Открытый урок по специальности Фортепиано на тему: «Работа в классе ансамбля: развитие самостоятельности и творческой активности обучающихся»

1. Цели урока: углубление основных знаний и навыков учащихся в области ансамблевого музицирования (основные моменты «ансамблевой азбуки»);

3. развитие и активизация творческих способностей учащихся (самостоятельный анализ ансамблевых произведений);

5. знакомство учащихся с творческими заданиями в классе ансамбля.

Ход урока.

Ансамбль, как все мы знаем, является одной из форм коллективного музицирования. В классах других специальностей (домры, баяна, скрипки, духовых инструментов) ансамбль может быть представлен разным количеством участников. Для нас же, пианистов, ансамбль - это коллектив, состоящий, как правило, из двух учащихся.

Ансамблевая игра - один из самых увлекательных видов музыкального творчества. В классе ансамбля учащиеся знакомятся с лучшими образцами классической и современной музыки, расширяют музыкальный кругозор. Ансамблевое музицирование, кроме того, обладает огромными развивающими возможностями. Все мы знаем, что игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритмику, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки. Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического).

Если нам зададут вопрос: сложно или просто работать в классе ансамбля?, то мы вряд ли сможем ответить однозначно.

С одной стороны, предмет этот вызывает неподдельный интерес у учащихся, а, как известно, мотивация является мощным стимулом в работе. Поэтому дети часто работают в ансамбле с гораздо большей отдачей, чем, скажем, это происходит со специальностью.

Еще один плюс в сторону несложности преподавания ансамбля в той программе, которую приходится исполнять. Здесь мы не увидим ни этюдов, где ученик должен работать технически в одиночку, ни таких сложных произведений, как полифония или крупная форма. Как правило, в ансамбле мы имеем дело с малыми формами - пьесами, образными, характерными. Это также привлекает учащихся и преподавателей.

Кроме того, ограничивающих рамок по классам здесь нет, и произведения для каждого конкретного ансамбля мы можем выбрать в соответствии со способностями и темпераментом учащихся.

С другой стороны, есть достаточно весомый аргумент, который сводит на «нет», перекрывает все наши перечисленные выше плюсы и делает этот предмет весьма непростым. Как известно, не бывает абсолютно одинаковых людей. Все люди индивидуальны. Конечно, мы стараемся подбирать детей в ансамбль с более или менее одинаковыми способностями, но это не всегда возможно. И на урок по ансамблю приходят учащиеся, имеющие разный слух, разное чувство ритма, разное звукопроизношение, разную музыкальную память, разное эмоциональное восприятие. Иными словами, приходят индивидуальности.

И главная задача педагога - преодолеть имеющуюся разницу, объединить эти индивидуальности в один творческий союз (именно творческий) и направить его к единой цели - воплощению замысла композитора в конкретном произведении. Задача эта достаточно сложная, и быстрее и легче решаемой, на мой взгляд, она может стать, если как можно раньше вовлечь учащихся в процесс творчества, предоставить возможность активной самостоятельной работы в классе. В этом случае юные музыканты сами участвуют в создании произведения, а педагог лишь направляет их работу. С этой целью в нашей школе мы пересмотрели учебные планы и ввели ансамбль со 2-го класса, чтобы учащиеся как можно раньше познакомились с этим предметом. Чем раньше ученик начинает играть в ансамбле, тем более грамотный, техничный музыкант из него вырастет.

В моем представлении вся работа в ансамбле делится на две части (или два уровня): повседневная, основная (или классная) работа и предконкурсная подготовка. Основная работа проводится на каждом уроке, и суть ее в том, что учащиеся с самого первого занятия работают вместе. Если берется произведение, требующее предварительной работы, то на первом занятии происходит знакомство с текстом, а собственно совместная работа начинается со второго урока.

К такому методу я пришла не сразу. Сначала я работала с каждым учеником отдельно, как с солистом, тщательно выучивая его партию и затем соединяя учащихся в ансамбль. При такой работе ощущение баланса, ощущение ансамбля вообще развивается гораздо медленнее. Согласитесь, говорить ученику о том, что здесь соло у него, а здесь - у его партнера, менее доходчиво, чем при совместном разборе сразу, когда оба партнера работают вместе. При предварительной индивидуальной работе учащиеся в ансамбле играют довольно долго как солисты, а не участники одно музыкального коллектива (играют часто формально - громко-тихо, не вдаваясь особенно в другую партию). Такой вариант меня всегда не устраивал, и однажды я решила дать учащимся для чтения с листа несложный ансамбль. Им это понравилось. Потом это было перенесено непосредственно в ансамбль. Сначала мы просто читали с листа, потом стали глубже вникать в текст, стали анализировать и находить основные точки соприкосновения в ансамбле. И в конечном результате пришли к тому, что основная работа на уроках проводится теперь таким вот образом.

Любой музыкант, даже маленький, должен быть музыкантом думающим. Все наши замечания он должен пропускать через голову, через себя, и тогда нам не придется говорить одно и то же по несколько раз, тогда он будет работать с полным пониманием того, что ему необходимо выразить в музыке. Чтобы заставить думать ученика полезно использовать проблемно-творческий метод в работе, который является одним из ведущих в преподавании. Суть его в том, что материал не преподносится в готовом виде, педагог ставит перед учениками проблемный вопросы, дает им какие-то задания. Совместный поиск правильных решений способствует более глубокому и осознанному пониманию проблемы. В этом случае, ученики являются своего рода «первооткрывателями», и, решив поставленную задачу самостоятельно, без навязывания педагогом, будут стараться закрепить самостоятельно добытые знания. Именно такая работа и проводится на каждом уроке. Она направлена в первую очередь на освоение ансамблевой азбуки, попутно захватывает и чисто фортепианную исполнительскую грамоту, знакомит учащихся с большим количеством произведений для фортепианного ансамбля. Этот этап (основной, повседневный) открывает большие возможности для самостоятельной работы и проявления творческой инициативы учащихся. Сейчас мы вам это и продемонстрируем.

В открытом уроке принимают участие Балычева Диана (2 класс) и Бояркина Катя (3 класс). Обе они в ансамбле играют первый год.

Девочки готовятся к конкурсу, поэтому вся работа направлена на подготовку конкурсных произведений. Но к открытому уроку мы прошли дополнительно ряд несложных произведений, работая непосредственно в классе.

М. И. Глинка «Ходит ветер у ворот».

Ученицам предлагается зрительно ознакомиться с текстом пьесы. Затем педагог просит учащихся сыграть наиболее трудные с точки зрения чтения с листа места в каждой партии отдельно (синхронное место в двух партиях, ритмически трудное место в первой партии, заключение во второй партии).

(Учащиеся исполняют их).

Далее начинается анализ текста. Педагог задает вопросы:

где мелодия, а где аккомпанемент?

(в 1-ой партии - мелодия, во 2-ой - аккомпанемент);

что главное, а что второстепенное?

(главное - мелодия, аккомпанемент - второстепенное);

что главное во второй партии?

(главное - бас);

как развивается фраза?

(фраза строится по 4 такта и развитие идет к 3-му такту).

Педагог обращает внимание девочек на динамику в пьесе, на «эхо» основного мотива и затем предлагает сыграть пьесу целиком с учетом фразировки, баланса, динамики.

Первые звуки пьесы девочки берут не вместе. Педагог останавливает их, объясняет, как это важно - играть синхронно, а тем более - начать вместе. Первый аккорд содержит в себе две функции - совместное начало и определение последующего темпа. На помощь придет дыхание. Вдох - самый естественный и понятный сигнал о начале игры для любого музыканты. Как певцы перед исполнением берут дыхание, так и музыканты - исполнители, но у каждого инструмента своя специфика. Духовики показывают вдох началом звука, скрипачи - движением смычка, мы, пианисты - "вздохом" кисти руки и прикосновением к клавише. Педагог предлагает учащимся по взмаху кисти взять дыхание, задержать его и с выдохом, посмотрев на руки друг друга, начать играть. Такое упражнение ученицы повторяют несколько раз прежде, чем начинают играть синхронно.

(Исполняется пьеса целиком).

Учащимся предлагается продумать педаль

(берем педаль, как в «Польке» - на «раз» - взять, на «и» - снять)

По ходу игры предлагается прослушать внимательно педаль и частично убрать ее. Учащиеся принимают решение по поводу педали сами и исполняют отмеченные кусочки уже с исправленной педалью.

Задание на дом: играть эту пьесу увереннее и живее. Как правило, на следующем уроке она сдается. Если пьеса более сложная или более объемная, та работа на уроке происходит таким же образом, но с кусочком произведения, на следующем уроке добавляется еще кусочек и так далее.

Из творческих заданий мы показали самостоятельную работу по анализу текста, по взятию педали. Можно предложить учащимся самостоятельно продумать и расписать аппликатуру, поэкспериментировать с динамикой (естественно, если дело касается произведения современного автора).

И как итог такой творческой работы можно дать задание самостоятельно подготовить пьесу целиком.

Вот так мы работаем в классе. Такой метод, на мой взгляд, позволяет более активно включать учащихся в работу, способствует более легкому вхождению в ансамбль, вырабатывает быстроту зрительного «схватывания» ансамблевого текста, что немаловажно для дальнейшей работы в ансамбле. Это полезно так же и для развития навыка чтения с листа.

Кроме того, такая работа очень раскрепощает детей. Педагог не диктует свою волю, а общается с учащимися на равных, как с соавторами, приходя сообща к каким-то решениям.

Если такой работой заниматься регулярно и поступенно, то это, в общем-то, несложно.

Я никому не навязываю своего мнения. У каждого из сидящих здесь свой опыт, свои наработки, свои методы работы. Может быть кто-то попробует этот метод как вариант и для себя найдет тоже что-то интересное.

Переходим ко второй части нашего урока. Это предконкурсная подготовка. На этом этапе я работаю несколько иначе. Как правило, для конкурсов мы берем пьесы более сложные, чем в обычной практике (конкурс есть конкурс, и он требует определенного уровня). Поэтому сразу начать работу вместе не представляется возможным. С каждым учеником отдельно разбираем текст, обращая внимание на детали, трудные места, фразировку, аппликатуру, штрихи и т.д., иными словами, на все, из чего состоит текст. При всем при этом долго на такой работе я не задерживаюсь. Как только текст в общих чертах разобран, «схвачен», мы начинаем работать вместе. Если по ходу работы возникают какие-то сложности, тогда прорабатываем их индивидуально.

В. Соловьев. Полька.

Данная «Полька» представляет собой классический вариант ансамбля: есть части, где в чистом виде традиционный ансамбль (1-ая партия - мелодия, 2-я - аккомпанемент); есть переклички между партиями, где ансамблисты должны передавать мелодию друг другу без «швов», должны очень хорошо слышать окончание партии партнера и представлять начало своей партии, (цифры 4 и 5); есть часть, где партнеры меняются местами (2-я партия ведет мелодию, а 1-я - аккомпанемент).

(Учащиеся исполняют пьесу).

Преподаватель обращает внимание на совместное начало произведения (задерживаем дыхание по жесту, как на хоре, и по жесту начинаем играть вместе с выдохом). Преподаватель объясняет учащимся, что главным в данном случае, «дирижером», как правило, является музыкант, ведущий первую партию. Он должен сделать небольшой взмах рукой, при этом второй участник следит за этим движением.

Педагог задает вопрос: « Что самое важное в ансамбле?»

(играть вместе и баланс).

Да, действительно, самое главное, чего нужно добиваться в ансамбле, это -

синхронность при взятии звука;

равновесие в звучании;

единство штрихов;

умение вести и передавать мелодическую линию от партии к партии;

ощущение единой ритмической пульсации.

В первой части пьесы проводится работа над балансом во 2-ой партии и балансом ансамбля в целом.

(Ученики играют, слушая равновесие между мелодией и аккомпанементом).

Далее педагог просит сыграть аккомпанемент (2-я партия) и восьмые ноты в 1-ой партии, добиваясь синхронности, затем исполняется цифра 1 полностью по тексту.

Во второй части отрабатывается звук в перекличках тем (цифры 4 и 5). Педагог обращает внимание на восьмые ноты аккомпанемента в 1-ой партии, просит ученицу убрать их и прослушать четверти, в которых заключена мелодическая линия (цифра 5).

Отдельно прорабатывается переход к третьей части пьесы (совместное замедление).

Больше всего внимания уделено заключительной части «Польки».

В начале этой части мелодия переходит во вторую партию, а у первой в это время - аккомпанемент.

Для выработки синхронности и ровности 16-х нот учащимся предложено сыграть следующим образом:

1-я п. - левая рука, 2-я п. - левая рука;

1-я п. - 2 руки, 2-я п. - левая рука;

1-я п. - 2 руки, 2-я п. - правая рука;

1-я п. - левая рука, 2-я п. - 2 руки.

Для правильного равновесия:

1-я п. - 2 руки, 2-я п. - левая рука (исполняются тихо, но активно).

Педагог дает задание исполнить кусочек целиком, слушая баланс и синхронную ровность 16-х нот.

(Учащиеся играют).

Синхронные 16-е ноты, которые идут в двух партиях, предложено поиграть сначала с акцентами (1-я п. - правая рука, 2-я п. - правая рука), а потом полностью по тексту.

Отдельно прорабатываются синхронные 16-е в первой партии. Предлагается играть по левой руке, как менее подвижной и активной.

(Ученица отдельно играет левой рукой, а затем двумя руками).

В заключение урока показана игра с выключением партий поочередно. Этот прием используется как упражнение для концентрации внимания и вырабатывания навыка быстрого подхватывания текста в случае его потери во время выступления.

Вот таким образом проходит работа в моем классе ансамбля.

В заключение хочется сказать несколько хороших слов об ансамбле.

О том, что ансамблевое музицирование обладает огромными развивающими возможностями, мы уже говорили. Она доставляет ребёнку огромное удовольствие и радость. Игра в ансамбле учит слушать партнёра, учит музыкальному мышлению: это искусство вести диалог с партнёром, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать. Если это искусство в процессе обучения постигается ребёнком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Предмет «ансамбль», безусловно, весьма интересен и очень полезен. Кроме всего, перечисленного выше, он способствует, во-первых, знакомству учащихся с большим количеством произведений, чем выполняет просветительскую функцию; во-вторых, приучает к творческой, активной самостоятельной работе, которая в свою очередь дает толчок к дальнейшему совершенствованию; в-третьих, что самое главное, - развивает у учащихся основное и необходимое качество, без которого нет музыканта, - слух.

Поэтому ансамблю в музыкальной школе должно уделяться внимание, пожалуй, не меньшее, чем другим предметам.

10