АНСАМБЛЕВОЕ МУЗИЦИРОВАНИЕ КАК ФОРМА ТВОРЧЕСКОГО РАЗВИТИЯ УЧАЩИХСЯ

Радость и удовольствие от совместного музицирования с первых дней обучения – залог интереса к этому виду искусства – музыке.Это, прежде всего возможность ознакомления с музыкальной литературой различных художественных стилей и эпох, что способствует развитию музыкальности, эмоциональной отзывчивости на музыку. Также это развитие специфических способностей: музыкального слуха, памяти, ритма, техники.Ансамблевая игра обладает широкими возможностями в развитии тембро - динамического слуха.Это поиск...
Раздел Другое
Класс -
Тип Другие методич. материалы
Автор
Дата
Формат docx
Изображения Нет
For-Teacher.ru - все для учителя
Поделитесь с коллегами:

Маркина Т.И.


АНСАМБЛЕВОЕ МУЗИЦИРОВАНИЕ КАК ФОРМА

ТВОРЧЕСКОГО РАЗВИТИЯ УЧАЩИХСЯ.

В последние годы концепция развивающего обучения является практически главенствующей в современной педагогической науке. В процессе обучения происходит интенсивное и всестороннее развитие способностей учащихся. Непосредственно воздействуя на эмоциональную и нравственную сферу ребенка, музыка играет огромную роль в формировании творчески мыслящей духовно богатой личности. Ансамблевое музицирование издавна известно не только как разновидность исполнительской деятельности, но и как одна из самых доступных форм ознакомления учащихся с миром музыки. Совместное исполнение вызывает у учащихся неподдельный интерес, что, как известно, является мощным стимулом в работе. Творческая атмосфера этих занятий предполагает активное участие детей в учебном процессе. Радость и удовольствие от совместного музицирования с первых дней обучения - залог интереса к этому виду искусства - музыке. При этом каждый ребёнок становится активным участником ансамбля, независимо от уровня его способностей в данный момент, что способствует психологической раскованности, свободе, дружелюбной атмосфере в классе. Педагоги-практики знают, что игра в ансамбле как нельзя лучше совершенствует умение читать с листа, является незаменимой с точки зрения выработки технических навыков и умений, необходимых для сольного исполнения. Еще важнее то, что игра в ансамбле учит слушать партнера, вести диалог, то есть уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать. Если это искусство постигается музыкантом, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Игра на фортепиано в 4 руки - это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом, занимаются и поныне. В чем же польза ансамблевой игры? В силу каких причин оно оказывается способным стимулировать творческое развитие учащихся?

Это, прежде всего возможность ознакомления с музыкальной литературой различных художественных стилей и эпох, что способствует развитию музыкальности, эмоциональной отзывчивости на музыку. Также это развитие специфических способностей: музыкального слуха, памяти, ритма, техники.

Очень часто ученики, имеющие средние способности, (а таких, к сожалению, большинство), не могут исполнить на фортепиано достаточно серьезные, яркие произведения, так как они имеют проблемы в разборе текста, с трудом разбираются в фортепианной фактуре. Поэтому выучить концертное произведение, в котором технические трудности, сложные гармонии, большой объем им не по силам. Они оканчивают школу, так и не познав огромные возможности фортепиано, которое не зря называют инструмент - оркестр. Струнники, народники, духовики, посещая предмет «оркестр», участвуют в коллективном творческом процессе. Партия каждого участника оркестра не очень сложная, а вместе звучит - получается здорово. Поэтому ученики любят играть в оркестре. Пианисты этого лишены. Но хотя бы в фортепианном ансамбле, где происходит разделение нотного материала на две части, что облегчает в какой- то мере исполнение, ученики имеют возможность поиграть достаточно сложные интересные фортепианные произведения и выступить на концерте. Один ученик не смог бы сыграть произведение такого уровня, а вместе получается. Вот и ответ на вопрос: «Почему дети с большим интересом занимаются ансамблем?»

Формирование звуковысотных представлений начинается еще в донотном периоде с подбора мелодий на материале детских и народных песен с текстом, что развивает мелодический слух. Этот период тесно связан с ансамблевым музицированием в дуэте: педагог-ученик. За счет гармонического сопровождения исполнение становится более красочным. Сейчас есть много ансамблей, которые сразу же приучают ребенка к сложным гармониям. Развитие гармонического слуха будет идти параллельно с мелодическим, так как ученик будет воспринимать полностью вертикаль.

Ансамблевая игра обладает широкими возможностями в развитии тембро - динамического слуха. Это поиск тембровых красок, динамических нюансов, штриховых эффектов, звучания оркестровых инструментов в solo и полнозвучных tutti. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства - одного из главных элементов музыки. «Чувство ровности движения приобретается всякой совместной игрой» - писал Н.А. Римский-Корсаков.

В ансамблевом исполнении приходится сталкиваться с моментами отсчета длительных пауз. Простой и эффективный способ преодоления этой трудности - поиграть звучащую у партнера музыку. Память ансамблиста формируется более интенсивно, чем у солиста, так как возникает необходимость знать, представлять и партию партнера, а также уметь вовремя подхватить (если остановился), сориентироваться и вновь включиться в игру.

Ансамбль всегда начинается с подбора партнеров. Это нелегкая задача, так как, желательно, чтобы они соответствовали друг другу по исполнительскому уровню, технической подготовке. Очень помогает, когда дети, играющие в ансамбле, дружат, имеют возможность приходить друг к другу в гости, сыгрываться. Желательно подбирать репертуар, учитывая интересы и вкусы обоих партнеров. А распределяя по партиям учитывать специфические особенности каждого ребенка: музыкальность, техническую подготовку, объем руки. Здесь одинаково недопустимы как завышение, так и занижение трудностей партии. В первом случае учащийся будет слишком долго выучивать её и просто плохо исполнять, во втором - он не получит от занятий в ансамбле ожидаемого творческого удовлетворения.

К первым шагам в овладении ансамблевой техники можно отнести следующие разделы начального обучения: особенности посадки и педализации; способы достижения синхронности при взятии и снятии звука; равновесие звучания в удвоениях, аккордах и унисонах; передача голоса от партнера к партнеру; соблюдение общности ритмического пульса.

Посадка при четырёхручной игре за одним инструментом отличается тем, что каждый имеет в своём распоряжении только половину клавиатуры. Партнёры должны так её «поделить» чтобы не мешать друг другу, особенно при сближающемся, или перекрещивающемся голосоведении (один локоть под другим).

Педализирует исполнитель партии Secondo, так как она служит фундаментом мелодии, чаще всего проходящей в верхних регистрах. При этом ему необходимо очень внимательно следить за тем, что происходит в соседней партии, слушать своего товарища и учитывать его исполнительские «интересы». Умение слушать не только то, сам играешь, а одновременно и то, что играет партнер - основа совместного исполнительства во всех его видах. Чтобы обострить слух ученика можно предложить исполнителю второй партии, не играя, только педалировать во время исполнения. При этом сразу же обнаружится насколько это непривычно и требует особого внимания и навыка.

Часто возникают проблемы из-за отсутствия у пианистов навыков переворачивания страниц и отсчета длительных пауз. Музыкант должен уметь не терять нить повествования в перерывах звучания, понимать выразительное значение длительной паузы или выдержанного звука. Самый простой способ преодолеть боязнь пропустить момент вступления - знать звучащую у партнера музыку. Тогда пауза перестает быть томительным ожиданием и заполняется живым звуком. Следует установить, кому из партнеров в зависимости от занятости рук удобней перевернуть страницу - этому тоже надо учиться.

Синхронность звучания является результатом важнейших качеств ансамбля и одним из технических требований совместной игры. Одновременное вступление обычно достигается незаметным жестом одного из участников ансамбля. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание. Одновременное окончание имеет не меньшее значение, чем начало. Не вместе взятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе снятый.

Большое значение в ансамблевом исполнительстве имеет темп, который определяется ритмическим рисунком мелодии или голосами сопровождения, например, в виде гармонической фигурации. Один из партнеров приобретает функции «ведущего», а другой - «ведомого». Эти функции в процессе исполнения меняются. При ансамблевой игре партнеры должны определить темп, еще не начав совместного исполнения, и в процессе игры темпо-ритм должен быть коллективным. Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорениям, что обычно происходит при crescendo, в пассажах при желании «проскочить» трудные технические места. В дуэте же непременно один из участников оказывается как бы корректором.

Динамика в ансамблевом исполнении является одним из самых действенных выразительных средств. Большое значение она приобретает в сфере фразировки: по-разному расставленные логические акценты кардинально меняют смысл музыкального построения. Динамика ансамбля всегда шире и богаче сольного исполнения. Предпосылкой согласованного ансамбля является установление в партиях единых штрихов и исполнительских указаний. Также важен и верный выбор аппликатуры, помогающий преодолеть многие пианистические трудности.

Таким образом, овладение техникой совместного исполнительства основано на специфических компонентах совместной игры: посадка, педализация, синхронность, темпо-ритмическое единство, динамическое разнообразие.

Уроки аккомпанемента служат логическим продолжением занятий в классе фортепианного ансамбля. Все эти наработки должны получить дальнейшее развитие, и, как результат, желательно, чтобы при окончании учебного курса учащиеся могли аккомпанировать, читать с листа, музицировать.

В отличие от фортепианных дуэтов камерные ансамбли с участием фортепиано (фортепианные трио, дуэты различных инструментов и фортепиано) в условиях музыкальной школы образуются редко. Мне довелось вести камерный ансамбль в классическом составе - трио (скрипка, виолончель и фортепиано) в средних классах и дуэт (скрипка и фортепиано) в старших классах. Сразу же столкнулась с проблемой репертуара для детей. Это могут быть как оригинальные произведения камерной инструментальной музыки отечественных и зарубежных композиторов, так и переложения. Например, дети с удовольствием играют доступные пьесы из «Детского альбома» П.И. Чайковского и «Альбома для юношества» Р. Шумана в переложении для трио.

Для пианистов, играющих в ансамбле со струнными инструментами, задача усложняется тем, что происходит сочетание разнородных инструментов. Это вызывает дополнительные сложности в вопросах технической и динамической согласованности, в выработке слитности звучания. Если струнники на занятиях по специальности сталкиваются с фортепиано в качестве аккомпанирующего инструмента, то для молодых пианистов работа со скрипачом и виолончелистом является неизведанной областью.

Камерный ансамбль изначально предполагает равенство партнеров. Изучая на уроках инструментальную музыку, преподаватель должен ориентироваться на ее лучшие образцы. Обычно, партия фортепиано в таких произведениях достаточно трудна, поэтому следует отобрать произведения, соответствующие уровню музыкальной школы. Занятия необходимо начинать с подробного знакомства с тем инструментом, с которым ученик будет играть: об особенностях строения, нотной записи, звуковедения, роли в оркестре и т.д.

Прежде всего, следует пересмотреть вопросы динамики в сторону ее смягчения. Forte в совместной игре со скрипачом и виолончелистом никогда не достигает той силы, которая возможна при исполнении сольной программы. Научить слушать партнера и установить правильный баланс звучания - основной закон ансамблевого исполнительства.

Пианист - ансамблист должен более экономно пользоваться педалью. «Жирная» педаль, как правило, противопоказана струнным инструментам. Особо важно сохранить педальную чуткость в местах прозрачного звучания струнных, в произведениях с полифоническим развитием, педаль сводится до минимума. Очень точно следует снимать педаль при окончании совместных фраз, когда прекращение звука должно быть одновременным с остановкой смычка.

Пианист должен знать технологию струнных инструментов, их штриховую специфику с тем, чтобы в соответствующих местах приближать звучание фортепиано к характеру извлечению звука инструмента (pizzicato, flagioletto) , а также учитывать регистр, в котором исполняется данная фраза или штрих (detache, legato).

Н. Перельман отмечал: « Для всех струнных инструментов «tenuto» - действие, лишь для рояля оно бездействие, но, к счастью, мнимое. Статика внешняя здесь заменяется напряженной динамикой слуха, внимания и контроля».

Пианист - ансамблист должен приспособиться к совместному исполнению аккордов. Как известно, инструменталисты их « ломают», и надо подхватить верхнюю часть аккорда, пропустив нижнюю. Следует также учитывать моменты переходов со струны на струну или смену позиций при скачках.

Необходимо установить общность фразировочных лиг и штрихов с тем, чтобы в аналогичных местах они точно совпадали.

Постоянного совершенствования в ансамбле требует техника "подхвата" гаммообразных пассажей - точного вступления и передачи ведущего голоса из одной партии в другую.

Один из главных показателей качества ансамблевой игры - синхронность звучания. Необходимо, чтобы все ускорения и замедления темпа были прочувствованы и отработаны, при этом, не становясь заученными раз и навсегда. Работая над ансамблевой слаженностью, необходимо разучивать произведение в медленном темпе. Именно в медленном темпе будут выявлены и устранены различные неточности, отработаны и закреплены основные элементы исполнительского замысла. Проигрывая произведение в среднем темпе, желательно в первую очередь обращать внимание на то, чтобы исполнение выявляло музыкальное развитие, динамику и агогику. Даже когда работа над произведением близится к завершению, целесообразно периодически возвращаться к медленному и среднему темпу. Аналогичный принцип должен соблюдаться и при работе над динамическими оттенками. В отличие от сольного исполнительства, варьирование динамического рисунка во время эстрадного выступления одним из ансамблистов может негативно сказаться на качестве исполнения, разрушив целостность и выразительность звучания.

Итог кропотливой и многосторонней работы - концертное выступление. Для любого исполнителя, тем более для неопытного ансамбля выход в большой зал, всегда стресс. Репетиционные занятия проходят в классе, в камерной акустике, естественной для ансамблевого музицирования. В классе вырабатываются соответствующие манера и тон подачи реплик, соизмеряются параметры - f и p, налаживается контакт между партнерами, то есть они чувствуют себя вполне естественно и свободно.

Однако первая репетиция в зале может принести больше огорчений, чем радости, как самому ансамблю, так и его руководителю. Партнеры плохо слышат себя и друг друга и явно испытывают психологический дискомфорт. От прежнего классного исполнения, яркого и убедительного, остаётся лишь воспоминание. Шероховатости, которые в классе казались незначительными, на сцене могут превратиться в недостатки, порой влияющие на интерпретацию произведения в целом. В такой ситуации педагогу приходится менять задуманное, ставить перед ансамблем новые цели. Многие педагоги, музыканты практикуют так называемый "прогон" - безостановочное исполнение пьесы от начала до конца, обычно приглашая "для публики" учащихся класса и друзей. Такие репетиции - концерты помогают не только ощутить целостность исполнения, но и адаптировать исполнителей к сцене. Концертная эстрада служит хорошей проверкой проделанной работы.

Камерный ансамбль - это своеобразное музыкальное общение, сотворчество. Отсюда вывод - в оркестре или сольном исполнении обязательно единоначалие, а в ансамбле - только равноправие.

Ансамблевое музицирование в музыкальной школе обладает огромным развивающим потенциалом всего комплекса способностей учащихся: расширяется музыкальный кругозор, интеллект музыканта, воспитывается и формируется художественный вкус, понимание стиля, формы, содержания исполняемого произведения. Мобилизуются ресурсы, появляется смысл занятий, ребенок ощущает успех - единственный источник внутренних сил и мотивации. А когда учащийся получит удовлетворение от совместной выполненной работы, почувствует радость взаимной поддержки - можно считать, занятия в классе ансамбля дали нужный результат.







Список литературы

1.Благой Д. Искусство камерного ансамбля и музыкально-педагогический процесс. М. 1979.

2. Берлизов Д.А. М.В.Мильман о роли и значении камерного ансамбля. М. 2009.

3. Готлиб А. Заметки о фортепианном ансамбле. М. 1973.

4. Зыбцев А.Л. Из опыта работы педагога класса камерного ансамбля. М. 1079.

5.Самойлович Т. Некоторые методические вопросы работы в классе фортепианного ансамбля. Л.1986.

6.Щапов А.П. Фортепианная педагогика М.1960.

7.Цыпмн А.П. Обучение игре на фортепиано. М. Просвещение.1984.

© 2010-2022