает ягненка, кладет на жертвенный камень:

«…О Боже!

Ты, кто вдохнул в нас дуновенье жизни,

Кто создал нас, благословил и не дал

Погибнуть чадам грешного отца

………………………………………».

Огонь на жертвеннике Авеля вознесся к небесам, а жертву Каина вихрь разбросал по земле.

Авель:

«О, брат, молись! Ты прогневил Иегову:

Он по земле твои плоды рассеял».

Каин:

«Земля дала, пусть и возьмет земля,

Чтоб возродить их семя к новой жизни.

Ты угодил кровавой жертвой больше:

Смотри, как небо жадно поглощает

Огонь и дым, насыщенные кровью».

……………………………………….

«Я больше жертв не буду приносить

Я не стерплю…».

Авель:

«Брат, что ты хочешь делать?»

Каин:

«Низвергнуть в прах угодника небес,

Участника в твоих молитвах низких -

Твой жертвенник, залитый кровью агнцев,

Вскормленных и вспоенных для закланья».

Авель (удерживая Каина):

«Не прибавляй безбожных дел к безбожным

Словам. Не тронь алтарь: он освящен

Божественной отрадою Иеговы,

Его благоволением».

Каин:

«Его!

Его отрадой! Так его отрада -

Чад алтарей, дымящихся от крови,

Страдания блеющих маток, муки

Их детищ, умиравших под твоим

Ножом благочестивым! Прочь с дороги!»

Авель:

«Брат, отступись! Ты им не завладеешь

Насильственно; но если ты намерен

Для новой жертвы взять его - возьми».

Авель говорит, что Бог для него дороже жизни. Каин поражает его в висок головней, которую схватил из жертвенника:

«Так пусть она и будет жертвой богу! Он любит кровь».

После минутного оцепенения, Каин осознает, что убил своего брата. Но ничего уже нельзя исправить. Каин просит смерти, он не хочет мириться с таким грехом, как убийство брата, человека. Каин наказан вечным раскаянием.

«О, Авель, Авель, мир ему!»

Каин:

«А мне?»

Вопросы:

1.Что восхищает вас в биографии Байрона?

2.Байрон - романтик. Расскажите, какие черты романтизма присутствуют в мистерии «Каин»?

31. Романтизм в русской литературе

М.Ю. Лермонтов

Романтизм как новое направление в искусстве и литературе, получил широкое распространение не только в Европе, но и в России. В каждой стране романтизм имеет свою специфику, объединяющую особенности национального и исторического развития. Общее, что объединяло романтизм - трагизм судьбы личности, противопоставление себя обществу, отождествление человека с природой.

Если в Европе толчком для развития романтизма послужила Французская революция, то для русского романтизма главными событиями явились Отечественная война 1812 года и восстание декабристов 1825 года.

При общем отрицании окружающего их общества, романтизм не составлял единства в политических и эстетических взглядах. Диапазон взглядов романтиков был широк: от бунтарских, революционных воззваний до трагедии непонятой обществом личности.

Еще в 18 веке русская интеллигенция обращается к русскому фольклору, национальным традициям, которые пропитаны языческой любовью к природе, отождествлением себя с природой. В начале 19 века это скажется на обращении к природе, на отождествлении человека и природы. В стихотворении «К месяцу», русского романтика Василия Жуковского мы читаем:

Ты блеснул... и просветлел

Тихо темный луг;

Так улыбкою наш удел

Озаряет друг.

Скорбь и радость давних лет

Отозвались мне,

И минувшего привет

Слышу в тишине.

Александр Сергеевич Пушкин тоже обращается к романтизму:

Погасло дневное светило;

На море синее вечерний пал туман.

Шуми, шуми, послушное ветрило,

Волнуйся подо мной, угрюмый океан!

……………………………………………..

В этом стихотворении мы видим в природной стихии человеческие черты: послушный, угрюмый, печальный и т.д. Состояние природы в стихотворении созвучна с настроением автора, рассказывающий о незабываемой глубокой любви.

У Пушкина природа - бог и созидатель человеческих эмоций, потому нам и дорога его поэзия, что он нашел свой романтизм, идущий от исконно русского язычества, а не от моды века. В стихотворении «Осень» ассоциируется с человеком:

…На смерть осуждена,

Бедняка клонится без ропота, без гнета,

Улыбка на устах увянувших видна;

Могильной пропасти она не слышит зева;

Играет на лице багровый цвет,

Она жива еще сегодня, завтра нет.

Если у Пушкина природа проецирует эмоции на человека, то у Лермонтова наоборот, эмоции человека проецируют на природу, к примеру, в стихотворении «Парус»:

…Под ним струя светлей лазури,

Над ним луч солнца золотой…

А он, мятежный, ищет бури,

Как будто в бури есть покой!

Михаил Лермонтов в русской литературе - романтик, если можно так выразиться, в чистом виде, без примеси классицизма. Его интересует контраст человека и общества, противопоставление идеального и действительного. Он стремиться через вымысел донести до читателя свой идеал свое отрицание современного ему миропорядка.

События, происходящие в романтических поэмах, драмах и других произведениях, важны лишь для раскрытия особенностей личности, которая интересует автора.

Так, например, в поэме «Демон», история Тамары подчинена главной задаче - воссоздать «дух бесконечный», дух Демона, передать в космических образах трагедию современного человека, отношение самого поэта к реальной действительности.

Поэма «Демон»

Восточная повесть

Лермонтов задумал поэму еще в ранней юности. Вначале он хотел сделать сюжет на контрасте веры и неверия: Демон влюбляет в себя монашку, преданную Богу. Будучи на Кавказе, он узнает красивую легенду о горном духе, который, подобно Прометею стонет, прикованный к скале. По легенде горный дух полюбил девушку - грузинку, которую ревновал к ее жениху. Вместо безликой монахини появляется красавица Тамара, а соперником Демона (Горного Духа) становится князь. Лермонтовский Демон не прикован к скале, это свободно летающий падший ангел:

Печальный Демон, дух изгнанья,

Летал над грешною землей,…

……………………………….

И над вершинами Кавказа

Изгнанник рая пролетал:

Под ним Казбек, как грань алмаза,

Снегами вечными сиял,

………………………………….

Он сеял зло без наслажденья,

Нигде искусству своему

Он не встречал сопротивленья -

И зло наскучило ему.

Демон замечает красивую девушку. Это была дочь Гудала - юная Тамара. Она ждет своего жениха-князя, чтобы стать его женой. Князь спешит на свидание к любимой Тамаре. Он проезжает мимо часовни, где по обычаю путников он должен был совершить молитву. Демон следит за ним и его возмущают даже мысли князя о Тамаре.

Вдруг впереди мелькнули двое,

И больше - выстрел! - что такое?…

………………………………..

Отважный князь не молвил слова;

В руке сверкнул турецкий ствол,

………………………………..

И дикий крик, и стон глухой

Промчались в глубине долины -

Недолго продолжался бой:

Бежали робкие грузины.

Князь убит, а любящая князя Тамара заточила себя в монастырь.

У окон кельи Демон любуется ее красотой, он постигает неведомое ему, все знающему, вечному духу, чувство любви:

Тоску любви, ее волненье

Постигнул Демон в первый раз;

………………………………

Поныне возле кельи той

Насквозь прожженный видел камень

Слезою, жаркою, как пламень

Нечеловеческой слезой!…

«Дух бестелесный, дух прозрачный» проникает к Тамаре. Он ей является в сновидениях, где она подвластно ему отдавалась ласкам. Когда он перед нею в образе человека и признался, что он изгнанный из Рая ангел, она пыталась его прогнать, но любовь Демона одержала верх. Он покаялся перед ней в своих черных делах:

Хочу я с небом примириться,

Хочу любить, хочу молиться,

Хочу я веровать добру…

И он слегка

Коснулся жаркими устами

Ее трепещущим губам;

Соблазна полными речами

Он отвечал ее мольбам,

Могучий взор смотрел ей в очи!

Он жег ее………..

Тамара умирает от поцелуя Демона. Он торжествует: душа Тамары достанется ему. Но ангелы - посланники Бога -забирают душу девушки в Рай.

И проклял Демон побежденный

Мечты безумные свои,

И вновь остался он, надменный,

Один, как прежде, во вселенной

Без упованья и любви.

Вопросы:

1.Каковы причины возникновения романтизма в России?

2.В чем особенности русского романтизма?

3.Что общего вы находите в мистерии Байрона «Каин» и в восточной повести Лермонтова «Демон»?

Задание:

Почему Бог прощает Тамару за любовь к Демону и забирает ее душу в Рай, а полюбившего и раскаявшегося Демона не прощает? Запишите свои мысли в тетрадь.

32. Русское искусство первой половины 19 века

Архитектура

Русское искусство в этот период было пропитано большим патриотическим подъемом, связанного с Отечественной войной 1812 года. Особенно велики были достижения в архитектуре. Появляются новые имена талантливых зодчих: Воронихин, Захаров, Росси и другие.

В отличие от архитектуры 18 века, когда ведущими сооружениями были дворец и усадьба, теперь внимание обращается на строительство общественных - гражданских и административных зданий. Церковные и усадебные сооружения подчиняются требованиям единой архитектурной композиции города.

Важнейшим качеством в русском искусстве этого периода является высокая форма развития синтеза архитектуры и скульптуры; в стилистическом единстве с ними выступают декоративная живопись и прикладное искусство. Лучшие сооружения, кажутся, созданными одной рукой.

Достижения в области синтеза вывели архитектуру России на мировой уровень и сделали ее сокровищницей в истории мирового искусства.

Классицизм для русской архитектуры оставался ведущим. В первой половине 19 века он вступает в новую фазу, именуемую зрелым или высоким классицизмом; в 20 веке его именуют русским ампиром.

Ампир (империя) - новый классический стиль, в основе которого лежит стремление передать героику и величие своей страны.

Архитектура Петербурга и Москвы

С наибольшей полнотой выразился высокий классицизм в творчестве А.Н. Воронихина. Коренной москвич, здесь же учился живописи, увлекался архитектурой.

Должного образования в области архитектуры он не получил, но благодаря трудолюбию и таланту, он стал одним из лучших зодчих России.

Создание Казанского собора, явилось решающим этапом в жизни Воронихина и вместе с тем сыграло большую роль в развитии всей русской архитектуры начала 19 века. Новаторский характер сказался и в понимании градостроительства.

Овальную колоннаду он обращает к Невскому проспекту, а вход в собор делает с запада. Он решил две проблемы: не нарушил общий вид центральной улицы города и не нарушил традиционный западный вход в культовое здание.

В куполе собора Воронихин впервые применяет металлические конструкции, что оказало большое влияние на развитие русской строительной технологии.

Воронихин в строительстве собора еще остается верен классицизму 18 века: он ставит каннелированные коринфские колонны, уже чужды для стиля ампир; вместо кирпича, использует ушедший в прошлое, как строительный материал, камень.

Здание со стороны Невского проспекта - симметрично, приземисто, тяжеловесно.

Использование камня не случайно, архитектор использует резьбы по камню, что обеспечивает исключительную графическую четкость рельефов. Четко выделяются рельефы на трех фронтонах. Центральный - греческий портик имеет, соответственно, треугольную форму, и два фронтона по бокам колоннады, напоминающие римские триумфальные арки. Овальность колоннады напоминают архитектурный стиль барокко, и только стиль греческой колонны уводит нас от барочной роскоши и обращает к классической монументальности и простоте. Интерьер собора также монументально строг. Воронихин отказывается от излишних декоративных форм: внешняя строгость собора подчеркивается строгостью изнутри.

Крупным русским зодчим начала 19 века был А.Д. Захаров. Он закончил Петербургскую академию художеств с большой золотой медалью, за представленные работы был удостоен звания профессора. Наиболее значительные его работы - это проект планировки стрелки Васильевского острова, здание адмиралтейства.

Смысловым, композиционным и художественным центром Адмиралтейства является башня главного входа. Здесь мы видим трехчастную композицию, развернутую по вертикали. Внизу - глухой прямоугольный массив, прорезанный низкой аркой, далее - верхний четверик, обнесенный сквозной ионической колоннадой, и, наконец, купол и шпиль, увенчанный фигурой корабля. Захаров решает проблему принадлежности этого здания морскому флоту. Массивность нижнего яруса башни символизирует приверженность здания земле, подвластность силам земного тяготения: здесь стоят скульптуры атлантов и держат на плечах земной шар. На ярусе по углам - четыре сидящие фигуры, символизирующие аллегории. Второй ярус украшают скульптуры героев, облаченных в римские одежды.

К нижнему ярусу примыкают двухэтажные корпуса адмиралтейства, которые заканчиваются выступающим портиком и колоннадой. Здание получилось трехчастное, симметричное, приземистое, стены прилегающих к башне корпусов, массивны и монолитны, как и нижняя часть центральной башни.

Трехчастность в планировке зданий и архитектурных ансамблей стало неотъемлемой частью градостроительства, композиции пространства площадей и проспектов.

Градостроительный пафос русского ампира достигает своей кульминации в творчестве К.И. Росси. Зодчий носил фамилию своей матери - итальянской танцовщицы, приглашенной в Петербург, и оставшейся здесь навсегда.

Первым крупным проектом Росси было строительство в Петербурге Михайловского дворца, ныне Государственный Русский музей. Здание выполнено в традициях усадебного строительства. Нижний этаж представляет собой тяжелый массив с окнами, центральная часть фасада представляет собой аркаду. Второй этаж поддерживает колоннада, поддерживающая крышу и образующая балюстраду - балконное пространство между колоннами и стеной второго этажа. По горизонтали здание симметрично, трехчастно. Типичной для ампира чертой является подчеркнутая непрерывность линий по горизонтали, высокий цокольный этаж со сквозной аркадой в центре.

Оригинально Росси решает задачи градостроительства. Внутри массива Дворцовой площади существовала короткая улица. Росси перекрыл выход с улицы на площадь второй аркой и получился арочный коридор. Это был самый феерический эффект, прозванный «архитектурным театром»: для зрителя, входящего под арку открывалась картина в арочной раме.

Кульминацией всей композиции является сама триумфальная арка, задуманная, как памятник героической славы народа, победившего в войне 1812 года. Здесь мы видим обилие аллегорических скульптур, рассказывающих о героизме народа - победителя.

Веерообразно выполнена упряжка коней - колесница победы, венчающая арку.

Одно из красивейших зданий Росси - Александринский театр. Середина фасада -лоджия, выделена колоннадой ионического ордера, в глубине этого пространства - стена здания, она, как барочное сооружение играет светотенью, окруженная монолитными стенами со всех сторон. Создается впечатление втиснутого в жесткую плоскую рамку трехмерного пространства.

После Отечественной войны 1812 года, как известно, Москва сгорела. Архитекторам пришлось заново восстанавливать многие шедевры архитектуры. Так, архитектор Жидярди реконструировал Дом советов Казакова, большая группа талантливых архитекторов восстанавливала Кремль.

Московская архитектура наделена чувством «золотой середины» - это торжественность без пышности, строгость без суровости. Древний город России уже давно имел свое лицо, а потому, архитектура петербургского, западного стиля была ей чужда. Архитекторы очень деликатно подошли к вопросу формирования лица города. Москва на тот период не была столицей, здесь селилось купечество, дворянство, они заказывали строительство своих усадеб в черте города. Так вырастают жемчужины Москвы - дом Гагариных (архитектор Бове), дом Хрущева (архитектор Григорьев). Зодчие умело сочетали массы прилегающих домов, перспективу улиц, характер строений не должен был «выпячиваться» вперед своей необычностью конструкций, он должен быть неповторимой скрипкой в большом оркестре.

Григорьев. Дом Хрущёва

Общая характеристика архитектуры

Первая половина 19 века характерна строительством усадебных домов в малых городах России - Одесса, Новочеркасск, где возводится Триумфальная арка в честь победы в войне 1812 года, Воронеж, Саратов и т.д. Это обуславливается ростом капиталистических отношений, развитием промышленности.

30-50 годы 19 века были временем разложения классической системы. Предвестником этого кризиса в архитектуре послужил сам апмир с его чрезмерной перегруженностью лишними элементами. Один из признаков упадка - гигантомания.

Вспомним гигантскую архитектуру эллинизма. Гигантские здания приводят к потере чувства пропорций за счет впечатления грандиозности. Примером такой конструкции служит облик Исаакиевского собора в Петербурге, архитектора Монферрана. Нарастающий капитализм диктует свою архитектуру: от промышленного назначения до экзотики.

Исчезает ансамблевость городов, окраины застраиваются зданиями в стиле «неоготики», «необарокко», «неоренессанса» и другими «неостилями».

Самый популярный из «неостилей» в начале 19 века становится «русский стиль». По проекту архитектора Тона, в Москве строится Большой Кремлевский дворец и здание Оружейной палаты в Кремле. Здесь причудливо сочетается классицизм с русским теремным типом здания. Храм Христа Спасителя, построенного в Москве в честь победы над Наполеоном, сочетаются русские и византийские архитектурные элементы. Тон вводит пятиглавие, характерное для соборов 15-16 веков.

Вопросы:

1.Что такое ампир?

2.Какие выдающиеся памятники архитектуры созданы Воронихиным и России?

3.Чем отличается архитектура Петербурга от Москвы?

4.Какие признаки упадка классицизма?

5.Что такое колоннада, аркада?

Задание:

Дайте анализ архитектурному сооружению в стиле ампир.

33. Живопись России первой половины 19 века

В русской культуре романтизм имеет свою специфику. Россия в это время еще шла навстречу буржуазным преобразованиям. Насущным делом для России была борьбы против феодализма. Именно борьба с последним стало основой романтического протеста.

Русский романтизм имеет два этапа развития. На первый этап приходится первая треть 19 века и характерен гуманистическим пафосом дворянского периода революционного движения в России. Часто романтические черты художественного образа сочетаются сентиментализмом.

Второй этап развития приходится примерно на 30-40 годы и характерен усилением романтического протеста. Этот период в живописи характерен огромными историческими, аллегорическими и библейскими полотнами.

Живопись первой трети 19 века

Портретная живопись

Более всего романтизм проявил себя в жанре портрета. Романтический портрет складывается на основе портретов 18 века. Главным становится изображение ни внешнего облика, а порыва души человека, трепета его чувств. Существенна роль в формировании романтического портрета Ореста Кипренского.

Орест Кипренский

(1782-1836)

Сын крестьянки и помещика Дьякова, родился близ Петербурга. Незаконнорожденному сыну Дьяков не мог дать свою фамилию, поэтому фамилию он получил от места, где родился - деревня Кипря. Тем не менее, он заботился об образовании сына и определил его в Академию художеств в Петербурге. По окончании Академии перебрался в Москву, там расцвел его талант портретиста.

Языком живописи Кипренский оставил нам портреты выдающихся людей того времени - А.С. Пушкина, первого русского барда, героя Отечественной войны Дениса Давыдова.

Общий характер портретов романтический, как например, портрет мальчика А.А. Челищева. Основное внимание уделяется миру чувств, лирической самоуглубленности, трепету внутренней энергии. Однако, сами эмоции не несут в себе крайностей; в портретах ощущается глубокое внимание к индивидуальным качествам людей, реальному облику, лишь до известной степени подчиненному общей романтической идее личности. Недаром, после гибели Пушкина, отец поэта поместил в своем кабинете портрет своего сына работы Кипренского. Для романтиков характерной чертой было изображение автопортретов. «Автопортрет с кистями за ухом» Кипренского необычаен смелым световым эффектом: луч света направлен резко сбоку, почти из-за спины художника, благодаря чему предельно подчеркнуты основные формы лица, а моделирование объемов приобретает особую энергию, усиленную сочной манерой письма.

Кипренский выводит русскую живопись на передовые рубежи европейской живописи. Созданная им портретная галерея в целом воссоздает образ поколения, оказавшегося на перепутьях истории. В творчестве Кипренского оно нашло глубокого и проникновенного наблюдателя, чье искусство оказалось на высоте своего художественного и исторического призвания.

Пейзаж

Пейзаж классицизма, насыщенный историческими, архитектурными и природными достопримечательностями, в начале 19 века уступает поэтическому восприятию естественного облика природы. Сближение искусства с жизнью находит в пейзаже одно из самых ярких проявлений.

Сельвестр Щедрин

(1791-1830)

Художник принадлежал к аристократической семье. Его отец был архитектором, его дядя - Семен Щедрин - ландшафтный живописец, профессор академии, он был и первым преподавателем Сельвестра в Академии художеств.

По окончании Академии, он уезжает за границу, в Италию, где и раскрывает свой талант пейзажиста.

Сельвестра Щедрина можно считать родоначальником русской пейзажной живописи.

Семена Щедрина и Федора Алексеева пейзажи были избирательны. У Семена - это культивированная парковая природа. У Федора - архитектурный ландшафт, то есть, отношение к природе избирательно - это, так сказать, готовая срежессированная красота, «вид». Понадобилась радикальная перестройка художественного сознания, созданная романтизмом, чтобы преодолеть старую ландшафтную видопись.

Веранда, обвитая виноградом

Живописная реформа Щедрина заключается в открытии и разработке пленэрной живописи и явилось следствием нового отношения к натуре, к жизни природы.

Его итальянские пейзажи передают в основном солнечный полдень. Он полностью овладел мастерством световоздушного письма, изумительной интенсивности цветового тона. Здесь нет места коричневым с желтоватым оттенком деревьям, с картин льется поток радостного солнечного света. Романтизм Щедрина не несет романтического противопоставления, его пейзажам свойственна романтическая одержимость бесконечностью - сияющее море, тихие гавани, переливающиеся на солнце яркие краски зелени.

Ранняя смерть оборвала жизнь замечательного живописца на вершине творческой зрелости.

34. Портрет и бытовой жанр

Василий Андреевич Тропинин

(1776-1857)

Тропинин родился в семье крепостного. В 1779 году был определен графом Морковым в Академию художеств. По окончании обучения граф возвращает Василия к себе и делает его придворным художником. Всю жизнь Тропинин расплачивается за обучение, изображая семью графа, работает на его заказ, даже подает на стол в качестве официанта. Благодаря своему таланту, он достиг в живописи европейского уровня. Графу, выставляя его работы, уже было стыдно говорить, что Тропинин - его крепостной, и отпустил его уже в возрасте 53 лет.

Тропинин - один из крупнейших русских портретистов своего времени; велико его значение и в развитии бытового жанра. Художник, подобно Кипренскому, раскрывает в портретах ценность человеческой личности в не зависимости от сословия. Его интересуют душевные богатства человека.

Романтизм наложил на творчество Тропинина свой отпечаток, но в тоже время, образы несут на себе отчетливое воздействие сентиментализма. Он стремится передать в натуре меланхолически-самоуглубленный образ. Часто человек приобретает в его портретах по-домашнему непринужденный облик.

Тропинину-портретисту присуще добродушное душевное зрение, отсюда мы видим расплывчато - приблизительные образы. Легко он усваивает стилистические изменения в современном искусстве. Такова, например, в «Кружевнице», ампирная стилистика в рокайльном духе (смешение классической живописи и живописи в стиле рококо).

Человек у Тропинина - носитель определенного бытового уклада, где царит культ дружеского общения и гостеприимства.

Романтизм входит в искусство художника своими внешними приметами, успевшими осесть в толще быта. Его романтизм это уже оформившийся стереотип житейского поведения, особого рода бытовая экзотика. Так, в портрете художника Брюллова он передает его артистическую натуру с нагромождением «экзотических» атрибутов.

Тяготение художника к домашнему уюту, показана даже в известном портрете А.С. Пушкина. Великий поэт изображен в домашнем халате.

На фоне его творчества выделяется портрет сына художника - Арсения. Поток яркого света падает на его детское живое лицо, кажется, что с его светлыми кудряшками играют солнечные лучи.

Алексей Гаврилович Венецианов

(1780-1847)

Венецианов был первым русским живописцем, избравшим бытовой жанр. Ему принадлежит заслуга утверждения в русском искусстве бытового жанра, как самостоятельного вида живописи.

Тематика живописи Венецианова национальна и демократична. Он посвятил свое творчество жизни русских крестьян, обращает внимание на отдельные типажи крестьян.

Венецианов-портретист близок к Кипренскому мягким лиризмом и одновременно в его творчестве проступают меланхолические и сентиментальные нотки. Духовный облик простолюдина давно занимал лучших людей того времени. Крестьянский вопрос был еще в центре внимания передовой интеллигенции.

В его жанровой картине «Гумно» изображены позирующие крестьяне в национальных костюмах. Здесь нет классических «натуры простой» и «натуры изящной», нет противопоставления героев, напротив, изображен тихий отдых крестьян.

В картине «На пашне. Весна» молодая стройная женщина ступает на пашню босыми ногами, ведя за собой лошадей. Несоразмерно высокой, изображена женщина. Она, как символ крестьянки-мадонны показана выше лошадей, чтобы подчеркнуть ее величавость. Здесь Венецианов как бы незаметно открывает русский тип пейзажа в живописи. Он не ищет красивый вид с гротом и развалинами, не изображает виноградник под итальянским солнцем, а передает незатейливый простор русской равнины.

Портреты его крестьянок передают обаяние и терпимость русских женщин, тихое согласие с их нелегкой судьбой. Но Венецианов еще далек он реализма: его крестьянки изображены с холеными ручками, на лице просматривается макияж.

Несмотря на несовершенства в его творчестве, у него появились последователи, которые развили жанровую тематику, их творчество было названо венециановской школой. Произведения венециановской школы образуют ряд похожих по своей художественной сути ряд интерьерных и пейзажных образов. Это мир семейственности, обитатели которого живут в согласии друг с другом, это идиллия, образцом которой является крестьянский мир.

35. Историческая и компромиссная живопись. 30-40 годы

В русском романтизме середины 19 века начинается поляризация противоречий. Это связано с развитием капитализма в России. Расстрелом декабристов, нарастания кризиса крепостнической системы.

В 40 годах формируются принципы революционно - демократической идеологии. Ожесточенные споры о дальнейших путях развития России, привели к расколу русской интеллигенции на «западников» и «славянофилов». Первые считали неизбежным западноевропейский путь развития, вторые настаивали на самобытном, патриархальном укладе жизни, чуждой капитализму.

В это время в литературе и искусстве более четко проявляются черты романтизма. В изобразительном искусстве это выразилось в следующем:

метафоричности сюжета;

гиперболизм образов;

контрасты светотени;

динамика пространственных построений.

По словам Гоголя, художники изображают «сильные кризисы, чувствуемые целою массою»; сюжеты картин отображают судьбы целых народов, порой мысль живописца обращается к самой природе народных движений. Примеры тому мы можем видеть в творчестве Бруни, Брюллова, Иванова.

Федор Антонович Бруни

(1799-1875)

Параллельно с развитием романтизма продолжает существовать и академическая классическая живопись. Продолжателем классицизма был Бруни. Любимец императорского двора получил признание в ряде академий Западной Европы, сумел получить лавры и в собственной академии художеств.

Уроженец Италии, он вырос в России и был воспитан русской художественной культурой. Он учился у лучших профессоров в Петербургской Академии художеств.

В его картине «Смерть Камиллы, сестры Горация», заключен морализирующий смысл: «Порок - наказан, добродетель - торжествует».

Сюжет взят из истории Древнего Рима. В битве за Рим между двумя родами, победителем вышел один из Горациев. Единственный оставшийся в живых. Он вернулся домой триумфатором, его горячее приветствовал народ, и только сестра Камилла упрекнула его, сожалея о своем убитом женихе из вражеского рода Курианцев. Патриот, воспылав гневом, пронзил сестру мечом.

Композиция картины выдержана в традициях высокого классицизма: театральность, противопоставление героев через жест рук, прямолинейное развитие композиции, кулисная система виде затененных архитектурных строений, отсутствие индивидуальности в изображении лиц, центр композиции совпадает с центром картины.

В этой картине Бруни вводит и романтическое противопоставление чувства и разума, здесь есть сюжетная динамика. Он заразил своих героев романтической стихийной импульсивностью.

Карл Павлович Брюллов

(1799-1852)

Настоящим гением компромисса между идеалами классической школы и нововведениями романтизма в русском искусстве был Брюллов. Блестящий рисовальщик, акварелист, портретист, мастер крупной картинной формы, еще в стенах Академии художеств снискал всеобщую славу.

По окончании Академии он отправляется в Италию, где недавно археологами был раскопан город Помпей. Всю Европу облетела эта археологическая новость, началось паломничество по местам уничтоженного, когда то Везувием древнего города.

Брюллова поразил масштаб трагедии: люди не могут спастись он природной стихии. Здесь он задумал написать картину «Последний день Помпеи».

Картина стала совершенным образцом компромисса, она содержала ряд романтических черт: «гибельный» сюжет - излюбленная тема романтизма; люди во власти слепой стихии. Вместо классического представления событий, управляемых разумом и волей, мы видим всевластие романтического «рока». Героем становится народ, вместо классического одного героя. Освещение подается яркими вспышками молний. Источник света художник помещает в центр композиции. Такой световой эффект делает фигуры на переднем плане в контражуре, что придает композиционным группам динамичность. Контраст света и тьмы характерно для романтизма. Наконец, события разворачиваются не по сценической горизонтали, а выходят из глубины пространства.

Картина наделена и политическим подтекстом: с высоты своих пьедесталов падают скульптуры на головы убегающих из города людей. «Кумиры падают», как скажут потом об этом фрагменте.

«Последний день Помпеи» можно спутать и с классической живописью: жители города по-театральному красиво убегают из города, они одинаково красивы в их тела и лица выдержаны в рамках академического рисунка, особенно, в изображении женского портрета. Здесь художник изображает себя, убегающим в толпе держащим ящик с красками на голове.

Картина имела в большой успех, о высоко уровне русской живописной школы узнала вся Европа. Тогда же в 1833 году, Пушкин написал: «…и стал «Последний день Помпеи» для русской кисти - первый день».

Александр Андреевич Иванов

(1806-1858)

Иванов был гением объединения классического и романтического начала в живописи, подобно Брюллову. Первым его наставником был его отец, преподаватель в академии художеств - Андрей Иванов.

Центральная его картина, над которой он работал 20 лет - «Явление Христа народу». Это огромное полотно - продукт его напряженной работы в поисках портретов к образам людей, встречающих воскресшего Христа. Это психологический портрет каждого из свидетелей чуда явления. В центре композиции мы видим Иоанна Крестителя, который жестом указывает на восставшего из мертвых Христа. За ним - Фома, он еще не верит очевидному и пытается остановить жаждущих увидеть своего учителя - Петра и Павла. У людей чувствуется радость и порыв приблизиться к Христу, только Иуда, опустив глаза и скрестив руки на груди не испытывает радости, даже не смотрит в сторону Христа. Рабы с одинаковой радостью и непосредственностью встречают своего спасителя.

Композиция имеет как бы ось вращения вокруг Иоанна Крестителя: за ним идут люди и к нему идут люди, но он отсылает их внимание на отдельную от толпы, идущую ним фигуру Христа. Креститель и Христос образуют диагональ, но не противоречия, а согласия.

Вопросы:

1.Чем обусловлено развитие романтизма в живописи?

2.Чем характерен первый этап романтизма? Охарактеризуйте творчество художников первого этапа.

3.Каковы причины возникновения второго этапа развития романтизма в живописи?

4.Что вы знаете о выдающихся художниках второго периода?

5.Дайте полный анализ картины «Явление Христа народу». Подумайте, заключена ли в композиции суть христианской религии?

36. Русская опера начала 19 века

Русская опера зародилась в эпоху классического расцвета итальянской, французской и немецкой оперы. В 19 веке она не только догнала европейские ведущие оперные школы, но и опередила их. Многосторонний характер русской оперы, способствовал обогащению мирового реалистического искусства. Произведения русских композиторов внесли в оперу новое реалистическое и драматическое содержание.

История русской классической оперы неразрывно связана с развитием общественной жизни России, с развитием ее передовой мысли. Этими свойствами она отличалась уже в 70 годах 18 столетия, в эпоху развития русского просветительства. Формирование русской оперы шло под влиянием просветительских идей, выражавшихся в стремлении правдиво изобразить народную жизнь.

Сюжеты первых русских опер носили демократический, антикрепостнический характер.

Первые русские постановки представляли собой пьесы с музыкальными эпизодами по ходу действия, разговорной речью. Музыка первых опер была тесно связана с русской народной песней. Д.С. Бортнянского можно считать первым русским композитором, музыку которого можно поставить в ряд лучших европейских опер.

Русский музыкальный театр начала 19 века развивал традиции народной музыкальной культуры. Появляются сюжеты со сказочно-фантастической тематикой в романтическом духе, такие как «Днепровская русалка» композитора Давыдова.

Крупнейшим композитором первой трети 19 века был А. Н. Верстовский. Лучшая его опера «Аскольдова могила» - яркий пример русского романтизма. Сказки и легенды Киевской Руси лежат в основе либретто. Верстовский глубоко впитал в себя поэтику русской мелодии и выразил ее в своем творчестве. Будучи мастером оперной драматургии, он создавал романтические сцены фантастического содержания.

«Аскольдова могила» раскрывает события древней Руси во времена правления князя Святослава Игоревича.

На берегу Днепра появляется Неизвестный и подталкивает народ к свержению Святослава, а на его место посадить на княжество правнука Аскольда - Всеслава, прямого наследника престола. Юноша не знает о своем княжеском происхождении и Неизвестный на Аскольдовой могиле ждет его, чтобы открыть ему эту тайну. На этой могиле собираются первые христиане для совершения молитв, сюда должен прийти и Всеслав.

В это время Святослав пирует с ратниками, отдавая почести языческому богу радости - Усладу. Один из ратников подбивает своих друзей похитить на Аскольдовой могиле девушек. Явившийся туда Всеслав, защищает девушек и нечаянно убивает Простена - княжеского отрока. Он скрывается. Ратники среди прочих девушек забирают возлюбленную Всеслава - Надежду. Он похищает ее из неволи, и они убегают на Днепр к Аскольдовой могиле.

Злая ведьма Вахрамеевна варит зелье для Чернобога. Ратники просят ее отгадать, где прячутся беглецы. Она указывает это место.

Неизвестный предлагает беглецам свою помощь в обмен на то, что Всеслав даст клятву убить Святослава и отречется он христианской религии. Юноша решительно отказывается от его предложения и с Надеждой хотят броситься в воду, но появляется посланник Святослава и объявляет, что князь его простил и разрешает жениться на Надежде. Неизвестный садится в лодку и волны Днепра его поглощают.

Михаил Иванович Глинка

(1805-1857)

Михаил родился в селе, недалеко от Смоленска в имении своего отца. С десяти лет мальчика начинают обучать игре на фортепиано. Большую роль в формировании музыканта сыграло слушание народных песен, а также игра крепостного оркестра, который содержал его дядя.

В Петербурге он учится в Благородном пансионе при Педагогическом институте. Активно занимается музыкой, изучает западноевропейскую музыкальную классику. В нем просыпается композиторский дар. Он пишет вариации для фортепиано, симфонические эскизы, романсы.

Композитор уезжает за границу, в Италии изучает вокальный стиль бельканто, в Германии изучает теорию полифонии.

В 1834 году Жукосвкий предлагает написать историческую оперу, Глинка останавливается на сюжете об Иване Сусанине. Композитор приступает к работе над созданием оперы «Иван Сусанин».

В 1836 году в Петербурге на сцене Большого театра состоялась премьера оперы. Вскоре ему дают место капельмейстера Придворной певческой капеллы.

В этот период он пишет оперу «Руслан и Людмила», свой шедевр вальс-фантазию, романсы, среди них «Сомнение», «Я помню чудное мгновенье» на стихи Пушкина. Интересно, что Пушкин посвятил это стихотворение Анне Керн, а Глинка, переложив эти стихи на музыку, посвятил ее дочери.

Опера «Иван Сусанин» раскрывает исторические события в России 1612 года. Это время войны с Польшей. Глинка показывает героизм народных ополченцев, восставших против иноземных захватчиков.

В семье крестьянина Ивана Сусанина готовятся к свадьбе. Он выдает замуж свою дочь Антониду. Вдруг в избу врываются поляки и под угрозой смерти требуют провести их к стану Минина и в Москву. Сусанин отказывается:

Страха не страшусь

Смерти не боюсь,

Лягу за святую Русь.

Но затем у него созревает план - завести поляков в лесную глушь и погибнуть вместе с ними. Он притворно соглашается провести их за деньги и уводит их в лес. Поляки почувствовали, что это ловушка. Они убивают Сусанина, но его последние обращены к отчизне: «Я шел на смерть за Русь».

Последняя сцена происходит на Красной площади. Здесь же и семья Сусанина. Все празднуют победу над поляками, только не весело Сусаниным. На вопрос одного из воинов, почему они так грустны, сын Ивана Сусанина, Ваня рассказал о смерти его отца. Воины утешают их: «Вечно в памяти народной будет жить Иван Сусанин». На площади появляются Минин и Пожарский, народ приветствует славных полководцев. Звучит торжественная заздравница в честь воинов-освободителей, в честь русского народа и земли Русской.

В Европе оперные сюжеты сводились к мелодраматизму, к любовным отношениям, западная сцена не позволяла делать из народа главного героя, ее герои - изящные и напудренные любовницы, красиво умирающие жертвы, тогда как Глинка впервые показал на сцене народ в рубище и лаптях, показал эпохальные исторические события. Обращение к героико-патриотическому сюжету позволили композитору создать произведение большой художественной правды и силы.

С оперой Глинки является то, чего на Западе давно ищут и не находят. В Европе начинается новая стихия, новый период - период русской музыки. В этом заслуга гения русской оперы - Михаила Ивановича Глинки.

Вопросы:

1.Каковы особенности становления русской оперы?

2.Найдите признаки романтизма в опере Верстовского «Аскольдова могила» по краткому ее описанию.

3.Найдите признаки романтизма в опере Глинки «Иван Сусанин».

4.В чем состоит заслуга Глинки как композитора?

Использованная литература

1. История зарубежного искусства, М.: Изобразительное искусство, 1984

2. История русского искусства, М.: Изобразительное искусство, 1978

3. Зильберман М., Мир музыки, М.: Детская литература, 1988

4. И. Прохорова, М.: Музыкальная литература зарубежных стран, Музыка, 1988

5. Аллентов М., М.: Русское искусство 10-20 века, Искусство, 1989

6. Панкратова В.А., М.: Оперные либретто, Музыка, 1978

7. Банников И.В., М.: Три века русской поэзии, Просвещение, 1979

8. Краснобаев Б. И., М.: Очерки истории русской культуры 18 век, Просвещение, 1987

Художественная литература

1. Д. Дефо. Робинзон Крузо

2. Дж. Свифт. Путешествие Лемюэля Гулливера

3. Вольтер. Философские повести

4. Гете. Страдания юного Вертера. Фауст

5. Д.Фонвизин. Недоросль

6. А.Радищев. Путешествие из Петербурга в Москву

7. Н. Карамзин. Бедная Лиза

8. Дж. Байрон. Каин

9. М. Лермонтов. Демон

Используемая музыка

Бах. Прелюдии.

Моцарт. Симфония № 40, ария Фигаро из оперы «Фигаро», реквием.

Бетховен. Соната №14, лунная.

Шуберт. Аве Мария.

Шопен. Полонез

Глинка. Романс «Я помню чудное мгновенье», вальс-фантазия.